Hogyan változott az emberkép a középkori művészetben. Középkori portré

2. lecke. Legfőbb ideje

A személykép a világ művészeti kultúra történetének egyik legvitatottabb fogalma. Különböző korszakokban az emberek különbözőképpen érzékelték magukat. És ettől a felfogástól megváltozott az életmódja. Ma történelmi korszakokon keresztül szeretnék párhuzamot vonni, és megmutatni, hogyan változott ez a kép.

Az ókor korszaka.
Az ókor korszakát a felvilágosodás korszakának tekintik. A természetességet tartották a legfontosabbnak az emberek világfelfogásában, és az emberi test etalonként szolgált a művészet világában. Az emberi test arányainak felépítésének hasonlósága alapján az emberek épületeket emeltek. Isten ember volt, az ember pedig isten. Az isteneket emberi szenvedélyekkel ruházták fel, és bűnöket és szobrokat állítottak az embereknek, mint az istenek. Az emberi test egy templom volt. A szobrász minden mozdulatot és minden ruhahajtást márványból alkotott újra. Minden izom a helyén volt, és egy kőbe fagyott pillanat benyomását keltette, mintha a gorgon Medusa tekintete ragadta volna meg.

Nemcsak a szobrászat reprodukálta az emberi testet. A falfreskók behozták a szobába azt, amit az emberek látni akartak - tájképeket, lakomák jeleneteit, táncokat, mitológiai motívumokat, erotikus jellegű jeleneteket. És mindent ugyanúgy ábrázoltak - nagy pontossággal.

Az i.sz. 1-3. században, miután Nagy Sándor elfoglalta Egyiptomot, az egyiptomi Fayum városában temetkezési portrékat készítettek, amelyek az élő személyhez való feltűnő hasonlóságukkal és a reneszánsz festményekre emlékeztető kivitelezési technikával tűnnek ki. Az emberek csak ezer év múlva tanulnak meg újra így írni.

Középkor.
A középkor különböző becslések szerint nyolcszáztól ezerkétszáz évig tartott Európa különböző vidékein. Zavaros idők időszaka volt ez, sok mérföldkövet magában foglalva, mind a történelemben, mind a művészetben. Isten lett a fő dolog az európai emberek számára. A test kezdetlegessé, a halhatatlan emberi lélek béklyójává változott. Végül is a lélek halhatatlan, de mi a test? A test természetesen állandóan akar valamit: enni, aludni, melegre, szeretetre van szüksége. Jézus szenvedett értünk a kereszten, és nekünk is szenvednünk kell testünk megszelídítése által, hogy megtisztítsuk lelkünket. Az ember bűnben fogantatott, bűnben születik, és élete hátralévő részében ezt a bűnt próbálja engesztelni, hogy bejusson a mennyek országába.

Akárcsak Egyiptomban, itt is létezik az élet élet utáni kultusza, de Egyiptommal ellentétben egy középkori ember számára az életnek csak a halál után kellett volna kezdődnie. És mivel a test annyira törékeny, és valójában felesleges is, nincs értelme gyönyörűen ábrázolni. Eleinte a művészek megtanulták, hogyan kell embereket rajzolni, majd évszázadokkal később újra megpróbálták tanulni.

A férfi kicsi volt és jelentéktelen, de ami fejlődött, az a templomi művészet és az építészet. A zűrzavaros háborús idő átadta helyét a békének – a román stílust az építészetben vastag erődfalaival és kis kibúvóablakaival felváltotta a gótika, és ez lett az első stílus, amely egész Európát egyesítette. A gótikus korszakban a templom már nem volt védelmi építmény, ahol sok embert Isten védett (és vastag falak), egyre többen látogattak el templomokba, és az építészeknek több belső teret kellett biztosítani, hogy minden plébános elférjen. Ezt úgy döntötték el, hogy az épület súlyát a beltéri íves szerkezetre, kívül pedig a repülő támpillérekre és támpillérekre osztották fel. Maga a „gótika” elnevezés abból a gúnyból ered, hogy a katedrálisok íves kialakítása a gótikus törzsek által épített házakhoz hasonlított, a fák tetejét összekapcsolva kupolás lakóházat alkotva. Az épület tömegének elosztása megoldotta a vastag falak problémáját, és lehetővé tette az építészek számára, hogy hatalmas ablaknyílásokat tervezzenek, amelyeket egyidejűleg ólomüveggel töltöttek ki. A dekorok sokasága tette teljessé a képet - minden, ami a világon van, a Teremtő alkotta -, ami azt jelenti, hogy nincs semmi baj, ha mindenhol használjuk. Képzeld csak el: egy egyszerű falusi ember jön a városba a templomba, és egy gyönyörű hatalmas áttört építmény áll előtte. Bemegy, és meglátja a szikrázó ablaknyílások csillogó fénysugarait, amelyek szenteket és jeleneteket ábrázolnak a Bibliából. És megérti, hogy Isten valóban létezik.

Reneszánsz.

A középkor után jön a reneszánsz, amikor az emberek elkezdték felásni az ókori városokat, megtalálni az ősi műtárgyakat, és megértették, hogy a dolgok egykor másként voltak. Az egyház hatalmának gyengülése a társadalom szekulárisabbá válásához vezet. A művészek újra megtanulják megfesteni az embert, csak ehhez fel kell nyitniuk, hogy megtudják, hol helyezkednek el az izmok és a csontok, és hogyan lehet ebből helyesen sziluettet rajzolni. Továbbra is írnak vallási témákról, ugyanakkor az emberek megbízzák őket, hogy szentként festsék meg portréikat, ami azt mutatja, hogy az egyház mennyire elvesztette hatalmát. A művészek technikákkal kísérleteznek, új színeket, új stílusokat találnak ki. Ismeretes, hogy Leonardo da Vinci az elsők között festett olajjal. Verrocchio „Krisztus megkeresztelkedése”, egy térdelő angyal című festményéhez való hozzájárulása olyan fényesnek és élénknek bizonyult, hogy a legenda szerint Verrocchio otthagyta a festészetet a szobrászatért, mondván, hogy a diák az első alkalommal felülmúlta a tanárt. és nem volt mit tanítania neki .

Barokk korszak.
A reneszánszot követő, de jellegében eltérő a barokk korszak. A barokk kor emberei a szépségről alkotott elképzelésükben eltávolodnak az ősi természetességtől, és igyekeznek testüket deformálni, modernizálni, új, ideális formát adni. Divatba jöttek a fűzők, a festett „foltokkal” kifehérített arcok, a púderes parókák, amelyekben tetvek és egerek nyüzsögtek. A göndör férfi parókákat egyébként XIV. Lajos király vezette be a divatba. A „tartsd közel a barátaidat, és még közelebb az ellenségeid” elve szerint, miniszterekkel és katonai vezetőkkel vette körül magát, akik idővel szajkóvá változtak, és megpróbáltak az uralkodó szemébe kerülni, és megismételték öltözékváltásait. Amikor Louis kopaszodni kezdett, felvett egy parókát. Körülötte mindenki így tett.

A barokk korban nagy szeretetet adtak a felesleges részleteknek, a faragott díszítéseknek, az aranyozásnak és a rengeteg gyertya lámpájának. És optikai csalódások. Az olasz barokk leginkább az illúziók terén tűnt ki. A firenzei festő és építész, Andrea Pozzo pedig felülmúlhatatlan mesternek számít. Pozzo remekművei a San Ignazio római jezsuita templom apszisának, mennyezetének és kupola alatti terének festményei. A templom építése során pénzhiány miatt a kupola felállítására nem került sor. A szerzetesek úgy döntöttek, hogy a kupolát festéssel cserélik ki, és annak érdekében, hogy a költségvetésen belül maradjanak, és hogy minden a jezsuita kánonok szerint történjen, egy szerzetesüket, Pozzo Andreát hívták meg erre a munkára. Pozzo azzal kezdte, hogy egy kis kupolát festett az épület apszisába. A szerzeteseknek annyira megtetszett ez a munka, hogy megparancsolták neki, fesse ki az oltár feletti kupola alatti teret.
A legmagasabb ponton maga Szent Ignác, a jezsuita egyház alapítója és a rá váró Mennyei Királyság áll.

Az emberek egyre gyakrabban kezdték feltenni a kérdést: „Kik vagyunk mi?”. Rene Descartes francia filozófus az akkoriban divatos szökőkútszobrokat figyelve, amelyek mozdulatlanul álltak, és amikor az ember közeledett hozzájuk, életre kelt és vízzel leöntötte, arra gondolt - mi lenne, ha az élő szervezetek mozgása is függ a karoktól, fogaskerekektől és dugattyúk? Választ kezdett keresni, minden egyes ítéletét megcáfolva, és arra a következtetésre jutott, hogy csak a gondolat maradt megcáfolhatatlan. Így jutott el későbbi elhíresült kifejezéséhez - „Cogito ergo sum”. "Gondolkodom, tehát létezem."

A klasszicizmus kora.
A klasszicizmus korszakában a művészek ismét az ősi hagyományokhoz fordulnak, mércének tekintve azokat. Az építészetben ódon épületek elemei jelennek meg - karzatok, oszlopok - a festészetben - antik szobrok, a szereplők gyakran antik módon öltözködnek. Ebből a későbbiekben kialakul az akadémizmus – egy olyan művészeti stílus, amely ellen az impresszionisták és más művészeti lázadók harcolni fognak.

A világ két különböző része.
Végezetül pedig a világ két részéről szeretnék beszélni, amelyek a szépségről alkotott nézeteikben gyökeresen különböznek egymástól. Ezek Kelet-Ázsia országai – Japán és Kína – és az Amerikai Egyesült Államok.
Kínáról és Japánról együtt fogok beszélni, mert kultúrájukban sok a közös, bár erősen befolyásolja országaik mentalitása. A kínai kultúrában nincs érték, mint olyan, az emberi élet – mindig is sokan voltak – az egyik elmegy, másik jön a helyére. Ahogy maguk a kínaiak mondják: „Nincs érték az emberi életben – van a császár rendelete” –, ha meg kell halni, meghalsz. De másrészt minden egyes ember célja az életben a személyes boldogság elérése, és senkinek nincs joga megfosztani ettől. Ezenkívül a kínai kultúrában minden szimbólumnak rejtett ereje van. Még építészetet is építenek valamiféle hieroglifa vagy jel mintájára, hogy maga az épület is elérje célját. Japán számára ez túl nehéz. A yin és a jang az ellentétek egysége, a fehérben egy darab fekete, a földben egy darab ég – nekik ez túl nehéz. A kínai kultúrából azt vették át, amit elegendőnek tartottak – a harmóniát és a természetességet.
A szépség három fő fogalma a japán kultúrában a "yu-gen" - utalás - "wabi" - üresség - és "sabi" - patina, a végesség bizonyítéka. Az utalás áttetsző shoji, papírlámpán áthaladó fény. Ami nyitva van, az nem érdekes. Az az érdekes, hogy mi rejlik az elmosódott forma mögött. Japánban nincs olyan hozzáállás a meztelenséghez, mint Európában – ez természetes. És mivel ez természetes, ez azt jelenti, hogy nincs szégyen. A meztelenség nem izgató, hacsak nem az a szándékunk, hogy az legyen. Sokkal érdekesebb, ha a test ruharétegekbe van rejtve, mint egy gyöngy, és kitalálhatod, mi van benne. Ugyanez mondható el a japán édességekről is, amelyek nagyon finom, könnyed ízűek. A babpaszta, az agar-agar és a bogyók természetes édessége díszítéssel. Nem adnak hozzá cukrot, mert a felesleg nem szórakoztató.
Európában az üresség valami szörnyű, felfoghatatlan, az üresség semmi. Japánban az üresség az, amiből minden származik. Nem festenek vörösbegyet a bazsarózsa fölé, hanem egy űrt festenek, hogy maguk a figurák elmozdítsák. Basho a csendet jelző „olyan halkan” nem írt, hanem „hallod az óra ketyegését”. Ahogy a csendet a halk hang hangsúlyozza, úgy itt is – a művész az ürességet engedi a vászonra úgy, hogy karaktereket helyez oda.
Halál nélkül az életet nem lehet megérteni. A halál az élet része, így általa megismered az élet szépségét. A japánok egyoldalúnak nevezik az európaiakat, mert tagadják a halált, és azért élnek, hogy éljenek és örüljenek. De elfelejtve, hogy az élet véges, lehetetlen teljességét teljes mértékben élvezni. Jó nélkül nincs rossz, nélkülözés nélkül nem fogod megérteni a megszerzés minden szépségét. Ugyanez van egy dologgal. Ha megvolt az ideje, ha repedezett, elhasználódott - látszik a törékenysége - ettől még szebb - lelke van. Még az új pecsétekről is van egy speciálisan levágott darab, hogy megmutassa végességüket, természetességüket - és ezáltal szépségüket. Az ókorban nem volt engedélyezve a forgács vagy repedés – a tárgy véges volt, ezért nem ideális. Japánban éppen ellenkezőleg – mivel mindennek van halála – még jobban megbecsülik. Ennek a megtestesítője a cseresznyevirág. Mert a szirmok nagyon rövid időn belül hullanak le a fákról, és élvezni kell minden pillanatot, amikor meglátod.

Az USA filmeken keresztül oltja be kultúráját a világba. Egy elérhetetlen eszmény kultúrája – az átalakulás, az álmokban élés kultúrája. Még az idősebb George Bush is azt mondta beszédében, hogy „az Amerikára bízott szent küldetés az, hogy mindenki mást is ugyanúgy gondolkodjon, mint mi”. Amerikából jött a plasztikai sebészet divatja – a nem létező ideál elérése. Egy ideális világban a főszereplő soha nem hal meg. Egy ideális világban mindig van happy end. Nincsenek szigorú szabályok, amelyeket be kell tartani, így megbízható "történelmi" nem dokumentumfilmeket nem fog találni. Ez nem az ő történetük – nem ők járnak mindennap dolgozni a Parthenonon keresztül – tógába öltöztették az embereket, oszlopokat állítottak – ez Görögország. És nem mindegy, hogyan kommunikálnak az emberek. Ezért minden ilyen film más-más környezetben mutat be minket, modern amerikaiakat. A lényeg, hogy látványos legyen. Ugyanez vonatkozik a stílusokra is. Amerika a saját stílusainak és formáinak országa. Nincsenek általunk érthető művészeti stílusok - barokk, klasszicizmus, art novo - van egy palotastílus, amiben benne van minden, amit az ember luxusnak tekint: oszlopok, arany WC, baldachinos ágy. Tengeri stílus, trópusi, ipari – és még sok minden más.
Azt is meg kell jegyezni, hogy az amerikaiak olyan emberek, akik nem szeretik, ha hülyének tartják őket, ezért nem szeretik az összetett formákat és metaforákat, amelyeket nem tudnak megérteni. Ide tartoznak a túlságosan egyszerű összehasonlítások is – ugyanezen okból. Az emberek zöme az „arany középúton” érkezik e pólusok közé – egy gyönyörűen bemutatott térbe, épp annyira lefátyolozva, hogy úgy tűnik, az ember mindent maga sejtett. És vannak, akik kitalálják és megteremtik ezt a középutat a hétköznapi polgárok számára.
Az amerikai kultúrát a folklór hiánya jellemzi. A telepeseknek nem voltak saját mítoszai, nem születtek új istenek - túl „felnőttek” voltak ehhez. Ezért hozták létre az amerikaiak saját dzsinneiket és manóikat. Szuperhősöket kaptak. Amerika az egyetlen ország, ahol szuperhősök vannak. Végül is mi az a szuperhős? Ideális ember, aki ideális világot teremt.

*különböző forrásokból gyűjtött anyagok

A középkor művészete tükrözte a legmegfelelőbben a középkori ember mentalitásában a külsőtől a belső felé való átmenetet, lelki életének interiorizálódását. A középkori székesegyház magába fogadta a hívőt, és a templomba összpontosult belső dekorációjával, szobrászati és festészeti alkotásaival hatott rá.

A középkori építészet fejlődésében két stílust különböztetnek meg: a román (XI-XII. század) és a gótikus (XIII-XV. század). A román stílust hatalmas építmények jellemzik: feudális vár, városi erődítmények, katedrálisok. A tisztaság, a szilárdság, a hatásosság a román építészet jellemzői. A szoborkompozíciók fantazmagóriai, az irodalmi allegóriák, az emberi bűn rémülete és szégyene a könyörtelen Isten ujja előtt a kora középkori művészet képei.

A gótika a zenei és az építészeti polifónia stílusa, amelynek európai megjelenése a köztudat növekedésével és a saját képességekbe vetett emberi bizalom növekedésével függ össze. A gótikus katedrális karcsú, tornyos boltozatos erdő, hatalmas, keskeny és színes üveg, melynek felépítése és díszítése évtizedekig, évszázadokig tartott. A székesegyházakban istentiszteleteket tartottak, egyetemi előadásokat tartottak, színházi előadásokat rendeztek, sőt még a parlament is ülésezett.

A korszak kulturális vívmánya a monumentális művészeti stílus megjelenése, amely más művészeti típusokat szintetizál.

3. Egy pillantás a művészetre a reneszánsz idején

A reneszánsz művészete az európai humanizmus, az antropocentrizmus és az emberi személyiség értékének kialakulásának korszaka. Olaszország urbanizációja és a városok specializálódása Firenzét hozta az akkori művészeti kultúra és esztétikai gondolkodás középpontjába. A társadalom életében bekövetkezett minden változást a kultúra széles körű megújulása kísért - a természet- és egzakt tudományok, a nemzeti nyelvű irodalom és különösen a képzőművészet virágzása. A nyomtatás megjelenése példátlan lehetőségeket nyitott meg az irodalmi és tudományos művek terjesztésében.

A reneszánsz esztétikájának minden összetettsége és kétértelműsége mellett egyik fő alapelve az emberi személyiség integritásában való abszolutizálásaként azonosítható. A reneszánsz esztétikai értekezéseit és művészeti alkotásait az ember idealizált elképzelése jellemzi, mint a racionális és az érzéki egység, mint szabad lény, korlátlan kreatív lehetőségekkel. A reneszánsz esztétikájában az antropocentrizmussal és a szép, magasztos és hősiesség megértésével kapcsolatos. A szép, művészien kreatív emberi személyiség elvét a reneszánsz teoretikusai ötvözték az arányok, a szimmetria és a perspektíva matematikai kiszámításával. E kor esztétikai és művészi gondolkodása először az emberi felfogáson és a világ érzékileg valós képén alapul.

A reneszánsz esztétikája a művészetet a természet utánzása felé orientálja. Itt azonban nem annyira a természet áll az első helyen, mint inkább a művész, aki alkotói tevékenységében Istenhez hasonlóvá válik. Az egyházi ideológiától fokozatosan felszabaduló műalkotás alkotójában a legértékesebb az éles művészi szemlélet, a szakmai függetlenség, a különleges képességek, alkotásai önellátó, nem pedig szakrális jelleget kapnak. . A műalkotások felfogásának egyik legfontosabb alapelve az élvezet, amely jelentős demokratikus tendenciát jelez, szemben a korábbi esztétikai elméletek moralizáló és skolasztikus tudományosságával.

A reneszánsz képzőművészet sok tekintetben kontrasztot ad a középkorral. A realizmus megjelenését jelzi, amely hosszú ideig meghatározta az európai művészeti kultúra fejlődését.

Ez nemcsak a világi képek terjedését, a portrék és tájképek fejlődését, vagy a vallási témák újszerű, olykor már-már műfajspecifikus értelmezését érintette, hanem az egész művészeti rendszer gyökeres megújulását is. Ez az elmélet, amely lehetővé teszi a háromdimenziós kép síkon, a néző felé orientált, nézőpontját figyelembe vevő felépítését, győzelmet jelent a középkori képfelfogás felett.

A reneszánsz képviselői az ókori kultúrában találnak valamit, ami összhangban van saját törekvéseikkel - a valóság iránti elkötelezettséget, a vidámságot, a földi világ szépsége, a hősi tettek nagysága iránti csodálatot. Ugyanakkor a reneszánsz művészete a különböző történelmi körülmények között fejlődött, a román stílus és a gótika hagyományait magába szívva korának bélyegét viseli magán. A klasszikus ókor művészetéhez képest az emberi szellemi világ egyre összetettebbé és sokrétűbbé válik. A művészek alkotásai aláírásokká válnak, vagyis egyértelműen szerzői jogvédelem alatt állnak. Egyre több önarckép jelenik meg. Az új öntudat kétségtelen jele, hogy a művészek egyre inkább visszariadnak a közvetlen megrendelésektől, belső indíttatásból a munkának szentelik magukat. A 14. század végére a művésznek a társadalomban elfoglalt külső helyzete is jelentősen megváltozott. A művészek mindenféle nyilvános elismerésben, tisztségben, tiszteletbeli és pénzbeli elismerésben részesülnek. A. Michelangelo például olyan magasra van emelve, hogy anélkül, hogy félne attól, hogy megsértse a koronahordozókat, visszautasítja a neki felajánlott magas kitüntetéseket. Elég neki az isteni becenév. Ragaszkodik ahhoz, hogy a neki írt levelekből minden címet ki kell hagyni, és egyszerűen csak Michelangelo Buonarottit kell írni.

A reneszánsz művészete négy szakaszra oszlik: proto-reneszánsz, 13. század vége - 14. század első fele, kora reneszánsz, 15. század, magas reneszánsz, 15. század vége, 16. század első három évtizede, Késő reneszánsz, a 16. század közepe és második fele.

A Csúnya alábecsülés. A középkori képeken a gyerekek magas koleszterinszintű hátborzongató törpéknek tűnnek, akik komolyan aggódnak a lakhatás miatt. A Vyszebrodi Oltárkép mesterének „Veveří Madonna” című festményén látható baba úgy néz ki, mintha szexuális zaklatás miatt kirúgnák.

Paolo Veneziano 1333-as Madonna és gyermeke című művében a gyerek még egy David Lynch-filmhez is túl ijesztő.

Ezeknek a gyerekeknek a képei, amelyek inkább a felnőtt férfiakra emlékeztetnek, elgondolkodtatnak, hogy a reneszánsz kortól kezdve miért kezdtek el cuki kerubokat rajzolni helyettük. A középkori és a reneszánsz képek összehasonlítása megmutatja, mennyit változott a gyermekarc fogalma. Ahhoz, hogy megértsük, miért van olyan sok torz gyerek a középkori képeken, át kell tekinteni a művészettörténetet, a középkori kultúrát és a gyerekekről szóló modern elképzeléseket.

A középkori művészek egyszerűen rosszul rajzoltak?

A baba „csúnyasága” valószínűleg szándékos volt. A csúnya és csinos gyerekeket ábrázoló festmények határa egybeesik a középkor és a reneszánsz határával. Különböző időkben mást tartottak a fő értéknek: ha egy reneszánsz művész másként gondolkodott a gyerekekről, mint egy középkori művész, akkor a kép ezt a változást tükrözi. „Ha alapvetően eltérő elképzeléseink vannak a gyerekekről, a festmények megmutatják a hozzájuk való viszonyunkat” – mondja Averett. - A középkornak van egy bizonyos rajzstílusa. Mondhatjuk persze, hogy az akkori festészet hőseit irreálisan ábrázolják, de ugyanez a megjegyzés Picasso szereplőire is vonatkoztatható.” A reneszánsz művészi újításokat hozott, de nem ezek voltak az okai annak, hogy a gyerekek „jobban” kezdtek rajzolni.

Két oka van annak, hogy a középkori művészetben a gyerekek „férfiasnak” tűnnek:

1) A középkorban többnyire gyermekképek Jézus képei. A homunkuláris Krisztus fogalma befolyásolta a gyermekábrázolás általános hagyományát.

Egy középkori gyermekportrét általában az egyház rendelte meg. Ez korlátozta az ábrázolt karakterek körét a kis Jézusra és néhány más bibliai történetekből származó gyermekre. Krisztus középkori felfogását a homunculus képe befolyásolta, ami szó szerint „kis ember”-nek felel meg. A homunkuláris Jézus gondolata az volt, hogy Isten Fiának már születésekor ideális teste van, arcvonásai nem változnak az idő múlásával. Averett azt állítja, hogy ha ezt a koncepciót a bizánci festészet hagyományával vetjük össze, ez megmagyarázhatja, hogy sok kép miért mutatja a Krisztus-gyermeket kopaszodónak. Később az ikonográfiában konvencionálissá vált a felnőttnek látszó Jézus ábrázolásának hagyománya. Egy idő után az emberek elkezdték azt hinni, hogy csak így lehet gyereket rajzolni.

Barnaba da Modena gyermeke (aktív 1361–1383) egy középkorú válság küszöbén áll.

2) A középkori művészeket nem érdekelte a realista festészet

Jézus irreális ábrázolása arra utal, hogy a középkori művészet tágabb megközelítést igényel. Nyilvánvaló, hogy az akkori művészek nem a realizmus stílusában festettek, ugyanakkor nem idealizálták a testformákat, mint a reneszánsz művészek. A középkor művészetében tapasztalható furcsaságok abból fakadtak, hogy a művészek nem naturalizmusból közelítették meg az ábrázolt tárgyat, hanem inkább az expresszionista tárgyközvetítési módokra hajlottak. A középkori gondolkodásnak ez a sajátossága azonban az ábrázolt emberek többségét nagyon hasonlóvá tette. Az alkotói szabadság gondolata (a művész tetszés szerint rajzolhat embereket) viszonylag új. A művészeti konvenciók még a középkorban is erősek voltak. Ez a rajzstílus megőrizte a petyhüdt, akaratgyenge apához hasonló hagyományos babaképet – legalábbis a reneszánszig.

Hogyan tette széppé a gyerekeket a reneszánsz

Gyönyörű és édes gyermek, Raphael festette 1506-ban

Akkor miért ábrázolják a gyerekeket gyönyörűnek?

1) Az újkorban a világi művészet virágzott: az emberek az aranyos gyerekeket akarták nézni, nem pedig a kicsi és csúnya öregeket.

A középkorban gyakorlatilag nem létezett a „középosztály” művészete vagy a népszerű festészet. Miután Firenze polgárainak jövedelme megnőtt, a reneszánsz kultúrájában elkezdett kialakulni az igény a gyermekportrék iránt. A hétköznapi emberek azzal a vágyukkal, hogy utódaikat festményeken örökítsék meg, kitágították a portréművészet határait. Az ügyfél nem akarta látni utódait egy hátborzongató homunculus formájában. Ez megváltoztatta a gyermekábrázolásban elfogadható határokat, és végül a hagyomány magára a kis Jézusra is kiterjedt.

2) A reneszánsz idealizmus megváltoztatta a művészetet

A reneszánsz idején a művészben új érdeklődés alakult ki a természet megfigyelése és a dolgok látása szerint való ábrázolása iránt. Eltűnőben van a középkor művészetére jellemző expresszionista stílus. Ez többek között a csecsemők valósághű képeinek megjelenéséhez vezet - gyönyörű kerubok, amelyek a valódi emberek legjobb tulajdonságait kölcsönzik.

3) A gyerekek ártatlan lényekké váltak

Averett azt javasolja, hogy ne tegyünk durva különbséget e korok szüleiben rejlő középkori és reneszánsz mentalitás között. Az általános vélekedés szerint a reneszánsz gondolkodásmódbeli változása befolyásolta a gyermekábrázolás hagyományát, de a középkorban a szülők ugyanúgy szerették gyermekeiket, mint a reneszánsz korában. Azonban már a reneszánsz idején a gyermek fogalma átalakult: a kicsi felnőttekből a gyerekek kizárólag ártatlan lényekké változtak. Ez akkor történt, amikor a társadalomban elterjedt az a gondolat, hogy minden gyermek bűntelenül születik, és még mindig semmit sem tud a világról. Amint megváltozott a felnőttek hozzáállása a gyerekekhez, megváltoztak a felnőttek és a felnőttek számára készített gyermekportrék is. A csúnya csecsemők a középkori festményeken vagy a szépek a reneszánszban csak a társadalmi elképzeléseket tükrözik arról, hogyan gondoltak az emberek a gyerekekről, a szülői feladataikról és a művészetről.

Miért akarjuk még mindig, hogy gyermekeink szépek legyenek?

Mindezen tényezők hatására a mai gyerekek kizárólag babák, akiket az arcán akarsz csípni. Nyilvánvaló, hogy a modern társadalomban néhány, a gyermekek idealizálásával kapcsolatos posztreneszánsz elképzelés még mindig él. Természetesen egy modern ember számára előnyt jelent a gyermekábrázolás hagyományának változása, mert látod, csak egy anya szeretheti az ilyen arcot:

A Bitonto ikonon (1304) látható gyermek úgy néz ki, mintha nem akarna bújócskát játszani.

A „csúnya” finoman szólva. A középkori festményeken a csecsemők szörnyű, magas koleszterinszintű kisembereknek tűnnek.

Ezek 1350 gyermekei:

Egy hátborzongató baba 1350-ből a „Veveří Madonna” című kompozíciójában, amelyet a Vyshebrod oltárkép mestere készített. Fotó: .

Vagy itt van egy másik 1333-ból:

"Madonna és gyermek" Olaszországban festette, Paolo Veneziano, 1333. Fotó: Mondadori Portfolio/.

Ezeket a csúnya kis embereket nézve elgondolkodunk azon, hogyan sikerült eljutnunk a csúnya középkori gyermekképektől a reneszánsz és újkori angyali babákig. Az alábbiakban két kép látható, amelyek megmutatják, mennyit változott a gyermek arcának elképzelése.

Fotó: .

Fotó: Filippino Lippi/ .

Miért volt annyi csúnya baba a festményeken? Az okok megértéséhez át kell tekintenünk a művészettörténetet, a középkori kultúrát, sőt a gyerekekről alkotott modern elképzeléseinket is.

Lehet, hogy a középkori művészek csak rosszul rajzoltak?

Ezt a 15. századi festményt Jacopo Bellini velencei művész készítette, de a babát középkori stílusban ábrázolták. Fotó: .

A gyerekeket szándékosan csúnyának ábrázolták. A középkor és a reneszánsz közötti határvonal hasznos, ha figyelembe vesszük a „csúnya” gyerekektől a sokkal aranyosabbak felé való átmenetet. A különböző korszakok összehasonlítása általában értékbeli különbségeket tár fel.

« Ha alapvetően más megvilágításban gondolunk a gyerekekre, ez tükröződik a festményeken -– mondja Averett. – Ez volt a stílusválasztás. Megnézhetnénk a középkori művészetet, és azt mondhatnánk, hogy ezek az emberek nem jól néznek ki. De ha az a cél, hogy a festmény úgy nézzen ki, mint Picasso, és valósághű képet alkotsz, akkor azt mondanák, hogy rosszul csináltad. Bár a művészi újítások a reneszánsz idején jöttek, nem ezek az okai annak, hogy a babák szebbek lettek».

Megjegyzés: Általánosan elfogadott, hogy a reneszánsz a 14. században Firenzében kezdődött, és onnan terjedt el Európa-szerte. Azonban, mint minden szellemi mozgalmat, ezt is túl tágan és túl szűken jellemzik: túlságosan szélesen abban az értelemben, hogy azt a benyomást keltsék, hogy a reneszánsz értékek azonnal és mindenütt felbukkantak, és túl szűken, mivel a tömegmozgalmat egy zónára korlátozza. innováció . Voltak hiányosságok a reneszánszban – könnyen lehetett látni egy csúnya gyerek képét 1521-ben, ha a művész elkötelezett volt e stílus mellett.

Két okot követhetünk nyomon, amiért a középkori festményeken a babák férfiasnak tűntek:

A legtöbb középkori csecsemő Jézus képe volt. A homunkuláris Jézus gondolata (hogy egy felnőtt, és nem egy gyermek képében született) befolyásolta az összes gyermek ábrázolását.

A középkori gyermekportrék általában az egyház megrendelésére készültek. Ez azt jelenti, hogy Jézust vagy több más bibliai csecsemőt ábrázoltak. A középkorban a Jézusról alkotott elképzeléseket erősen befolyásolta a homunculus, ami szó szerint azt jelenti kisember. « Eszerint az elképzelés szerint Jézus teljesen megformáltnak tűnt, és nem változott meg -– mondja Averett. – És ha ezt összehasonlítjuk a bizánci festészettel, egy standard Jézus-képet kapunk. Egyes festményeken a férfias kopaszság jelei látszanak rajta».

Barnaba da Modena festménye (aktív 1361-1383). Fotó: DeAgostini/.

A homunkuláris (felnőttnek tűnő) Jézus minden gyermekrajz alapja lett. Idővel az emberek egyszerűen elkezdték azt gondolni, hogy így kell ábrázolni a babákat.

A középkori művészeket kevésbé érdekelte a realizmus

Ez az irreális Jézus-ábrázolás a középkori művészet tágabb megközelítését tükrözi: a középkori művészeket kevésbé érdekelte a realizmus vagy az idealizált formák, mint reneszánsz társaikat.

« A középkori művészetben tapasztalt furcsaság a naturalizmus iránti érdeklődés hiányából és az expresszionista hagyományok iránti nagyobb hajlamból fakad.", mondja Averett.

Ez viszont oda vezetett, hogy a középkorban a legtöbb embert hasonlónak ábrázolták. " Új lenne a művészi szabadság gondolata az emberek olyan megrajzolásában, ahogy szeretné. Az egyezményeket követték a művészetben».

Ennek a festési stílusnak a betartása miatt a babák úgy néztek ki, mint az apukák, legalábbis a reneszánszig.

Hogyan lettek újra szépek a gyerekek a reneszánsz idején

Egy édes gyermek Raphael festményén, 1506. Fotó: Fine Art Images/Heritage Images/.

Mi változott és vezetett oda, hogy a gyerekek újra szépek lettek?

A nem vallásos művészet virágzott, és az emberek nem akarták, hogy gyermekeik hátborzongató kisembereknek tűnjenek

« A középkorban kevesebb képet látunk a középosztályról és az egyszerű emberekről– mondja Averett.

A reneszánsz idején ez megváltozni kezdett, ahogy Firenzében a középosztály virágzott, és az emberek megengedhették maguknak, hogy portrékat készítsenek gyermekeikről. A portrékészítés egyre népszerűbb lett, és az ügyfelek azt akarták, hogy gyermekeik aranyos babáknak tűnjenek, nem pedig csúnya homunculusoknak. Így változtak a mércék a művészetben sok tekintetben, és végső soron a Jézus-portrék rajzolásában is.

A reneszánsz idealizmus megváltoztatta a művészetet

« A reneszánsz idején - Averett azt mondja, – új érdeklődés mutatkozott a természet megfigyelése és a valóságban látott dolgok ábrázolása iránt" És nem a korábban kialakult expresszionista hagyományokban. Ez tükröződött a csecsemők valósághűbb portréiban és a gyönyörű kerubokon, amelyek a valódi emberek legjobb tulajdonságait vették fel.

A gyerekeket ártatlan lényeknek ismerték el

Averett óva int attól, hogy túlságosan különösebben foglalkozzon a gyerekek szerepével a reneszánszban – a középkorban a szülők nem szerették másként gyermekeiket, mint a reneszánsz korban. De maga a gyerekekről alkotott elképzelés és felfogásuk átalakult: apró felnőttekből ártatlan lényekké váltak.

...És hogyan lettek szépek a reneszánsz idején

Miért olyan csúnyák a gyerekek a középkori festményeken? A kérdés megválaszolásához a Vox tudósítója, Phil Edwards Matthew Averett-tel, a Creighton Egyetem művészettörténész professzorával és az antológia szerkesztőjével beszélgetett. A gyermek a kora modern művészetben és történelemben(A kora újkori gyermek a művészetben és a történelemben).

A „csúnya” finoman szólva. A középkori festményeken a csecsemők szörnyű, magas koleszterinszintű kisembereknek tűnnek.

Ezek 1350 gyermekei:

Egy hátborzongató baba 1350-ből a „Veveří Madonna” című kompozíciójában, amelyet a Vyshebrod oltárkép mestere készített. .

Vagy itt van egy másik 1333-ból:

"Madonna és gyermek" Olaszországban festette, Paolo Veneziano, 1333. Mondadori Portfolio / .

Filippino Lippi/ .

Lehet, hogy a középkori művészek csak rosszul rajzoltak?

Ezt a 15. századi festményt Jacopo Bellini velencei művész készítette, de a babát középkori stílusban ábrázolták. .

« Ha alapvetően más megvilágításban gondolunk a gyerekekre, ez tükröződik a festményeken -– mondja Averett. - Ez volt a stílusválasztás. Megnézhetnénk a középkori művészetet, és azt mondhatnánk, hogy ezek az emberek nem jól néznek ki. De ha az a cél, hogy a festmény úgy nézzen ki, mint Picasso, és valósághű képet alkotsz, akkor azt mondanák, hogy rosszul csináltad. Bár a művészi újítások a reneszánsz idején jöttek, nem ezek az okai annak, hogy a babák szebbek lettek».

Jegyzet:
Általánosan elfogadott, hogy a reneszánsz a 14. században Firenzében kezdődött, és onnan terjedt el Európa-szerte. Azonban, mint minden szellemi mozgalmat, ezt is túl tágan és túl szűken jellemzik: túlságosan szélesen abban az értelemben, hogy azt a benyomást keltsék, hogy a reneszánsz értékek azonnal és mindenütt felbukkantak, és túl szűken, mivel a tömegmozgalmat egy zónára korlátozza. innováció . Voltak hiányosságok a reneszánszban – könnyen lehetett látni egy csúnya gyerek képét 1521-ben, ha a művész elkötelezett volt e stílus mellett.

Két okot követhetünk nyomon, amiért a középkori festményeken a babák férfiasnak tűntek:

A legtöbb középkori csecsemő Jézus képe volt. A homunkuláris Jézus gondolata (hogy egy felnőtt, és nem egy gyermek képében született) befolyásolta az összes gyermek ábrázolását.

A középkori gyermekportrék általában az egyház megrendelésére készültek. Ez azt jelenti, hogy Jézust vagy több más bibliai csecsemőt ábrázoltak. A középkorban a Jézusról alkotott elképzeléseket erősen befolyásolta a homunculus, ami szó szerint azt jelenti kisember. « Eszerint az elképzelés szerint Jézus teljesen megformáltnak tűnt, és nem változott meg -– mondja Averett. - És ha ezt összehasonlítjuk a bizánci festészettel, egy standard Jézus-képet kapunk. Egyes festményeken a férfias kopaszság jelei látszanak rajta».

Barnaba da Modena festménye (aktív 1361-1383). Fotó: DeAgostini/.

A homunkuláris (felnőttnek tűnő) Jézus minden gyermekrajz alapja lett. Idővel az emberek egyszerűen elkezdték azt gondolni, hogy így kell ábrázolni a babákat.

A középkori művészeket kevésbé érdekelte a realizmus

« A középkori művészetben tapasztalt furcsaság a naturalizmus iránti érdeklődés hiányából és az expresszionista hagyományok iránti nagyobb hajlamból fakad.", mondja Averett.

Ennek a festési stílusnak a betartása miatt a babák úgy néztek ki, mint az apukák, legalábbis a reneszánszig.

Hogyan lettek újra szépek a gyerekek a reneszánsz idején

Egy édes gyermek Raphael festményén, 1506. Fotó: Fine Art Images/Heritage Images/.

Mi változott és vezetett oda, hogy a gyerekek újra szépek lettek?

A nem vallásos művészet virágzott, és az emberek nem akarták, hogy gyermekeik hátborzongató kisembereknek tűnjenek

« A középkorban kevesebb képet látunk a középosztályról és az egyszerű emberekről– mondja Averett.

A reneszánsz idealizmus megváltoztatta a művészetet

« A reneszánsz idején - Averett azt mondja, - új érdeklődés mutatkozott a természet megfigyelése és a valóságban látott dolgok ábrázolása iránt" És nem a korábban kialakult expresszionista hagyományokban. Ez tükröződött a csecsemők valósághűbb portréiban és a gyönyörű kerubokon, amelyek a valódi emberek legjobb tulajdonságait vették fel.

A gyerekeket ártatlan lényeknek ismerték el

Averett óva int a gyerekek szerepének túlzott felosztásától a reneszánszban – a középkorban a szülők nem szerették másként gyermekeiket, mint a reneszánsz korban. De maga a gyerekekről alkotott elképzelés és felfogásuk átalakult: apró felnőttekből ártatlan lényekké váltak.

« Később az a gondolatunk támadt, hogy a gyerekek ártatlanok. jegyzi meg Averett. - Ha a gyerekek bűn nélkül születnek, nem tudhatnak semmit».

Ahogy a felnőttek hozzáállása a gyerekekhez megváltozott, ugyanez tükröződött a felnőttek által festett gyermekportrékon is. A csúnya gyerekek (vagy szépek) azt tükrözik, hogy mit gondol a társadalom a gyermekeiről, a művészetről és a szülői feladatairól.

Miért szeretnénk még mindig, hogy gyermekeink szépek legyenek

Mindezek a tényezők befolyásolták azt a tényt, hogy a gyerekekből olyan duci arcú karakterek lettek, akiket ma ismerünk. Nekünk, mai nézőknek pedig ez könnyen érthető, mert a gyerekekről még mindig van néhány posztreneszánsz ideálunk.

Véleményünk szerint jó, hogy megváltoztak a gyerekek képei. Hiszen csak egy anyának tetszhet egy ilyen arc:

Ikon 1304-ből, Bitonto. Fotó: Mondadori Portfolio/.