Cum s-a schimbat imaginea omului în arta medievală. Portret din Evul Mediu

Lecția 2. E timpul

Imaginea unei persoane este unul dintre cele mai controversate concepte din istoria culturii artistice mondiale. De-a lungul diferitelor ere, oamenii s-au perceput diferit. Și din această percepție stilul lui de viață s-a schimbat. Astăzi vreau să fac o paralelă prin epoci istorice și să arăt cum s-a schimbat această imagine.

Epoca antichității.
Epoca antichității este considerată epoca iluminismului. Naturalitatea a fost considerată principalul lucru în percepția oamenilor asupra lumii, iar corpul uman a servit ca standard în lumea artei. Pe baza similitudinii de construire a proporțiilor corpului uman, oamenii au ridicat clădiri. Dumnezeu era om, iar omul era dumnezeu. Zeii erau înzestrați cu pasiuni și vicii umane și se ridicau statui oamenilor, asemenea zeilor. Corpul uman era un templu. Sculptorul a recreat fiecare mișcare și fiecare pliu de îmbrăcăminte în marmură. Fiecare mușchi era la locul lui, creând impresia unui moment încremenit în piatră, ca unul surprins de privirea gorgonei Meduse.

Nu numai sculptura a reprodus corpul uman. Frescele de perete au adus în cameră ceea ce oamenii doreau să vadă - peisaje, scene de sărbători, dansuri, motive mitologice, scene de natură erotică. Și totul a fost descris în același mod - cu mare acuratețe.

În secolele I-III d.Hr., după capturarea Egiptului de către Alexandru cel Mare, în orașul egiptean Fayum au fost realizate portrete funerare, remarcate prin asemănarea izbitoare cu o persoană vie și prin tehnica de execuție care amintește de picturile renascentiste. Oamenii vor învăța să scrie din nou așa abia după o mie de ani.

Evul Mediu.
Evul Mediu, conform diverselor estimări, a durat de la opt sute la o mie două sute de ani în diferite regiuni ale Europei. A fost o perioadă de vremuri tulburi, incluzând multe repere, atât în istorie, cât și în artă. Dumnezeu a devenit principalul lucru pentru oamenii europeni. Trupul s-a transformat într-un rudiment, o cătușă pentru sufletul uman nemuritor. La urma urmei, sufletul este nemuritor, dar ce este trupul? Corpul, desigur, își dorește constant ceva: are nevoie să mănânce, să doarmă, are nevoie de căldură, are nevoie de afecțiune. Isus a suferit pentru noi pe cruce și noi trebuie să suferim prin îmblânzirea trupurilor noastre pentru a ne purifica sufletele. O persoană este concepută în păcat, născută în păcat și, pentru tot restul vieții, încearcă să ispășească acest păcat pentru a intra în Împărăția Cerurilor.

Ca și în Egipt, există un cult al vieții după viață, dar, spre deosebire de Egipt, pentru o persoană medievală, viața ar fi trebuit să înceapă abia după moarte. Și, din moment ce corpul este atât de fragil și, de fapt, inutil, nu are rost să încerci să-l portretizezi frumos. La început, artiștii au învățat cum să dezvețe cum să deseneze oamenii, apoi, secole mai târziu, au încercat să învețe din nou.

Omul era mic și nesemnificativ, dar ceea ce s-a dezvoltat a fost arta și arhitectura templului. Perioada tulbure a războiului a făcut loc păcii - stilul romanic în arhitectură, cu zidurile sale groase fortificate și ferestrele mici, a fost înlocuit cu cel gotic și a devenit primul stil care a unit toată Europa. În epoca gotică, Biserica nu mai era o structură defensivă în care mulți oameni erau protejați de Dumnezeu (și ziduri groase), tot mai mulți oameni au început să viziteze temple, iar arhitecților li se cerea să aibă mai mult spațiu interior pentru a găzdui toți enoriașii. Acest lucru a fost decis prin distribuirea greutății clădirii pe structura arcuită din interior și pe contraforturile zburătoare și contraforturile din exterior. Numele „gotic” în sine provine de la batjocura că designul arcuit al catedralelor semăna în aparență cu casele construite de triburile gotice, legând vârfurile copacilor pentru a crea o locuință cu cupolă. Distribuirea greutății clădirii a rezolvat problema zidurilor groase și a permis arhitecților să proiecteze deschideri uriașe de ferestre, care au fost umplute cu vitralii, care au apărut în același timp. Abundența decorului a completat imaginea - tot ceea ce este în lume a fost făcut de Creator - ceea ce înseamnă că nu este nimic rău în a-l folosi peste tot. Imaginați-vă: o persoană simplă din sat vine în oraș la biserică și în fața lui stă o frumoasă structură uriașă ajurata. Intră înăuntru și vede fascicule de lumină irizată de la deschiderile strălucitoare ale ferestrelor care înfățișează sfinți și scene din Biblie. Și el înțelege că Dumnezeu există cu adevărat.

Renaştere.

După Evul Mediu vine Renașterea, când oamenii au început să dezgroape orașe antice, să găsească obiecte de artă antice și să înțeleagă că lucrurile au fost cândva altfel. Slăbirea puterii bisericii duce la faptul că societatea devine mai laică. Artiștii învață din nou să picteze o persoană, doar pentru a face acest lucru trebuie să o deschidă pentru a afla unde se află mușchii și oasele și cum să deseneze corect o siluetă din aceasta. Ei continuă să scrie pe teme religioase, dar, în același timp, oamenii le încredințează să-și picteze portretele ca sfinți, ceea ce arată cât de mult și-a pierdut biserica puterea în mintea lor. Artiștii experimentează cu tehnici, inventează noi culori, noi stiluri. Se știe că Leonardo da Vinci a fost unul dintre primii care au pictat în ulei. Contribuția sa la pictura lui Verrocchio „Botezul lui Hristos”, un înger îngenunchiat, s-a dovedit a fi atât de strălucitoare și de plină de viață încât Verrocchio, conform legendei, a lăsat pictura pentru sculptură, spunând că elevul, la prima sa dată, l-a depășit pe profesor, si nu avea ce sa-l invete .

Epoca baroc.
Urmează Renașterea, dar diferită ca caracter, este epoca barocului. Oamenii epocii baroc se îndepărtează de naturalețea antică în ideea lor de frumusețe și se străduiesc să-și deformeze, să-și modernizeze corpul și să le dea o formă nouă, ideală. Corsetele, fețele albite cu „pete” pictate și perucile pudrate în care roiau păduchi și șoareci au intrat la modă. Apropo, perucile creț pentru bărbați au fost introduse în modă de regele Ludovic al XIV-lea. Trăind după principiul „ține-ți prietenii aproape și pe dușmanii tăi și mai aproape”, s-a înconjurat de miniștri și lideri militari, care de-a lungul timpului s-au transformat în sicofanți, încercând să intre în ochiul domnitorului și repetându-și schimbările vestimentare. Când Louis a început să chel, și-a pus o perucă. Toți cei din jurul lui au făcut la fel.

În epoca barocului, s-a acordat mare dragoste detaliilor în exces, decorațiunilor sculptate, auririi și lămpilor pentru un număr mare de lumânări. Și iluzii optice. Barocul italian s-a remarcat cel mai mult în ceea ce privește iluziile. Iar pictorul și arhitectul florentin Andrea Pozzo este considerat un maestru de neîntrecut. Capodoperele lui Pozzo sunt considerate a fi frescele absidei, tavanului și picturii spațiului de sub dom al bisericii iezuite romane San Ignazio. În timpul construcției bisericii, din lipsă de fonduri, cupola nu a fost ridicată. Călugării au decis să înlocuiască cupola cu pictură și, pentru a rămâne în buget și pentru a se asigura că totul se face conform canoanelor iezuite, l-au invitat pe unul dintre călugării lor, Andrea Pozzo, să facă această lucrare. Pozzo a început prin a picta o mică cupolă în absida clădirii. Călugărilor le-a plăcut atât de mult această lucrare, încât i-au ordonat să picteze spațiul de sub cupola de deasupra altarului.
În punctul cel mai înalt se află însuși Sfântul Ignazio, întemeietorul Bisericii Iezuite, iar Împărăția Cerească îl așteaptă.

Oamenii au început să pună mai des întrebarea „Ce suntem?”. Filosoful francez Rene Descartes, observând statuile la modă ale fântânilor din acea vreme, care stăteau nemișcate și, când o persoană se apropia de ele, prindea viață și îl stropi cu apă, s-a gândit - dacă mișcarea organismelor vii depinde și de pârghii, roți dințate si pistoane? A început să caute un răspuns, supunând fiecare dintre judecățile sale respingerii și a ajuns la concluzia că doar gândul rămâne de nerefuzat. Așa a ajuns la fraza sa celebră de mai târziu - „Cogito ergo sum”. „Cred, deci exist.”

Epoca clasicismului.
În epoca clasicismului, artiștii se îndreaptă din nou către tradițiile antice, luându-le drept standard. Elemente ale clădirilor antice apar în arhitectură - portice, coloane - în pictură - statui antice, personajele sunt adesea îmbrăcate într-un mod antic. Din aceasta va ieși ulterior academicismul - un stil în artă împotriva căruia impresioniștii și alți rebeli ai artei se vor lupta.

Două părți diferite ale lumii.
Și, în concluzie, aș vrea să vorbesc despre două părți ale lumii, care sunt radical diferite în părerile lor despre ce este frumusețea. Acestea sunt țările din Asia de Est - Japonia și China - și Statele Unite ale Americii.
Voi vorbi despre China și Japonia împreună, pentru că cultura lor are multe în comun, deși cu o influență puternică a mentalității țărilor lor. În cultura chineză, nu există valoare, ca atare, pentru viața umană - au fost întotdeauna mulți dintre ei - unul va pleca, altul va veni în locul ei. După cum spun chinezii: „Nu există nicio valoare în viața umană - există un decret al împăratului” - dacă trebuie să mori, mori. Dar, pe de altă parte, scopul fiecărei persoane în viață este să obțină fericirea personală și nimeni nu are dreptul să te priveze de asta. De asemenea, în cultura chineză, fiecare simbol are putere ascunsă. Ei chiar construiesc arhitectura asemănătoare cu un fel de hieroglifă sau semn, astfel încât clădirea în sine funcționează pentru a-și atinge scopul. Pentru Japonia este prea dificil. Yin și Yang sunt unitatea contrariilor, în alb este o bucată de negru, în pământ este o bucată de cer - pentru ei este prea dificil. Ei au luat din cultura chineză ceea ce au considerat suficient - armonie și naturalețe.
Cele trei concepte principale de frumusețe în cultura japoneză sunt „yu-gen” – un indiciu – „wabi” – gol – și „sabi” – patina, dovada finitudinii. Sugestia este shoji translucid, lumina care trece printr-un felinar de hârtie. Ceea ce este deschis nu este interesant. Ceea ce este interesant este ceea ce se ascunde în spatele formei neclare. În Japonia nu există o astfel de atitudine față de nuditate ca în Europa - acest lucru este firesc. Și din moment ce este natural, înseamnă că nu este rușine. Nuditatea nu este excitantă decât dacă se dorește să fie așa. Este mult mai interesant când corpul este ascuns în straturi de îmbrăcăminte, ca o perlă, și poți ghici ce se află înăuntru. Același lucru se poate spune despre cofetăria japoneză, care are un gust foarte delicat, ușor. Dulceața naturală a pastei de fasole, agar-agar și fructe de pădure adăugată pentru decor. Nu adaugă zahăr pentru că excesul nu este distractiv.
În Europa, golul este ceva teribil, de neînțeles, golul este nimic. În Japonia, goliciunea este de la care vine totul. Ei nu pictează un robin peste un bujor - pictează un gol pentru a scoate în evidență figurile. Basho, desemnând tăcere, nu a scris „atât de liniștit”, a scris „puti auzi ticăitul ceasului”. Așa cum liniștea este accentuată prin sunetul liniștit, la fel și aici - artistul lasă golul pe pânză plasând acolo personaje.
Fără moarte, viața nu poate fi înțeleasă. Moartea este o parte a vieții, așa că prin ea ajungi să cunoști frumusețea vieții. Japonezii îi numesc pe europeni unilaterali pentru că ei neagă moartea și trăiesc pentru a trăi și a se bucura. Dar uitând că viața este finită, este imposibil să ne bucurăm pe deplin de plinătatea ei. Fără bine nu există rău, fără lipsuri nu vei înțelege toată frumusețea dobândirii. Este la fel cu un lucru. Dacă a avut vremea lui, dacă este acoperită de crăpături, uzată - se vede fragilitatea - asta o face și mai frumoasă - are suflet. Chiar și sigiliile noi au o bucată tăiată special pentru a-și arăta finitudinea, naturalețea - și, prin urmare, frumusețea. În antichitate, nu erau permise așchii sau crăpături - obiectul era finit și, prin urmare, nu era ideal. În Japonia, dimpotrivă - din moment ce totul are moarte - este prețuit și mai mult. Florile de cireș sunt simbolul acestui lucru. Pentru că petalele cad din copaci într-un timp foarte scurt și trebuie să te bucuri de fiecare moment în care îl vezi.

SUA își insuflă cultura în lume prin filme. Cultura unui ideal de neatins - cultura transformării, a trăirii în vise. Chiar și George Bush Sr. a spus în discursul său că „misiunea sacră încredințată Americii este de a-i face pe toți ceilalți să gândească la fel ca noi”. Din America a venit moda chirurgiei plastice - realizarea idealului inexistent al cuiva. Într-o lume ideală, personajul principal nu moare niciodată. Într-o lume ideală există întotdeauna un final fericit. Nu există reguli stricte de urmat, așa că nu veți găsi non-documentare „istorice” de încredere. Aceasta nu este povestea lor - nu sunt cei care merg zilnic la muncă prin Partenon - au îmbrăcat oamenii în toge, au ridicat coloane - aceasta este Grecia. Și nu contează cum interacționează oamenii. Prin urmare, fiecare astfel de film ne arată americanii moderni în cadre diferite. Principalul lucru este că este spectaculos. Același lucru este valabil și pentru stiluri. America este o țară cu propriile stiluri și forme. Nu există stiluri artistice pe care le înțelegem - baroc, clasicism, art novo - există un stil de palat, care conține tot ceea ce o persoană consideră lux: coloane, o toaletă aurie, un pat cu baldachin. Stil marin, tropical, industrial - și multe, multe altele.
De asemenea, trebuie remarcat faptul că americanii sunt oameni cărora nu le place să fie considerați proști, așa că nu le plac formele complexe și metaforele pe care nu le pot înțelege. Aceasta include și comparații prea simple - din același motiv. Cea mai mare parte a oamenilor ajung în „mijlocul de aur” dintre acești poli - într-un spațiu frumos prezentat, acoperit doar suficient încât o persoană pare să fi ghicit totul singură. Și există oameni care inventează și creează această cale de mijloc pentru cetățenii de rând.
Cultura americană se caracterizează prin absența folclorului. Coloniștii nu aveau propriile mituri, nu s-au născut zei noi - erau prea „adulti” pentru asta. De aceea americanii și-au creat propriile genii și spiriduși. Au primit supereroi. America este singura țară care are supereroi. La urma urmei, ce este un super-erou? O persoană ideală care creează o lume ideală.

*material colectat din diverse surse

Arta Evului Mediu reflecta cel mai adecvat trecerea în mentalitatea omului medieval de la exterior la interior, interiorizarea vieții sale spirituale. Catedrala medievală l-a primit pe credincios în sine și l-a influențat cu decorațiunile interioare și lucrările de sculptură și pictură concentrate în templu.

În dezvoltarea arhitecturii în Evul Mediu se disting două stiluri: romanic (secolele XI-XII) și gotic (secolele XIII-XV). Stilul romanic este caracterizat de structuri masive: un castel feudal, fortificații ale orașului, catedrale. Claritatea, soliditatea, impresionantitatea sunt caracteristici ale arhitecturii romanice. Fantasmagoria compozițiilor sculpturale, alegorii literare, groaza și rușinea păcatului uman în fața degetului unui Dumnezeu fără milă sunt imagini ale artei medievale timpurii.

Goticul este un stil de polifonie atât în muzică, cât și în arhitectură, a cărui apariție în Europa este asociată cu creșterea conștiinței publice și creșterea încrederii umane în propriile abilități. Catedrala gotică este o pădure zveltă și falnică de bolți, sticlă imensă, îngustă și colorată, a cărei construcție și decorare a durat decenii și secole. În catedrale se țineau slujbe divine, s-au ținut prelegeri universitare, au fost organizate spectacole de teatru și chiar s-au întrunit parlamentul.

Realizarea culturală a epocii este apariția unui stil artistic monumental care sintetizează alte tipuri de artă.

3. O privire asupra artei în perioada Renașterii

Arta Renașterii este epoca umanismului european, a antropocentrismului și a formării valorii personalității umane. Urbanizarea Italiei și specializarea orașelor au adus Florența în centrul culturii artistice și al gândirii estetice ale vremii. Toate schimbările din viața societății au fost însoțite de o amplă reînnoire a culturii - înflorirea științelor naturale și exacte, a literaturii în limbile naționale și, mai ales, a artelor plastice. Apariția tiparului a deschis oportunități fără precedent pentru diseminarea operelor literare și științifice.

Cu toată complexitatea și ambiguitatea esteticii Renașterii, unul dintre principiile sale principale poate fi identificat ca absolutizarea personalității umane în integritatea ei. Tratatele de estetică și operele de artă ale Renașterii se caracterizează printr-o idee idealizată a omului ca unitate a raționalului și senzualului, ca ființă liberă cu posibilități creative nelimitate. Este asociat cu antropocentrismul în estetica Renașterii și înțelegerea frumosului, sublimului și eroic. Principiul unei personalități umane frumoase, creative artistic a fost combinat printre teoreticienii Renașterii cu o încercare de a calcula matematic proporțiile, simetria și perspectiva. Gândirea estetică și artistică a acestei epoci se bazează pentru prima dată pe percepția umană ca atare și pe o imagine senzual reală a lumii.

Estetica Renașterii orientează arta spre imitarea naturii. Totuși, ceea ce este pe primul loc aici nu este atât natura, cât artistul, care în activitatea sa creatoare devine ca Dumnezeu. La creatorul unei opere de artă, care se eliberează treptat de ideologia bisericească, ceea ce este cel mai apreciat este o viziune artistică ascuțită asupra lucrurilor, independența profesională și abilitățile speciale, iar creațiile sale dobândesc un caracter autosuficient, mai degrabă decât sacru. . Unul dintre cele mai importante principii de percepție a operelor de artă este plăcerea, care indică o tendință democratică semnificativă spre deosebire de erudiția moralizantă și scolastică a teoriilor estetice anterioare.

Artele frumoase ale Renașterii oferă un contrast cu cele medievale în multe privințe. Acesta marchează apariția realismului, care a determinat dezvoltarea culturii artistice europene pentru o lungă perioadă de timp.

Acest lucru a afectat nu numai răspândirea imaginilor seculare, dezvoltarea portretelor și a peisajelor sau o nouă interpretare, uneori aproape specifică genului, a subiectelor religioase, ci și o reînnoire radicală a întregului sistem artistic. Această teorie, care face posibilă construirea unei imagini tridimensionale pe un plan, orientată către privitor și ținând cont de punctul său de vedere, înseamnă o victorie asupra conceptului medieval de imagine.

Reprezentanții Renașterii găsesc în cultura antică ceva care este în ton cu propriile lor aspirații - angajament față de realitate, veselie, admirație pentru frumusețea lumii pământești, pentru măreția faptelor eroice. În același timp, dezvoltată în diferite condiții istorice, absorbind tradițiile stilului romanic și gotic, arta Renașterii poartă pecetea timpului său. În comparație cu arta antichității clasice, lumea spirituală umană devine din ce în ce mai complexă și cu mai multe fațete. Lucrările artiștilor devin semnături, adică sunt în mod clar protejate prin drepturi de autor. Apar tot mai multe autoportrete. Un semn fără îndoială al unei noi conștiințe de sine este că artiștii se feresc din ce în ce mai mult de la comenzile directe, dedicându-se lucrului din motivație interioară. Până la sfârșitul secolului al XIV-lea, poziția externă a artistului în societate s-a schimbat semnificativ și ea. Artiștii încep să primească tot felul de recunoașteri publice, funcții, sinecure onorifice și bănești. A. Michelangelo, de exemplu, este ridicat la o asemenea înălțime încât, fără teama de a-i jignit pe purtătorii de coroană, refuză înaltele onoruri care i se oferă. Porecla divină îi este suficientă. El insistă că în scrisorile către el orice titlu ar trebui să fie omis și ar trebui să scrie pur și simplu Michelangelo Buonarotti.

Arta Renașterii este împărțită în patru etape: Proto-Renaștere, sfârșitul secolului al XIII-lea - prima jumătate a secolului al XIV-lea, Renașterea timpurie, secolul al XV-lea, Înalta Renaștere, sfârșitul secolului al XV-lea, primele trei decenii ale secolului al XVI-lea, Renașterea târzie, mijlocul și a doua jumătate a secolului al XVI-lea.

Urâtul este o subestimare. În imaginile medievale, copiii arată ca niște pitici înfiorătoare cu niveluri ridicate de colesterol, serios îngrijorați de problemele cu locuința. Copilul din pictura „Madona din Veveří” a maestrului Retarului din Vyszebrod arată de parcă este pe cale să fie concediat pentru hărțuire sexuală.

În Madonna și Pruncul lui Paolo Veneziano din 1333, copilul este prea înfricoșător chiar și pentru un film cu David Lynch.

Imaginile acestor copii, care amintesc mai mult de bărbații adulți, fac să ne întrebăm de ce, începând din Renaștere, au început să deseneze în locul lor heruvimi drăguți. O comparație a imaginilor medievale și renascentiste arată cât de mult s-a schimbat conceptul chipului unui copil. Pentru a înțelege de ce există atât de mulți copii deformați în imaginile medievale, este necesar să ne uităm la istoria artei, cultura medievală și ideile moderne despre copii.

Artiștii medievali erau pur și simplu răi la desen?

„Urâțenia” bebelușului s-ar putea să fi fost intenționată. Granița dintre picturile de copii urâți și drăguți coincide cu granița dintre Evul Mediu și Renaștere. În momente diferite, oamenii considerau diferite lucruri ca fiind valorile principale: dacă un artist renascentist a gândit despre copii altfel decât un artist din Evul Mediu, imaginea va reflecta această schimbare. „Dacă avem idei fundamental diferite despre copii, picturile vor demonstra atitudinea noastră față de ei”, spune Averett. - Evul Mediu are un anumit stil de desen. Desigur, se poate spune că eroii picturii din acea vreme sunt reprezentați nerealist, dar aceeași remarcă poate fi aplicată și personajelor lui Picasso. Renașterea a adus cu ea inovații artistice, dar nu acestea au fost motivul pentru care copiii au început să deseneze „mai bine”.

Există două motive pentru care copiii din arta medievală arată „masculin”:

1) Majoritatea imaginilor copiilor din Evul Mediu sunt imagini ale lui Isus. Conceptul de Hristos homuncular a influențat tradiția generală de înfățișare a copiilor.

Un portret medieval al unui copil a fost de obicei comandat de către biserică. Acest lucru a limitat gama de personaje înfățișate la pruncul Isus și alți câțiva copii din poveștile biblice. Înțelegerea medievală a lui Hristos a fost influențată de imaginea homunculusului, care se traduce literal prin „omuleț”. Ideea homuncularului Isus a fost că fiul lui Dumnezeu are deja un corp ideal la naștere, iar trăsăturile sale nu se schimbă odată cu trecerea timpului. Averett susține că dacă acest concept este comparat cu tradiția picturii bizantine, se poate explica de ce multe imagini îl arată pe copilul Hristos chelie. Mai târziu, tradiția înfățișării unui Isus cu aspectul adult a devenit convențională în iconografie. După ceva timp, oamenii au început să creadă că acesta este singurul mod de a desena un copil.

Copilul lui Barnaba da Modena (activ 1361–1383) este în pragul unei crize de mijloc.

2) Artiștii medievali nu erau interesați de pictura realistă

Reprezentarea nerealistă a lui Isus sugerează că arta medievală necesită o abordare mai largă. Este evident că artiștii de atunci nu pictau în stilul realismului și, în același timp, nu idealizau formele corpului, precum artiștii Renașterii. Ciudățeniile pe care le vedem în arta Evului Mediu au apărut din cauza faptului că artiștii nu au abordat obiectul reprezentat dintr-o poziție de naturalism, ci au fost mai înclinați către metodele expresioniste de transmitere a obiectului. Cu toate acestea, această trăsătură a gândirii medievale a făcut ca majoritatea oamenilor reprezentați să fie foarte asemănători. Ideea libertății creative (un artist poate atrage oamenii după bunul plac) este relativ nouă. Convențiile artistice erau încă puternice în Evul Mediu. Acest stil de desen a păstrat imaginea tradițională a unui copil, asemănătoare cu un tată flasc, cu voință slabă - cel puțin până la Renaștere.

Cum Renașterea i-a făcut pe copii frumoși

Copil frumos și dulce, pictat de Rafael în 1506

Deci, de ce sunt înfățișați copiii ca fiind frumoși?

1) În New Age, arta seculară a înflorit: oamenii voiau să se uite la copii drăguți, și nu la bătrâni mici și urâți

În Evul Mediu nu exista practic nicio artă a „clasei de mijloc” sau pictura populară. După ce veniturile cetățenilor din Florența au crescut, în cultura Renașterii a început să se formeze o cerere pentru portrete ale copiilor. Oamenii obișnuiți, cu dorința lor de a-și imortaliza descendenții în picturi, au extins granițele portretului. Clientul nu a vrut să-și vadă descendenții sub forma unui homunculus înfiorător. Acest lucru a schimbat granițele a ceea ce era acceptabil în reprezentarea copiilor și, în cele din urmă, tradiția sa extins la însuși pruncul Isus.

2) Idealismul renascentist a schimbat arta

În timpul Renașterii, artistul a dezvoltat un nou interes pentru a observa natura și a descrie lucrurile așa cum le vede. Stilul expresionist caracteristic artei Evului Mediu dispare. Acest lucru duce, printre altele, la apariția unor imagini realiste ale bebelușilor - heruvimi frumoși, împrumutând cele mai bune trăsături ale oamenilor reali.

3) Copiii au devenit creaturi nevinovate

Averett sugerează că nu ar trebui să facem o distincție grosieră între mentalitatea medievală și cea renascentistă inerentă părinților acestor epoci. Se crede pe scară largă că schimbarea gândirii din timpul Renașterii a influențat tradiția de a reprezenta copiii, dar părinții din Evul Mediu își iubeau copiii în același mod ca părinții din Renaștere. Cu toate acestea, deja în timpul Renașterii, însuși conceptul de copil a fost transformat: de la adulți mici, copiii s-au transformat în creaturi exclusiv inocente. Acest lucru s-a întâmplat când s-a răspândit în societate ideea că fiecare copil se naște fără păcat și încă nu știe nimic despre lume. De îndată ce atitudinea adulților față de copii s-a schimbat, s-au schimbat și portretele copiilor create de adulți și pentru adulți. Bebelușii urâți din picturile din Evul Mediu sau cei frumoși din Renaștere sunt doar o reflectare a ideilor sociale despre felul în care oamenii gândeau despre copii, sarcinile lor parentale și artă.

De ce mai vrem ca copiii noștri să arate frumos?

Sub influența tuturor acestor factori, copiii de astăzi sunt exclusiv păpuși pe care vrei să le ciupești de obraz. Este clar că în societatea modernă unele idei post-renascentiste asociate cu idealizarea copiilor sunt încă vii. Desigur, pentru o persoană modernă, o schimbare în tradiția înfățișării copiilor este un plus, pentru că, vedeți, doar unei mame îi poate plăcea un astfel de chip:

Copilul din icoana Bitonto (1304) arată de parcă nu vrea să se joace de ascunselea.

„Urât” înseamnă ușor. Bebelușii din picturile medievale arată ca niște bărbați oribil cu colesterol ridicat.

Aceștia sunt copiii anului 1350:

Un copil ciudat din 1350 în compoziția „Madona din Veveří” a maestrului Retarului Vyshebrod. Foto: .

Sau iată încă unul din 1333:

„Madona cu Pruncul” pictat în Italia, de Paolo Veneziano, 1333. Foto: Mondadori Portfolio/.

Privind la acești oameni mici urâți, ne gândim cum am reușit să trecem de la imaginile medievale urâte ale copiilor la bebelușii angelici ai Renașterii și timpurilor moderne. Mai jos sunt două imagini care arată cât de mult s-a schimbat ideea feței unui copil.

Foto: .

Foto: Filippino Lippi/ .

De ce erau atât de mulți bebeluși urâți în tablouri? Pentru a înțelege motivele, trebuie să ne uităm la istoria artei, la cultura medievală și chiar la ideile noastre moderne despre copii.

Poate că artiștii medievali erau pur și simplu rău la desen?

Acest tablou din secolul al XV-lea este realizat de artistul venețian Jacopo Bellini, dar copilul este înfățișat într-un stil medieval. Foto: .

Copiii au fost în mod deliberat portretizați ca fiind urâți. Linia dintre Evul Mediu și Renaștere este utilă atunci când avem în vedere trecerea de la copiii „urați” la cei mult mai drăguți. Comparațiile între diferite epoci tind să dezvăluie diferențe de valori.

« Când ne gândim la copii într-o lumină fundamental diferită, acest lucru se reflectă în picturi - spune Averett. „Asta a fost alegerea stilului.” Am putea să ne uităm la arta medievală și să spunem că acești oameni nu arată bine. Dar dacă scopul este ca tabloul să arate ca Picasso și tu creezi o imagine realistă, atunci ei ți-ar spune că ai greșit. Deși inovațiile artistice au venit odată cu Renașterea, ele nu sunt motivul pentru care bebelușii au devenit mai frumoși».

Notă: Este general acceptat că Renașterea a început în secolul al XIV-lea la Florența și de acolo s-a răspândit în toată Europa. Cu toate acestea, ca orice mișcare intelectuală, este caracterizată atât prea larg, cât și prea îngust: prea larg în sensul de a crea impresia că valorile Renașterii au apărut instantaneu și peste tot și prea îngust prin faptul că limitează mișcarea în masă la o zonă de inovatie. Au existat lacune în Renaștere - puteai vedea cu ușurință o imagine a unui copil urât în 1521 dacă artistul s-ar fi dedicat acestui stil.

Putem urmări două motive pentru care bebelușii din picturile din Evul Mediu arătau bărbătești:

Majoritatea bebelușilor medievali erau imagini ale lui Isus. Ideea unui Iisus homuncular (că El s-a născut după asemănarea unui adult și nu a unui copil) a influențat modul în care toți copiii au fost înfățișați.

Portretele medievale ale copiilor, de regulă, au fost create din ordinul bisericii. Aceasta înseamnă că l-au înfățișat fie pe Isus, fie alți câțiva copii biblici. În Evul Mediu, ideile despre Isus au fost puternic influențate de homunculus, care înseamnă literal om mic. « Conform acestei idei, Isus a apărut complet format și nu s-a schimbat - spune Averett. – Și dacă comparăm asta cu pictura bizantină, obținem o imagine standard a lui Isus. În unele picturi, el pare să aibă semne de chelie masculină».

Pictură de Barnaba da Modena (activ din 1361 până în 1383). Foto: DeAgostini/.

Iisus homuncular (cu aspectul adult) a devenit baza pentru toate desenele copiilor. De-a lungul timpului, oamenii au început pur și simplu să creadă că așa ar trebui să fie portretizați bebelușii.

Artiștii medievali erau mai puțin interesați de realism

Această reprezentare nerealistă a lui Isus reflectă o abordare mai largă a artei medievale: artiștii din Evul Mediu erau mai puțin interesați de realism sau forme idealizate decât omologii lor renascentist.

« Ciudățenia pe care o vedem în arta medievală provine dintr-o lipsă de interes pentru naturalism și o înclinație mai mare către tradițiile expresioniste.”, spune Averett.

La rândul său, acest lucru a făcut ca majoritatea oamenilor din Evul Mediu să fie portretizați ca fiind similari. " Ideea de libertate artistică în a atrage oamenii așa cum îți dorești ar fi nouă. Convențiile au fost respectate în art».

Aderarea la acest stil de pictură i-a făcut pe bebeluși să pară ca niște tătici demodați, cel puțin până în perioada Renașterii.

Cum copiii au redevenit frumoși în timpul Renașterii

Un copil dulce într-un tablou de Rafael, 1506. Foto: Fine Art Images/Heritage Images/.

Ce s-a schimbat și a dus la faptul că copiii au redevenit frumoși?

Arta non-religioasă a înflorit și oamenii nu au vrut ca copiii lor să arate ca niște niște înfiorătoare

« În timpul Evului Mediu vedem mai puține imagini ale clasei de mijloc și ale oamenilor de rând", spune Averett.

Odată cu Renașterea, acest lucru a început să se schimbe pe măsură ce clasa de mijloc din Florența a prosperat și oamenii își puteau permite portrete ale copiilor lor. Portretul creștea în popularitate, iar clienții doreau ca copiii lor să arate mai degrabă ca niște bebeluși drăguți decât ca niște homunculi urâți. Acesta este modul în care standardele în artă s-au schimbat în multe feluri și, în cele din urmă, în desenarea portretelor lui Isus.

Idealismul renascentist a schimbat arta

« În timpul Renașterii, - Averett spune, – a existat un nou interes în observarea naturii și înfățișarea lucrurilor așa cum au fost văzute de fapt" Și nu în tradițiile expresioniste stabilite anterior. Acest lucru s-a reflectat în portrete mai realiste ale bebelușilor și în heruvimi frumoși, care au absorbit cele mai bune trăsături de la oameni reali.

Copiii erau recunoscuți drept creaturi nevinovate

Averett avertizează să nu fie prea detaliat cu privire la rolul copiilor în Renaștere – părinții din Evul Mediu își iubeau copiii la fel de diferit decât în Renaștere. Dar însăși ideea de copii și percepția lor s-a transformat: de la adulți mici la creaturi inocente.

...Și cum au devenit frumoși în timpul Renașterii

De ce sunt copiii din picturile medievale atât de urâți? Pentru a găsi răspunsul la această întrebare, corespondentul Vox Phil Edwards a vorbit cu Matthew Averett, profesor de istoria artei la Universitatea Creighton și editor al antologiei " Copilul în arta și istoria modernă timpurie„(Copilul modern timpuriu în artă și istorie).

„Urât” înseamnă ușor. Bebelușii din picturile medievale arată ca niște bărbați oribil cu colesterol ridicat.

Aceștia sunt copiii anului 1350:

Un copil ciudat din 1350 în compoziția „Madona din Veveří” a maestrului Retarului Vyshebrod. .

Sau iată încă unul din 1333:

„Madona cu Pruncul” pictat în Italia, de Paolo Veneziano, 1333. Portofoliu Mondadori / .

Filippino Lippi/ .

Poate că artiștii medievali erau pur și simplu rău la desen?

Acest tablou din secolul al XV-lea este realizat de artistul venețian Jacopo Bellini, dar copilul este înfățișat într-un stil medieval. .

« Când ne gândim la copii într-o lumină fundamental diferită, acest lucru se reflectă în picturi - spune Averett. - Asta a fost alegerea stilului. Am putea să ne uităm la arta medievală și să spunem că acești oameni nu arată bine. Dar dacă scopul este ca tabloul să arate ca Picasso și tu creezi o imagine realistă, atunci ei ți-ar spune că ai greșit. Deși inovațiile artistice au venit odată cu Renașterea, ele nu sunt motivul pentru care bebelușii au devenit mai frumoși».

Notă:
Este general acceptat că Renașterea a început în secolul al XIV-lea la Florența și de acolo s-a răspândit în toată Europa. Cu toate acestea, ca orice mișcare intelectuală, este caracterizată atât prea larg, cât și prea îngust: prea larg în sensul de a crea impresia că valorile Renașterii au apărut instantaneu și peste tot și prea îngust prin faptul că limitează mișcarea în masă la o zonă de inovatie. Au existat lacune în Renaștere - puteai vedea cu ușurință o imagine a unui copil urât în 1521 dacă artistul s-ar fi dedicat acestui stil.

Putem urmări două motive pentru care bebelușii din picturile din Evul Mediu arătau bărbătești:

Majoritatea bebelușilor medievali erau imagini ale lui Isus. Ideea unui Iisus homuncular (că El s-a născut după asemănarea unui adult și nu a unui copil) a influențat modul în care toți copiii au fost înfățișați.

Portretele medievale ale copiilor, de regulă, au fost create din ordinul bisericii. Aceasta înseamnă că l-au înfățișat fie pe Isus, fie alți câțiva copii biblici. În Evul Mediu, ideile despre Isus au fost puternic influențate de homunculus, care înseamnă literal om mic. « Conform acestei idei, Isus a apărut complet format și nu s-a schimbat - spune Averett. - Și dacă comparăm asta cu pictura bizantină, obținem o imagine standard a lui Isus. În unele picturi, el pare să aibă semne de chelie masculină».

Pictură de Barnaba da Modena (activ din 1361 până în 1383). Foto: DeAgostini/.

Artiștii medievali erau mai puțin interesați de realism

« Ciudățenia pe care o vedem în arta medievală provine dintr-o lipsă de interes pentru naturalism și o înclinație mai mare către tradițiile expresioniste.”, spune Averett.

Aderarea la acest stil de pictură i-a făcut pe bebeluși să pară ca niște tătici demodați, cel puțin până în perioada Renașterii.

Cum copiii au redevenit frumoși în timpul Renașterii

Un copil dulce într-un tablou de Rafael, 1506. Foto: Fine Art Images/Heritage Images/.

Ce s-a schimbat și a dus la faptul că copiii au redevenit frumoși?

Arta non-religioasă a înflorit și oamenii nu au vrut ca copiii lor să arate ca niște niște înfiorătoare

« În timpul Evului Mediu vedem mai puține imagini ale clasei de mijloc și ale oamenilor de rând", spune Averett.

Idealismul renascentist a schimbat arta

« În timpul Renașterii, - Averett spune, - a existat un nou interes pentru observarea naturii și înfățișarea lucrurilor așa cum au fost văzute de fapt" Și nu în tradițiile expresioniste stabilite anterior. Acest lucru s-a reflectat în portrete mai realiste ale bebelușilor și în heruvimi frumoși, care au absorbit cele mai bune trăsături de la oameni reali.

Copiii erau recunoscuți drept creaturi nevinovate

Averett avertizează împotriva supra-împărțirii rolului copiilor în Renaștere - părinții din Evul Mediu își iubeau copiii la fel de mult decât făceau în Renaștere. Dar însăși ideea de copii și percepția lor s-a transformat: de la adulți mici la creaturi inocente.

« Mai târziu ne-a venit ideea că copiii sunt nevinovați - notează Averett. - Dacă copiii se nasc fără păcat, ei nu pot ști nimic».

Pe măsură ce atitudinea adulților față de copii s-a schimbat, același lucru s-a reflectat și în portretele copiilor pictate de adulți. Copiii urâți (sau cei frumoși) sunt o reflectare a ceea ce crede societatea despre copiii săi, despre artă și despre sarcinile sale de părinte.

De ce ne dorim ca copiii noștri să arate frumos

Toți acești factori au influențat faptul că copiii au devenit personajele dolofane cu care suntem familiarizați astăzi. Și pentru noi, telespectatorii moderni, acest lucru este ușor de înțeles, pentru că mai avem niște idealuri post-Renaștere despre copii.

În opinia noastră, este bine că imaginile copiilor s-au schimbat. La urma urmei, doar unei mame i-ar putea plăcea o astfel de față:

Icoana din 1304, Bitonto. Foto: Mondadori Portfolio/.