Cómo cambió la imagen del hombre en el arte medieval. Retrato de la Edad Media

Lección 2. Ya es hora

La imagen de una persona es uno de los conceptos más controvertidos en la historia de la cultura artística mundial. A lo largo de diferentes épocas, la gente se percibió a sí misma de manera diferente. Y a partir de esta percepción cambió su forma de vida. Hoy quiero trazar un paralelo a través de épocas históricas y mostrar cómo ha cambiado esta imagen.

La era de la antigüedad.
La era de la antigüedad se considera la era de la iluminación. La naturalidad se consideraba lo principal en la percepción del mundo por parte de las personas, y el cuerpo humano servía como estándar en el mundo del arte. Sobre la base de la similitud de la construcción de las proporciones del cuerpo humano, la gente erigió edificios. Dios era hombre y el hombre era dios. Los dioses fueron dotados de pasiones y vicios humanos y se erigieron estatuas a las personas, como dioses. El cuerpo humano era un templo. El escultor recreó en mármol cada movimiento y cada pliegue de la ropa. Cada músculo estaba en su lugar, creando la impresión de un momento congelado en piedra, como uno capturado por la mirada de la gorgona Medusa.

No sólo la escultura reproducía el cuerpo humano. Los frescos de las paredes trajeron a la sala lo que la gente quería ver: paisajes, escenas de fiestas, danzas, motivos mitológicos, escenas de naturaleza erótica. Y todo fue representado de la misma manera, con gran precisión.

En los siglos I-III d.C., después de la captura de Egipto por Alejandro Magno, se realizaron retratos funerarios en la ciudad egipcia de Fayum, que se distinguían por su sorprendente parecido con una persona viva y la técnica de ejecución que recordaba a las pinturas del Renacimiento. La gente volverá a aprender a escribir así sólo después de mil años.

La edad Media.
La Edad Media, según diversas estimaciones, duró de ochocientos a mil doscientos años en diferentes regiones de Europa. Fue un período de tiempos convulsos, que incluyeron muchos hitos, tanto en la historia como en el arte. Dios se convirtió en lo principal para los europeos. El cuerpo se convirtió en un rudimento, un grillete para el alma humana inmortal. Después de todo, el alma es inmortal, pero ¿qué es el cuerpo? El cuerpo, por supuesto, constantemente quiere algo: necesita comer, dormir, necesita calor, necesita cariño. Jesús sufrió por nosotros en la cruz, y nosotros debemos sufrir domesticando nuestros cuerpos para purificar nuestras almas. Una persona es concebida en pecado, nace en pecado y durante el resto de su vida intenta expiar este pecado para poder entrar en el Reino de los Cielos.



Como en Egipto, existe un culto a la vida tras la vida, pero, a diferencia de Egipto, para una persona medieval, la vida debería haber comenzado sólo después de la muerte. Y, dado que el cuerpo es tan frágil y, de hecho, innecesario, no tiene sentido intentar retratarlo bellamente. Al principio, los artistas aprendieron a desaprender a dibujar personas y luego, siglos después, intentaron aprender de nuevo.

El hombre era pequeño e insignificante, pero lo que se desarrolló fue el arte y la arquitectura del templo. La época turbulenta de la guerra dio paso a la paz: el estilo arquitectónico románico con sus gruesos muros fortificados y pequeñas ventanas aspilleras fue reemplazado por el gótico y se convirtió en el primer estilo que unió a toda Europa. Durante la época gótica, la Iglesia dejó de ser una estructura defensiva donde muchas personas estaban protegidas por Dios (y gruesos muros), cada vez más personas comenzaron a visitar los templos y los arquitectos se vieron obligados a tener más espacio interior para dar cabida a todos los feligreses. Esto se decidió distribuyendo el peso del edificio sobre la estructura arqueada del interior y sobre los arbotantes y contrafuertes del exterior. El nombre "gótico" en sí proviene de la burla de que el diseño arqueado de las catedrales se parecía en apariencia a las casas construidas por las tribus góticas, uniendo las copas de los árboles para crear una vivienda abovedada. La distribución del peso del edificio resolvió el problema de los muros gruesos y permitió a los arquitectos diseñar enormes aberturas para ventanas, que se llenaron con vidrieras que aparecían al mismo tiempo. La abundancia de decoración completó la imagen: todo lo que hay en el mundo fue hecho por el Creador, lo que significa que no hay nada de malo en usarlo en todas partes. Imagínese: una persona sencilla del pueblo llega a la ciudad a la iglesia y frente a él se encuentra una hermosa y enorme estructura calada. Entra y ve rayos de luz iridiscente que salen de las brillantes aberturas de las ventanas que representan santos y escenas de la Biblia. Y comprende que Dios realmente existe.

Renacimiento.


Después de la Edad Media vino el Renacimiento, cuando la gente comenzó a desenterrar ciudades antiguas, a encontrar objetos de arte antiguos y a comprender que las cosas alguna vez fueron diferentes. El debilitamiento del poder de la iglesia conduce al hecho de que la sociedad se vuelve más secular. Los artistas están aprendiendo a pintar de nuevo a una persona, sólo para ello tienen que abrirla para descubrir dónde se encuentran los músculos y los huesos, y cómo dibujar correctamente una silueta a partir de ellos. Continúan escribiendo sobre temas religiosos, pero al mismo tiempo la gente les encarga pintar sus retratos como santos, lo que demuestra cuánto ha perdido la iglesia su poder en sus mentes. Los artistas experimentan con técnicas, inventan nuevos colores, nuevos estilos. Se sabe que Leonardo da Vinci fue uno de los primeros en pintar al óleo. Su contribución al cuadro de Verrocchio "El bautismo de Cristo", un ángel arrodillado, resultó ser tan brillante y vivaz que Verrocchio, según la leyenda, dejó la pintura por la escultura, diciendo que el alumno, en su primera vez, superó al maestro. y no tenía nada que enseñarle.

Época barroca.
Después del Renacimiento, pero de carácter diferente, está la época del Barroco. La gente de la época barroca se aleja de la antigua naturalidad en su idea de belleza y se esfuerza por deformar, modernizar sus cuerpos y darles una forma nueva e ideal. Se pusieron de moda los corsés, los rostros decolorados con “manchas” pintadas y las pelucas empolvadas en las que pululaban piojos y ratones. Por cierto, las pelucas rizadas para hombres fueron puestas de moda por el rey Luis XIV. Viviendo según el principio de "mantener a tus amigos cerca y a tus enemigos aún más cerca", se rodeó de ministros y líderes militares, quienes con el tiempo se convirtieron en aduladores, tratando de llamar la atención del gobernante y repitiendo sus cambios de ropa. Cuando Louis empezó a quedarse calvo, se puso una peluca. Todos a su alrededor hicieron lo mismo.


En la época barroca se prestó gran atención a los detalles excesivos, las decoraciones talladas, el dorado y las lámparas para una gran cantidad de velas. Y ilusiones ópticas. El barroco italiano se distinguió sobre todo por las ilusiones. Y el pintor y arquitecto florentino Andrea Pozzo es considerado un maestro insuperable. Se consideran obras maestras de Pozzo los frescos del ábside, el techo y la pintura del espacio bajo la cúpula de la iglesia romana jesuita de San Ignacio. Durante la construcción de la iglesia, por falta de fondos, no se erigió la cúpula. Los monjes decidieron sustituir la cúpula por pintura y, para respetar el presupuesto y garantizar que todo se hiciera según los cánones jesuitas, invitaron a uno de sus monjes, Andrea Pozzo, a realizar este trabajo. Pozzo empezó pintando una pequeña cúpula en el ábside del edificio. A los monjes les gustó tanto este trabajo que le ordenaron pintar el espacio debajo de la cúpula sobre el altar.
En el punto más alto está el propio San Ignacio, fundador de la Iglesia de los Jesuitas, y el Reino de los Cielos aguardándole.




La gente empezó a hacerse la pregunta “¿Qué somos?” con más frecuencia. El filósofo francés René Descartes, observando las estatuas de fuentes de moda en ese momento, que permanecían inmóviles y, cuando una persona se acercaba a ellas, cobraban vida y las rociaban con agua, pensó: ¿y si el movimiento de los organismos vivos también dependiera de palancas, engranajes? y pistones? Comenzó a buscar una respuesta, sometiendo cada uno de sus juicios a refutación y llegó a la conclusión de que sólo el pensamiento seguía siendo irrefutable. Así llegó a su famosa frase posterior: “Cogito ergo sum”. "Pienso, luego existo."

La era del clasicismo.
En la era del clasicismo, los artistas vuelven a recurrir a las tradiciones antiguas, tomándolas como estándar. En la arquitectura aparecen elementos de edificios antiguos (pórticos, columnas), en la pintura, estatuas antiguas y los personajes suelen vestirse de forma antigua. De ahí surgirá posteriormente el academicismo, un estilo artístico contra el que lucharán los impresionistas y otros rebeldes del arte.

Dos partes diferentes del mundo.
Y, para concluir, me gustaría hablar de dos partes del mundo que tienen opiniones radicalmente diferentes sobre lo que es la belleza. Estos son los países del este de Asia (Japón y China) y los Estados Unidos de América.
Hablaré de China y Japón juntos, porque sus culturas tienen mucho en común, aunque con una fuerte influencia de la mentalidad de sus países. En la cultura china, no hay valor como tal para la vida humana; siempre ha habido muchos: uno se irá, otro vendrá en su lugar. Como dicen los propios chinos: "No hay valor en la vida humana, hay un decreto del emperador", si tienes que morir, mueres. Pero, por otro lado, el objetivo de cada persona en la vida es lograr la felicidad personal y nadie tiene derecho a privarlo. Además, en la cultura china, cada símbolo tiene un poder oculto. Incluso construyen arquitectura a semejanza de algún tipo de jeroglífico o signo, de modo que el edificio en sí funcione para lograr su objetivo. Para Japón es demasiado difícil. El yin y el yang son la unidad de los opuestos, en el blanco hay un trozo de negro, en la tierra hay un trozo de cielo; para ellos es demasiado difícil. Tomaron de la cultura china lo que consideraban suficiente: armonía y naturalidad.
Los tres conceptos principales de belleza en la cultura japonesa son "yu-gen" - una insinuación - "wabi" - vacío - y "sabi" - pátina, prueba de finitud. La pista es shoji translúcido, la luz que pasa a través de una linterna de papel. Lo que está abierto no es interesante. Lo interesante es lo que se esconde detrás de la forma borrosa. En Japón no existe la misma actitud hacia la desnudez que en Europa; esto es natural. Y como es natural, significa que no hay que avergonzarse. La desnudez no es excitante a menos que así lo pretenda. Es mucho más interesante cuando el cuerpo está escondido entre capas de ropa, como una perla, y puedes adivinar lo que hay dentro. Lo mismo puede decirse de la repostería japonesa, que tiene un sabor ligero y muy delicado. La dulzura natural de la pasta de judías, el agar-agar y las bayas añadidas para decorar. No le añaden azúcar porque el exceso no es divertido.
En Europa el vacío es algo terrible, incomprensible, el vacío no es nada. En Japón, todo surge del vacío. No pintan un petirrojo sobre una peonía: pintan un vacío para resaltar las figuras mismas. Basho, que denota silencio, no escribió "tan silenciosamente", escribió "se puede oír el tictac del reloj". Así como el silencio se enfatiza a través de un sonido suave, también aquí el artista deja que el vacío entre en el lienzo colocando personajes allí.
Sin muerte no se puede entender la vida. La muerte es parte de la vida, por eso a través de ella llegas a conocer la belleza de la vida. Los japoneses llaman unilaterales a los europeos porque niegan la muerte y viven para vivir y regocijarse. Pero olvidando que la vida es finita, es imposible disfrutar plenamente de su plenitud. Sin bien no hay mal, sin privaciones no entenderás toda la belleza de la adquisición. Lo mismo ocurre con una cosa. Si ha tenido su tiempo, si está cubierto de grietas, desgastado, su fragilidad es visible, esto lo hace aún más bello, tiene alma. Incluso a las focas nuevas se les corta un trozo especialmente para mostrar su finitud, su naturalidad y, por tanto, su belleza. En la antigüedad, no se permitían astillas ni grietas: el objeto era finito y, por lo tanto, no era ideal. En Japón, por el contrario, como todo tiene muerte, se valora aún más. Las flores de cerezo son el epítome de esto. Porque los pétalos caen de los árboles en muy poco tiempo y hay que disfrutar cada momento que los ves.


Estados Unidos inculca su cultura en el mundo a través del cine. La cultura de un ideal inalcanzable: la cultura de la transformación, de vivir en sueños. Incluso George Bush padre dijo en su discurso que “la misión sagrada confiada a Estados Unidos es hacer que todos los demás piensen de la misma manera que nosotros”. De Estados Unidos vino la moda de la cirugía plástica: el logro de un ideal inexistente. En un mundo ideal, el personaje principal nunca muere. En un mundo ideal siempre hay un final feliz. No hay reglas estrictas a seguir, por lo que no encontrará no documentales "históricos" confiables. Esta no es su historia, no son ellos los que van a trabajar todos los días a través del Partenón, vistieron a la gente con togas, erigieron columnas, esto es Grecia. Y no importa cómo interactúan las personas. Por lo tanto, cada una de estas películas nos muestra a los estadounidenses modernos en diferentes escenarios. Lo principal es que es espectacular. Lo mismo ocurre con los estilos. Estados Unidos es un país con sus propios estilos y formas. No hay estilos artísticos que entendamos (barroco, clasicismo, art novo), hay un estilo palaciego, que contiene todo lo que una persona considera lujo: columnas, un inodoro dorado, una cama con dosel. Estilo marinero, tropical, industrial y mucho, mucho más.
También cabe señalar que los estadounidenses son personas a las que no les gusta que los consideren estúpidos, por lo que no les gustan las formas complejas y las metáforas que no pueden entender. Esto también incluye comparaciones demasiado simples, por la misma razón. La mayor parte de la gente llega a la "media dorada" entre estos polos, a un espacio bellamente presentado, lo suficientemente velado como para que una persona parezca haber adivinado todo por sí misma. Y hay personas que inventan y crean este término medio para los ciudadanos comunes y corrientes.
La cultura estadounidense se caracteriza por la ausencia de folklore. Los colonos no tenían sus propios mitos, no nacieron nuevos dioses; eran demasiado "adultos" para esto. Por eso los estadounidenses crearon sus propios genios y duendes. Tienen superhéroes. Estados Unidos es el único país que tiene superhéroes. Después de todo, ¿qué es un superhéroe? Una persona ideal creando un mundo ideal.

*material recopilado de diversas fuentes

El arte de la Edad Media reflejó más adecuadamente la transición en la mentalidad del hombre medieval de lo externo a lo interno, la interiorización de su vida espiritual. La catedral medieval acogió en sí misma al creyente y le influyó con la decoración interior y las obras de escultura y pintura concentradas en el templo.

En el desarrollo de la arquitectura en la Edad Media se distinguen dos estilos: el románico (siglos XI-XII) y el gótico (siglos XIII-XV). El estilo románico se caracteriza por estructuras masivas: un castillo feudal, fortificaciones de la ciudad, catedrales. La claridad, la solidez y la impresionante son características de la arquitectura románica. Fantasmagoría de composiciones escultóricas, alegorías literarias, horror y vergüenza del pecado humano ante el dedo de un Dios despiadado son imágenes del arte medieval temprano.

El gótico es un estilo de polifonía tanto en la música como en la arquitectura, cuya aparición en Europa se asocia con el crecimiento de la conciencia pública y el crecimiento de la confianza humana en las propias capacidades. La catedral gótica es un esbelto y altísimo bosque de bóvedas, enormes, estrechas y de cristal coloreado, cuya construcción y decoración llevó décadas y siglos. Se celebraron servicios divinos en las catedrales, se dieron conferencias universitarias, se representaron representaciones teatrales e incluso se reunió el parlamento.

El logro cultural de la época es el surgimiento de un estilo artístico monumental que sintetiza otros tipos de arte.

3. Una mirada al arte durante el Renacimiento

El arte del Renacimiento es la era del humanismo europeo, el antropocentrismo y la formación del valor de la personalidad humana. La urbanización de Italia y la especialización de las ciudades llevaron a Florencia al centro de la cultura artística y del pensamiento estético de la época. Todos los cambios en la vida de la sociedad fueron acompañados por una amplia renovación de la cultura: el florecimiento de las ciencias naturales y exactas, la literatura en los idiomas nacionales y, especialmente, las bellas artes. La llegada de la imprenta abrió oportunidades sin precedentes para la difusión de obras literarias y científicas.

Con toda la complejidad y ambigüedad de la estética del Renacimiento, uno de sus principios fundamentales puede identificarse como la absolutización de la personalidad humana en su integridad. Los tratados de estética y obras de arte del Renacimiento se caracterizan por una idea idealizada del hombre como unidad de lo racional y lo sensual, como un ser libre con posibilidades creativas ilimitadas. Se asocia con el antropocentrismo en la estética del Renacimiento y la comprensión de lo bello, lo sublime y lo heroico. El principio de una personalidad humana bella y artísticamente creativa se combinó entre los teóricos del Renacimiento con un intento de calcular matemáticamente proporciones, simetría y perspectiva. El pensamiento estético y artístico de esta época se basa por primera vez en la percepción humana como tal y en una imagen sensualmente real del mundo.

La estética del Renacimiento orienta el arte hacia la imitación de la naturaleza. Sin embargo, lo primero aquí no es tanto la naturaleza como el artista, que en su actividad creativa se vuelve como Dios. En el creador de una obra de arte, que poco a poco se va liberando de la ideología eclesiástica, lo que más se valora es una aguda visión artística de las cosas, la independencia profesional y unas habilidades especiales, y sus creaciones adquieren un carácter autosuficiente, más que sagrado. . Uno de los principios más importantes de percepción de las obras de arte es el placer, lo que indica una importante tendencia democrática frente a la erudición moralizante y escolástica de las teorías estéticas anteriores.

Las bellas artes del Renacimiento contrastan con las medievales en muchos aspectos. Marca el surgimiento del realismo, que durante mucho tiempo determinó el desarrollo de la cultura artística europea.

Esto afectó no sólo a la difusión de imágenes profanas, al desarrollo de retratos y paisajes, o a una nueva interpretación, a veces casi específica de un género, de los temas religiosos, sino también a una renovación radical de todo el sistema artístico. Esta teoría, que permite construir una imagen tridimensional en un plano, orientada hacia el espectador y teniendo en cuenta su punto de vista, supone una victoria sobre el concepto medieval de imagen.

Los representantes del Renacimiento encuentran en la cultura antigua algo que está en sintonía con sus propias aspiraciones: compromiso con la realidad, alegría, admiración por la belleza del mundo terrenal, por la grandeza de las hazañas heroicas. Al mismo tiempo, desarrollándose en diferentes condiciones históricas, absorbiendo las tradiciones del estilo románico y gótico, el arte del Renacimiento lleva el sello de su época. Comparado con el arte de la antigüedad clásica, el mundo espiritual humano es cada vez más complejo y multifacético. Las obras de los artistas se convierten en firmas, es decir, están claramente protegidas por derechos de autor. Cada vez aparecen más autorretratos. Un signo indudable de una nueva conciencia de sí mismos es que los artistas evitan cada vez más los encargos directos y se dedican a trabajar por motivación interna. A finales del siglo XIV, la posición externa del artista en la sociedad también cambió significativamente. Los artistas comienzan a recibir todo tipo de reconocimientos públicos, cargos, sinecuras honoríficas y monetarias. A. Miguel Ángel, por ejemplo, es elevado a tal altura que, sin temor a ofender a los portadores de la corona, rechaza los altos honores que se le ofrecen. El apodo de divino le basta. Insiste en que en las cartas que le envíen se deben omitir todos los títulos y escribir simplemente Michelangelo Buonarotti.

El arte del Renacimiento se divide en cuatro etapas: Protorrenacimiento, finales del siglo XIII - primera mitad del siglo XIV, Renacimiento temprano, siglo XV, Alto Renacimiento, finales del siglo XV, primeras tres décadas del siglo XVI, Renacimiento final, mediados y segunda mitad del siglo XVI.

Feo es quedarse corto. En las imágenes medievales, los niños parecen enanos espeluznantes con niveles altos de colesterol, seriamente preocupados por los problemas de vivienda. El bebé del cuadro “La Virgen de Veveří”, del maestro del Retablo de Vyszebrod, parece estar a punto de ser despedido por acoso sexual.

En La Virgen y el Niño de Paolo Veneziano, de 1333, el niño da demasiado miedo incluso para una película de David Lynch.

Las imágenes de estos niños, que recuerdan más a hombres adultos, hacen que uno se pregunte por qué, a partir del Renacimiento, empezaron a dibujar lindos querubines en lugar de ellos. Una comparación de imágenes medievales y renacentistas muestra cuánto ha cambiado el concepto del rostro de un niño. Para entender por qué hay tantos niños deformes en las imágenes medievales, es necesario mirar la historia del arte, la cultura medieval y las ideas modernas sobre los niños.

¿Eran simplemente malos dibujando los artistas medievales?

La "fealdad" del bebé bien pudo haber sido intencionada. La frontera entre cuadros de niños feos y bonitos coincide con la frontera entre la Edad Media y el Renacimiento. En diferentes épocas, la gente consideraba diferentes cosas como valores principales: si un artista del Renacimiento pensaba sobre los niños de manera diferente que un artista de la Edad Media, la imagen reflejará este cambio. "Si tenemos ideas fundamentalmente diferentes sobre los niños, las pinturas demostrarán nuestra actitud hacia ellos", dice Averett. - La Edad Media tiene un cierto estilo de dibujo. Por supuesto, se puede decir que los héroes de la pintura de esa época están representados de manera poco realista, pero la misma observación se puede aplicar a los personajes de Picasso”. El Renacimiento trajo consigo innovaciones artísticas, pero no fueron la razón por la que los niños empezaron a dibujar “mejor”.

Hay dos razones por las que los niños en el arte medieval parecen "masculinos":

1) La mayoría de las imágenes infantiles de la Edad Media son imágenes de Jesús. El concepto de Cristo homuncular influyó en la tradición general de representar a los niños.

La iglesia solía encargar un retrato medieval de un niño. Esto limitó la gama de personajes representados por el niño Jesús y algunos otros niños de las historias bíblicas. La comprensión medieval de Cristo estuvo influenciada por la imagen del homúnculo, que literalmente se traduce como "hombrecito". La idea del Jesús homuncular era que el hijo de Dios ya tiene un cuerpo ideal al nacer, y sus rasgos no cambian con el paso del tiempo. Averett sostiene que si se compara este concepto con la tradición de la pintura bizantina, puede explicar por qué muchas imágenes muestran al Niño Jesús calvo. Más tarde, la tradición de representar a Jesús con apariencia adulta se volvió convencional en la iconografía. Después de un tiempo, la gente empezó a creer que ésta era la única forma de dibujar a un niño.

El niño de Barnaba da Modena (activo entre 1361 y 1383) está al borde de una crisis de mediana edad.

2) Los artistas medievales no estaban interesados ​​en la pintura realista.

La representación poco realista de Jesús sugiere que el arte medieval requiere un enfoque más amplio. Es obvio que los artistas de esa época no pintaban en el estilo del realismo y al mismo tiempo no idealizaban las formas corporales, como los artistas del Renacimiento. Las rarezas que vemos en el arte de la Edad Media surgieron debido al hecho de que los artistas no abordaron el objeto representado desde una posición naturalista, sino que estaban más inclinados a métodos expresionistas para transmitir el objeto. Sin embargo, esta característica del pensamiento medieval hizo que la mayoría de las personas representadas fueran muy similares. La idea de libertad creativa (un artista puede dibujar personas como quiera) es relativamente nueva. Las convenciones artísticas todavía eran fuertes en la Edad Media. Este estilo de dibujo conservó la imagen tradicional de un bebé, similar a un padre flácido y de voluntad débil, al menos hasta el Renacimiento.

Cómo el Renacimiento embelleció a los niños

Niño hermoso y dulce, pintado por Rafael en 1506

Entonces, ¿por qué se retrata a los niños como hermosos?

1) En la Nueva Era, floreció el arte secular: la gente quería mirar a los niños lindos y no a los ancianos pequeños y feos.

En la Edad Media prácticamente no existía el arte de “clase media” ni la pintura popular. Después de que aumentaron los ingresos de los ciudadanos de Florencia, comenzó a formarse en la cultura del Renacimiento una demanda de retratos de niños. La gente corriente, con su deseo de inmortalizar a sus descendientes en pinturas, amplió los límites del retrato. El cliente no quería ver a su descendencia en forma de un espeluznante homúnculo. Esto cambió los límites de lo que era aceptable en la representación de niños y, finalmente, la tradición se extendió al propio niño Jesús.

2) El idealismo renacentista cambió el arte.

Durante el Renacimiento, el artista desarrolló un nuevo interés por observar la naturaleza y representar las cosas tal como él las ve. El estilo expresionista característico del arte de la Edad Media está desapareciendo. Esto conduce, entre otras cosas, a la aparición de imágenes realistas de bebés: hermosos querubines, que toman prestados los mejores rasgos de personas reales.

3) Los niños se han convertido en criaturas inocentes.

Averett sugiere que no deberíamos hacer una distinción aproximada entre la mentalidad medieval y renacentista inherente a los padres de estas épocas. Se cree ampliamente que el cambio de pensamiento durante el Renacimiento influyó en la tradición de representar a los niños, pero los padres en la Edad Media amaban a sus hijos de la misma manera que los padres en el Renacimiento. Sin embargo, ya durante el Renacimiento, el concepto mismo de niño se transformó: de pequeños adultos, los niños se convirtieron en criaturas exclusivamente inocentes. Esto sucedió cuando se difundió en la sociedad la idea de que cada niño nace sin pecado y todavía no sabe nada sobre el mundo. Tan pronto como cambió la actitud de los adultos hacia los niños, también cambiaron los retratos de niños creados por adultos y para adultos. Los bebés feos en las pinturas de la Edad Media o los hermosos en el Renacimiento son sólo un reflejo de las ideas sociales sobre cómo la gente pensaba sobre los niños, sus tareas parentales y el arte.

¿Por qué todavía queremos que nuestros hijos luzcan hermosos?

Bajo la influencia de todos estos factores, los niños de hoy son exclusivamente muñecos a los que hay que pellizcar en la mejilla. Está claro que en la sociedad moderna algunas ideas posrenacentistas asociadas con la idealización de los niños siguen vivas. Por supuesto, para una persona moderna, un cambio en la tradición de representar a los niños es una ventaja, porque, como ve, solo a una madre le puede gustar esa cara:

El niño del icono de Bitonto (1304) parece no querer jugar al escondite.

"Feo" es decirlo suavemente. Los bebés en las pinturas medievales parecen hombrecitos horribles con el colesterol alto.

Estos son los hijos de 1350:

Un bebé espeluznante de 1350 en la composición “Madonna de Veveří” del maestro del Retablo de Vyshebrod. Foto: .

O aquí hay otro de 1333:

"Madonna y el Niño" pintada en Italia, por Paolo Veneziano, 1333. Foto: Portafolio Mondadori/.

Al mirar a estas personitas feas, pensamos en cómo logramos pasar de las feas imágenes medievales de niños a los bebés angelicales del Renacimiento y los tiempos modernos. A continuación se muestran dos imágenes que muestran cuánto ha cambiado la idea del rostro de un niño.

Foto: .

Foto: Filippino Lippi/ .

¿Por qué había tantos bebés feos en los cuadros? Para comprender las razones, debemos mirar la historia del arte, la cultura medieval e incluso nuestras ideas modernas sobre los niños.

¿Quizás los artistas medievales simplemente eran malos dibujando?

Esta pintura del siglo XV es del artista veneciano Jacopo Bellini, pero el bebé está representado en un estilo medieval. Foto: .

Los niños eran retratados deliberadamente como feos. La línea entre la Edad Media y el Renacimiento es útil cuando se considera la transición de niños "feos" a otros mucho más lindos. Las comparaciones entre diferentes épocas tienden a revelar diferencias de valores.

« Cuando pensamos en los niños desde una perspectiva fundamentalmente diferente, esto se refleja en las pinturas: dice Averet. "Esa fue la elección del estilo". Podríamos mirar el arte medieval y decir que estas personas no tienen buen aspecto. Pero si el objetivo es que el cuadro se parezca a Picasso y creas una imagen realista, entonces te dirán que lo hiciste mal. Aunque las innovaciones artísticas llegaron con el Renacimiento, no son la razón por la que los bebés se volvieron más bonitos.».

Nota: En general, se acepta que el Renacimiento comenzó en el siglo XIV en Florencia y desde allí se extendió por toda Europa. Sin embargo, como cualquier movimiento intelectual, se caracteriza tanto de manera demasiado amplia como demasiado estricta: demasiado ampliamente en el sentido de crear la impresión de que los valores del Renacimiento surgieron instantáneamente y en todas partes, y demasiado estrechamente en el sentido de que limita el movimiento de masas a una zona de innovación . Hubo lagunas en el Renacimiento: se podía ver fácilmente una imagen de un niño feo en 1521 si el artista se comprometía con ese estilo.

Podemos rastrear dos razones por las que los bebés en las pinturas de la Edad Media parecían varoniles:

• La mayoría de los bebés medievales eran imágenes de Jesús. La idea de un Jesús homuncular (que nació a semejanza de un adulto y no de un niño) influyó en la forma en que se retrataba a todos los niños.

Los retratos medievales de niños, por regla general, fueron creados por orden de la iglesia. Esto significa que representaban a Jesús o a varios otros bebés bíblicos. Durante la Edad Media, las ideas sobre Jesús estuvieron fuertemente influenciadas por el homúnculo, que literalmente significa hombrecito. « Según esta idea, Jesús apareció completamente formado y no cambió - dice Averet. – Y si comparamos esto con la pintura bizantina, obtenemos una imagen estándar de Jesús. En algunas pinturas parece tener signos de calvicie de patrón masculino.».

Pintura de Barnaba da Modena (activo desde 1361 hasta 1383). Foto: DeAgostini/.

El Jesús homuncular (de aspecto adulto) se convirtió en la base de todos los dibujos infantiles. Con el tiempo, la gente empezó a pensar que así es como se debía representar a los bebés.

• Los artistas medievales estaban menos interesados ​​en el realismo.

Esta representación poco realista de Jesús refleja un enfoque más amplio del arte medieval: los artistas de la Edad Media estaban menos interesados ​​en el realismo o las formas idealizadas que sus homólogos del Renacimiento.

« La extrañeza que vemos en el arte medieval proviene de una falta de interés por el naturalismo y una mayor inclinación hacia las tradiciones expresionistas"., dice Averett.

A su vez, esto llevó a que la mayoría de las personas en la Edad Media fueran retratadas como similares. " La idea de libertad artística para dibujar a las personas como quieras sería nueva. Se siguieron las convenciones en el arte.».

La adherencia a este estilo de pintura hacía que los bebés parecieran papás fuera de forma, al menos hasta el Renacimiento.

Cómo los niños volvieron a ser bellos durante el Renacimiento

Un dulce niño en un cuadro de Rafael, 1506. Foto: Imágenes de bellas artes/Imágenes patrimoniales/.

¿Qué cambió y llevó a que los niños volvieran a ser hermosos?

• El arte no religioso floreció y la gente no quería que sus hijos parecieran personitas espeluznantes.

« Durante la Edad Media vemos menos imágenes de la clase media y la gente común" dice Averett.

Con el Renacimiento esto empezó a cambiar a medida que la clase media florentina prosperaba y la gente podía permitirse retratos de sus hijos. Los retratos estaban ganando popularidad y los clientes querían que sus hijos parecieran lindos bebés en lugar de feos homúnculos. Así es como cambiaron los estándares en el arte de muchas maneras y, en última instancia, en el dibujo de retratos de Jesús.

• El idealismo renacentista cambió el arte.

« Durante el Renacimiento, - Averet dice, – hubo un nuevo interés en observar la naturaleza y representar las cosas como realmente se veían" Y no en las tradiciones expresionistas previamente establecidas. Esto se reflejó en retratos más realistas de bebés y en hermosos querubines, que absorbieron los mejores rasgos de personas reales.

• Los niños fueron reconocidos como criaturas inocentes.

Averett advierte contra ser demasiado exigente con el papel de los niños en el Renacimiento: los padres en la Edad Media amaban a sus hijos de la misma manera que en el Renacimiento. Pero la idea misma de los niños y su percepción se ha transformado: de pequeños adultos a criaturas inocentes.

¿Por qué los niños en los cuadros medievales son tan feos? Para encontrar la respuesta a esta pregunta, el corresponsal de Vox, Phil Edwards, habló con Matthew Averett, profesor de historia del arte en la Universidad de Creighton y editor de la antología " El niño en el arte y la historia modernos tempranos"(El niño moderno en el arte y la historia).

"Feo" es decirlo suavemente. Los bebés en las pinturas medievales parecen hombrecitos horribles con el colesterol alto.

Estos son los hijos de 1350:

Un bebé espeluznante de 1350 en la composición “Madonna de Veveří” del maestro del Retablo de Vyshebrod. .

O aquí hay otro de 1333:

"Madonna y el Niño" pintada en Italia, por Paolo Veneziano, 1333. Portafolio Mondadori / .

Al mirar a estas personitas feas, pensamos en cómo logramos pasar de las feas imágenes medievales de niños a los bebés angelicales del Renacimiento y los tiempos modernos. A continuación se muestran dos imágenes que muestran cuánto ha cambiado la idea del rostro de un niño.

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Filippino Lippi/ .

¿Por qué había tantos bebés feos en los cuadros? Para comprender las razones, debemos mirar la historia del arte, la cultura medieval e incluso nuestras ideas modernas sobre los niños.

¿Quizás los artistas medievales simplemente eran malos dibujando?

Esta pintura del siglo XV es del artista veneciano Jacopo Bellini, pero el bebé está representado en un estilo medieval. .

Los niños eran retratados deliberadamente como feos. La línea entre la Edad Media y el Renacimiento es útil cuando se considera la transición de niños "feos" a otros mucho más lindos. Las comparaciones entre diferentes épocas tienden a revelar diferencias de valores.

« Cuando pensamos en los niños desde una perspectiva fundamentalmente diferente, esto se refleja en las pinturas: dice Averet. - Esa fue la elección del estilo. Podríamos mirar el arte medieval y decir que estas personas no tienen buen aspecto. Pero si el objetivo es que el cuadro se parezca a Picasso y creas una imagen realista, entonces te dirán que lo hiciste mal. Aunque las innovaciones artísticas llegaron con el Renacimiento, no son la razón por la que los bebés se volvieron más bonitos.».

Nota:
Generalmente se acepta que el Renacimiento comenzó en el siglo XIV en Florencia y desde allí se extendió por toda Europa. Sin embargo, como cualquier movimiento intelectual, se caracteriza tanto de manera demasiado amplia como demasiado estricta: demasiado ampliamente en el sentido de crear la impresión de que los valores del Renacimiento surgieron instantáneamente y en todas partes, y demasiado estrechamente en el sentido de que limita el movimiento de masas a una zona de innovación . Hubo lagunas en el Renacimiento: se podía ver fácilmente una imagen de un niño feo en 1521 si el artista se comprometía con ese estilo.

Podemos rastrear dos razones por las que los bebés en las pinturas de la Edad Media parecían varoniles:

• La mayoría de los bebés medievales eran imágenes de Jesús. La idea de un Jesús homuncular (que nació a semejanza de un adulto y no de un niño) influyó en la forma en que se retrataba a todos los niños.

Los retratos medievales de niños, por regla general, fueron creados por orden de la iglesia. Esto significa que representaban a Jesús o a varios otros bebés bíblicos. Durante la Edad Media, las ideas sobre Jesús estuvieron fuertemente influenciadas por el homúnculo, que literalmente significa hombrecito. « Según esta idea, Jesús apareció completamente formado y no cambió - dice Averet. - Y si lo comparamos con la pintura bizantina, obtenemos una imagen estándar de Jesús. En algunas pinturas parece tener signos de calvicie de patrón masculino.».

Pintura de Barnaba da Modena (activo desde 1361 hasta 1383). Foto: DeAgostini/.

El Jesús homuncular (de aspecto adulto) se convirtió en la base de todos los dibujos infantiles. Con el tiempo, la gente empezó a pensar que así es como se debía representar a los bebés.

• Los artistas medievales estaban menos interesados ​​en el realismo.

Esta representación poco realista de Jesús refleja un enfoque más amplio del arte medieval: los artistas de la Edad Media estaban menos interesados ​​en el realismo o las formas idealizadas que sus homólogos del Renacimiento.

« La extrañeza que vemos en el arte medieval proviene de una falta de interés por el naturalismo y una mayor inclinación hacia las tradiciones expresionistas"., dice Averett.

A su vez, esto llevó a que la mayoría de las personas en la Edad Media fueran retratadas como similares. " La idea de libertad artística para dibujar a las personas como quieras sería nueva. Se siguieron las convenciones en el arte.».

La adherencia a este estilo de pintura hacía que los bebés parecieran papás fuera de forma, al menos hasta el Renacimiento.

Cómo los niños volvieron a ser bellos durante el Renacimiento

Un dulce niño en un cuadro de Rafael, 1506. Foto: Imágenes de bellas artes/Imágenes patrimoniales/.

¿Qué cambió y llevó a que los niños volvieran a ser hermosos?

• El arte no religioso floreció y la gente no quería que sus hijos parecieran personitas espeluznantes.

« Durante la Edad Media vemos menos imágenes de la clase media y la gente común" dice Averett.

Con el Renacimiento esto empezó a cambiar a medida que la clase media florentina prosperaba y la gente podía permitirse retratos de sus hijos. Los retratos estaban ganando popularidad y los clientes querían que sus hijos parecieran lindos bebés en lugar de feos homúnculos. Así es como cambiaron los estándares en el arte de muchas maneras y, en última instancia, en el dibujo de retratos de Jesús.

• El idealismo renacentista cambió el arte.

« Durante el Renacimiento, - Averet dice, - surgió un nuevo interés por observar la naturaleza y representar las cosas tal como eran realmente vistas." Y no en las tradiciones expresionistas previamente establecidas. Esto se reflejó en retratos más realistas de bebés y en hermosos querubines, que absorbieron los mejores rasgos de personas reales.

• Los niños fueron reconocidos como criaturas inocentes.

Averett advierte contra una división excesiva del papel de los niños en el Renacimiento: los padres en la Edad Media amaban a sus hijos de la misma manera que en el Renacimiento. Pero la idea misma de los niños y su percepción se ha transformado: de pequeños adultos a criaturas inocentes.

« Más tarde se nos ocurrió la idea de que los niños son inocentes. señala Averett. - Si los niños nacen sin pecado, no pueden saber nada.».

A medida que cambió la actitud de los adultos hacia los niños, lo mismo se reflejó en los retratos de niños pintados por adultos. Los niños feos (o bonitos) son un reflejo de lo que la sociedad piensa de sus hijos, del arte y de sus tareas parentales.

Por qué todavía queremos que nuestros hijos luzcan hermosos

Todos estos factores influyeron en el hecho de que los niños se convirtieran en los personajes de mejillas regordetas que conocemos hoy. Y para nosotros, los espectadores modernos, esto es fácil de entender, porque todavía tenemos algunos ideales posrenacentistas sobre los niños.

En nuestra opinión, es bueno que las imágenes de los niños hayan cambiado. Después de todo, sólo a una madre le podría gustar una cara así:

Icono de 1304, Bitonto. Foto: Portafolio Mondadori/.