Cum s-a dezvoltat genul. Pictură de istorie

Arta portretului își are originea în antichitate. Dar calea către un portret realist a fost foarte lungă.

În arta plastică, un portret este o imagine a unei persoane sau a unui grup de oameni. Prin aspectul exterior al unei persoane, portretul arată și lumea sa interioară.

Despre termen

Cuvântul „portret” în cultura europeana inițial însemna „reproducere picturală” a oricărui obiect, inclusiv a unui animal. Și abia în secolul al XVII-lea. André Félibien, istoric de artă francez și istoric oficial al curții al regelui Ludovic al XIV-lea, a propus ca termenul „portret” să fie folosit exclusiv pentru „reprezentarea unei ființe umane (specifice)”.
Imaginile fețelor lui Iisus Hristos, ale Maicii Domnului și ale sfinților nu sunt portrete - nu au fost pictate de la o persoană anume, sunt doar imagini generalizate. Excepție fac portretele sfinților moderni, create în timpul vieții lor.

Istoria dezvoltării genului portretului

Primele exemple de portrete datează din sculptura egipteană antică. Dar despre sculptură vom vorbi într-un articol separat.

Portretul medieval a fost în mare parte lipsit de personalizare, deși frescele și mozaicurile bisericilor bizantine, ruse și ale altor biserici se caracterizează printr-o definiție fizionomică clară și spiritualitate: artiștii le conferă sfinților, încetul cu încetul, trăsăturile faciale ale unor oameni reali.
Începând din secolele X-XII. portret în Europa de Vestîncepe să se dezvolte mai intens: se păstrează în pietre funerare, pe monede și în miniaturi de carte. Modelele sale sunt în principal persoane nobile - conducători și membri ai familiilor lor, suită.
Treptat, portretul începe să pătrundă în pictura de șevalet. Unul dintre primele exemple de portret de șevalet al acestei perioade este „Portretul lui Ioan cel Bun”, al doilea rege al Franței.

Artist necunoscut. „Portretul lui Ioan cel Bun” (circa 1349)
În ceea ce privește genul portretului în Orient, situația de acolo era mai favorabilă: portretele supraviețuitoare datează din anul 1000 d.Hr., iar portretul chinezesc medieval se distinge în general printr-un mare specific.

Artist necunoscut. „Portretul călugărului budist Wuzhong Shifan” (1238)
Acest portret uimește nu numai prin capacitatea sa de a descrie trăsăturile individuale ale aspectului personajului, ci și prin capacitatea sa de a transmite lumea interioară a unei persoane, intelectul său.
Vechea cultura indiana peruana mochica(secolele I-VIII) a fost una dintre puținele civilizații antice din Lumea Nouă în care au existat portrete.

Dezvoltarea genului

Genul portretului a atins o deosebită înflorire în timpul Renașterii. Acest lucru este de înțeles: la urma urmei, ideologia epocii s-a schimbat - omul a devenit o persoană și măsura tuturor lucrurilor, așa că imaginea sa a primit o semnificație specială. Deși primele portrete încă repetau imagini cu monede și medalii antice (imagini de profil).

Piero della Francesca „Portretul ducelui Federigo Montefeltro” (1465-1466)
La începutul Renașterii, a existat o „mișcare de la profil în față”, care a indicat formarea genului portretului european. În plus, în acest moment a apărut tehnica picturii în ulei - portretul a devenit mai subtil și mai psihologic.
În arta portretului maeștrilor Înaltei Renașteri (Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Titian, Tintoretto), genul a primit o dezvoltare și mai mare. Imaginile portret exprimă în mod clar inteligența, demnitatea umană, un sentiment de libertate și armonie spirituală.
Cel mai faimos portret din lume din această perioadă este Mona Lisa a lui Leonardo da Vinci.

Leonardo da Vinci „Mona Lisa” (1503-1519). Luvru (Paris)
Portretisti germani celebri din aceasta perioada sunt A. Durer si Hans Holbein Jr.

Albrecht Durer „Autoportret” (1500)
În epoca manierismului (secolul al XVI-lea) au apărut forme de portrete de grup și istorice. Un renumit pictor portretist din acea vreme a fost artistul spaniol de origine greacă, El Greco.

El Greco „Apostolii Petru și Pavel” (1592). Muzeul Ermitaj de Stat (Sankt Petersburg)
În secolul al XVII-lea Cele mai înalte realizări în portrete aparțin Olandei. Viziunea asupra lumii a portretului din acea vreme era plină de un conținut diferit, în comparație cu Renașterea: viziunea asupra realității nu mai era armonioasă, lumea interioară a unei persoane devenea mai complicată. Are loc democratizarea portretului - acest lucru se observă mai ales în Olanda. Pe pânze apar oameni din diferite pături sociale și grupe de vârstă.

Rembrandt „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632)
Numărul de portrete comandate este în creștere. Artiștii (Diego Velazquez, Hals) încep să creeze portrete ale unor tipuri de oameni din oameni. Se dezvoltă forma autoportretului (Rembrandt, elevul său Carel Fabritius, Anthony van Dyck, Nicolas Poussin). Sunt create portrete de ceremonie, precum și portrete de familie.

Rembrandt „Saskia cu pălărie roșie” (1633-1634)
Cei mai mari portretiști flamanzi au fost Peter Paul Rubens și Anthony van Dyck, iar olandezii au fost Rembrandt și Franz Hals. Artistul spaniol al acelei perioade, Diego Velazquez, este considerat unul dintre cei mai mari portretisti din întreaga istorie a genului. Există un sentiment clar de artă și completitudine psihologică în portretele lui Velazquez.

D. Velazquez „Autoportret” (1656)
La începutul secolului al XVIII-lea. portretul ca gen este degradant. Acest lucru este valabil mai ales pentru portretele realiste. De ce s-a întâmplat asta?
Din ce în ce mai mult, portretele au început să fie pictate la comandă. Cine sunt clienții? Desigur, nu săracii. Aristocrații și burghezii au cerut un lucru de la artist: lingușirea. Prin urmare, portretele acestei epoci sunt de obicei stânjenitoare, lipsite de viață și teatrale. Portretele de ceremonie ale celor puternici devin standardul genului portretului - de unde și declinul acestuia.

G. Rigaud „Portretul lui Ludovic al XIV-lea” (1701)
Dar declinul genului nu a însemnat distrugerea lui completă. Epoca Iluminismului a contribuit la revenirea portretelor realiste și psihologice. Lucrările târzii ale lui Antoine Watteau, portretele de „gen” simple și sincere ale lui Chardin, portretele lui Fragonard și artistul englez W. Hogarth deschid o nouă pagină în genul portretului. În Spania, Goya începe să lucreze în acest gen. În Rusia au apărut pictori de talie mondială - D. Levitsky și V. Borovikovsky.
Miniaturale portretelor devin larg răspândite.

D. Evreinov „Portretul contelui A. S. Stroganov”. Smalț. 8,2 × 7 cm, oval. 1806. Schitul de stat (Sankt Petersburg)
Clasicismul, care a dominat în secolul al XIX-lea, a făcut portretul mai strict, pierzând din fastul și dulceața secolului al XVIII-lea.
Cel mai notabil fenomen din acest gen a fost artistul Jacques Louis David.

J. L. David „Napoleon la Pasul Saint Bernard” (1800)
Epoca romantismului a introdus o linie critică în portret. Spaniolul Goya este considerat un maestru remarcabil al acestei perioade, care a creat grupul „Portretul familiei lui Carol al IV-lea”. Această lucrare a fost comandată ca portret ceremonial, dar în cele din urmă a reflectat urâțenia dinastiei conducătoare.

F. Goya „Portretul familiei lui Carol al IV-lea”
Tehnica de pictură a acestui portret este excelentă, dar Goya a abandonat fundamental tot ceea ce a fost creat în portretul de grup ceremonial dinaintea lui. A desemnat reprezentanți Familia regală la rând, iar figurile corpulentului rege Carlos și ale urâtei sale soții Marie-Louise au devenit centrul.
Dat exact caracteristici psihologice fiecare personaj. Imaginile sunt autentice, scrise în pragul grotescului și caricaturii. Acesta este un adevărat portret al regalității. Romancierul francez Théophile Gautier a spus asta despre personajele principale din acest portret: seamănă cu „un brutar și soția lui care au primit un mare câștig la loterie”.
În portret nu există nici cea mai mică dorință de a înfrumuseța regina Marie-Louise. Și numai copiii din pictura lui Goya sunt frumoși - simpatia lui Goya pentru copii a rămas neschimbată.
Portretiştii ruşi Orest Kiprensky, Karl Bryullov, Vasily Tropinin s-au declarat cu voce tare. Există un articol separat despre ei.
Dintre maeștrii acestei perioade, J.O.D. ingr. Numele francezului Honore Daumier este asociat cu apariția primelor exemple semnificative de portrete satirice în grafică și sculptură.
De la mijlocul secolului al XIX-lea. apare un portret al realismului. Se caracterizează printr-un interes față de caracteristicile sociale ale persoanei descrise, caracteristicile psihologice. În Rusia, Peredvizhniki au descoperit noi posibilități în pictură, în special în portrete.

Ivan Kramskoy „Portretul artistului I.I. Shishkin" (1873)
Acest timp marchează nașterea fotografiei portretul fotografic devine un serios concurent al portretului pictural, dar în același timp îl încurajează să caute noi forme inaccesibile artei fotografice.
Impresioniștii au introdus un nou concept în genul portretului: o respingere a verosimilității maxime (pe care au lăsat-o în seama portretului fotografic), dar o accent pe variabilitatea aspectului unei persoane și a comportamentului său într-un mediu în schimbare.

K. Korovin „Portretul lui Chaliapin” (1911)
Paul Cezanne a căutat să exprime într-un portret unele proprietăți stabile ale modelului, iar Vincent van Gogh, printr-un portret, a încercat să reflecte problemele vieții morale și spirituale ale omului modern.
La sfârşitul secolului al XIX-lea şi începutul secolului al XX-lea. Stil Art Nouveau dominat în artă, portretul de atunci devine laconic și adesea grotesc (la Toulouse-Lautrec, Edvard Munch etc.).

Toulouse-Lautrec „Jeanne Avril” (1893)
În secolul al XX-lea portretul este din nou în declin. Pe baza modernismului, apar lucrări care sunt considerate nominal portret, dar lipsesc calitățile acestuia. Se îndepărtează în mod deliberat de aspectul real al modelului și îi reduc imaginea la convenție. Se crede că fotografia descrie acuratețea, iar artistul trebuie să arate originalitatea și unicitatea personajului reprezentat. Ei bine, ceva de genul acesta.

Juan Gris „Portretul lui Picasso” (1912)
Printre portretiştii din secolul XX care lucrează în genul portretului realist, se pot numi artiştii americani Robert Henry şi George Bellows, Renato Guttuso (Italia), Hans Erni (Elveţia), Diego Rivera şi Siqueiros (Mexic), etc. Dar interesul pentru portrete în 1940 -1950 în general scade, dar interesul pentru arta abstractă și non-figurativă crește.

Muzica preistorica

Preistoric, sau primitiv, este numele dat unei tradiții muzicale orale.

Termenul „preistoric” este de obicei aplicat tradiției muzicale a popoarelor antice europene, iar în legătură cu muzica reprezentanților altor continente, sunt folosiți alți termeni - folclor, tradițional, popular.

Primele sunete muzicale sunt imitația umană a vocilor animalelor și păsărilor în timpul vânătorii. Iar primul instrument muzical din istorie este vocea umană. Cu puterea corzilor vocale, o persoană putea deja să reproducă cu măiestrie sunete într-o gamă largă: de la cântecul păsărilor exotice și ciripitul insectelor până la vuietul unui animal sălbatic.

Primul instrument muzical preistoric, a cărui existență este confirmată oficial de arheologi, este flautul. În forma sa primitivă era un fluier. Fluierul a dobândit găuri pentru degete și a devenit un instrument muzical cu drepturi depline, care a fost îmbunătățit treptat până la forma unui flaut modern. Prototipurile flautului au fost descoperite în timpul săpăturilor din sud-vestul Germaniei, datând din perioada 35-40 de mii de ani î.Hr.

Muzica lumii antice

Epoca preistorică se încheie cu trecerea la o tradiție muzicală scrisă.

Cel mai vechi cântec cunoscut înregistrat pe o tăbliță cuneiformă a fost găsit în săpăturile de la Nippur, datând din anul 2000 î.Hr. e. Tableta a fost descifrată de profesorul A. D. Kilmer de la Universitatea din Berkeley și, de asemenea, s-a demonstrat că a fost compusă în treimi și a folosit scara lui Pitagora.

Trâmbițe duble, cum ar fi cele folosite, de exemplu, de grecii antici și cimpoiele antice, precum și o trecere în revistă a desenelor antice pe vaze și pereți și a scrierii antice (vezi, de exemplu, Problemele lui Aristotel, Cartea XIX.12) , care descrie tehnicile muzicale ale acelei vremuri se referă la polifonie. O pipă din aulos a oferit probabil fundalul, în timp ce cealaltă a jucat pasaje melodice. Instrumente precum flautul cu șapte găuri și tipuri diferite instrumente cu coarde au fost găsite în civilizația din Valea Indusului.

Mențiuni de muzică clasică indiană (marga) pot fi găsite în Vedele din scripturile sacre. Sama Veda, una dintre cele patru Vede, descrie muzica în detaliu. Istoria muzicii din Iran (Persia) datează din epoca preistorică. Marele rege legendar, Jamshid, este creditat cu inventarea muzicii. Muzica din Iran poate fi urmărită încă din zilele Imperiului Elamit (2500-644 î.Hr.). Documente fragmentare din diverse perioade ale istoriei țării arată că vechii perși aveau o cultură muzicală extinsă. Perioada sasanică (226-651 d.Hr.), în special, ne-a lăsat dovezi ample care indică prezența unei vieți muzicale vibrante în Persia. S-au păstrat numele unor muzicieni importanți, precum Barbod, Nakissa și Ramtin, precum și titlurile unora dintre lucrările lor.

Pe pereții piramidelor, în papirusuri antice, în colecțiile „Texte ale piramidelor” și „Cartea morților” există rânduri de imnuri religioase. „Pasiunea” și „misterul” se întâlnesc. Un complot popular a fost „pasiunea” lui Osiris, care a murit și a înviat în fiecare an, precum și cântecele de plângere ale femeilor pentru Osiris mort. Interpretarea cântecelor ar putea fi însoțită de scene dramatice.

Cele mai vechi instrumente muzicale ale egiptenilor erau harpa și flaut. În timpul Regatului Nou, egiptenii cântau la clopote, tamburine, tobe și lire importate din Asia. Oamenii bogați țineau recepții invitând muzicieni profesioniști.

Se crede că în Grecia Antică muzica a atins cea mai mare înflorire în cultură Lumea antica. Cuvântul „muzică” în sine este de origine greacă veche. În Grecia Antică, a fost observată pentru prima dată o legătură naturală între înălțime și număr, descoperirea căreia tradiția o atribuie lui Pitagora.

Creșterea orașelor, în care se țineau mari sărbători religioase și civile, a dus la dezvoltarea cântului coral cu acompaniamentul unui instrument de suflat. Împreună cu aulos a intrat în uz țeava metalică. Războaiele constante au stimulat dezvoltarea muzicii militare. În același timp, s-a dezvoltat și poezia lirică, care se cânta cu acompaniament de instrumente muzicale. Compozitori celebri includ Alcaeus, Archilochus și Safo.

Poetul și muzicianul Pindar a devenit un clasic al lirismului coral, autor de imnuri, ode de băutură și de victorie, remarcate printr-o varietate de forme, bogăție și ritmuri capricioase. Pe baza imnurilor lui Pindar s-au dezvoltat ditirambe, interpretate la festivalurile dionisiace (aproximativ 600 î.Hr.).

Muzica era parte integrantă spectacole de teatru. Tragedia a combinat drama, dansul și muzica. Autorii de tragedii - Eschil, Sofocle, Euripide, ca și poeții lirici greci antici, au fost și ei creatori de muzică. Pe măsură ce tragedia a progresat, părțile muzicale ale luminii și actorii au fost introduse în tragedie.

Euripide a limitat în lucrările sale introducerea părților corale, concentrându-se în principal pe părțile solo ale actorilor și luminilor, modelate după așa-numitul ditiramb nou, care se distingea printr-o mare individualizare, emotivitate și un caracter mobil, virtuos.

Creatorii stilului noului ditiramb au fost Philoxenus din Kythera și Timotei din Milet. Autorii comediilor antice grecești foloseau adesea citarele cu mai multe coarde pentru a însoți textele literare și au introdus melodii de cântece populare în spectacol.

Muzica din Evul Mediu

Muzica Evului Mediu este o perioadă de dezvoltare a culturii muzicale, acoperind o perioadă de timp cuprinsă între aproximativ secolele al V-lea până în secolele al XIV-lea d.Hr.

Europa

În Evul Mediu, în Europa a apărut un nou tip de cultură muzicală - feudală, care combină arta profesională, muzica amatoare și folclorul.

Întrucât biserica domină în toate domeniile vieții spirituale, la baza artei muzicale profesionale se află activitatea muzicienilor din biserici și mănăstiri.

Arta profesionistă seculară a fost reprezentată inițial doar de cântăreți care creau și interpretau povești epice la curte, în casele nobilimii, printre războinici etc. (barzi, scaldi etc.).

De-a lungul timpului, s-au dezvoltat forme amatoare și semi-profesionale de muzica cavalerească: în Franța - arta trubadurilor și trouvèrelor (Adam de la Halle, secolul XIII), în Germania - minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII), precum și artizanii urbani. În castele și orașe feudale se cultivă tot felul de cântece, genuri și forme de cântece (epopee, „zori”, rondo, le, virele, balade, canzones, laudas etc.).

Alții noi vin în viața de zi cu zi instrumente muzicale, inclusiv cei veniți din Orient (vioară, lăută etc.), se nasc ansambluri (de compoziție instabilă). Folclorul înflorește printre țărani. Există și „profesioniști populari”: povestitori, artiști sintetici ambulanți (jongleri, mimi, menestreli, shpilmans, bufoni).

Consolidarea, păstrarea și răspândirea tradițiilor și standardelor (dar și actualizarea treptată a acestora) a fost facilitată de trecerea de la neume, care indicau doar aproximativ natura mișcării melodice, la notația liniară (Guido d'Arezzo, secolul XI), care a făcut posibilă înregistrarea cu precizie a înălțimii tonurilor și apoi a duratei acestora.

În Europa de Vest din secolele VI-VII. A apărut un sistem strict reglementat de muzică bisericească cu o singură voce (monodic) bazat pe moduri diatonice (cântarea gregoriană), combinând recitarea (psalmodia) și cântarea (imnuri).

La cumpăna dintre mileniile I și II a început să apară polifonia. Se formează noi genuri vocale (coral) și vocal-instrumental (cor și orgă): organum, motet, conducere, apoi masă. În Franța, în secolul al XII-lea, s-a înființat prima școală de compozitori (creative) la Catedrala Notre Dame (Leonin, Perotin).

La cumpăna Renașterii (stil ars nova în Franța și Italia, secolul al XIV-lea) în muzica profesională, monofonia este înlocuită de polifonie, muzica începe să se elibereze treptat de funcțiile pur practice (slujba riturilor bisericești), importanța genurilor seculare. , inclusiv cântece, crește în ea (Guillaume de Masho).

Europa de Est și Asia

În Europa de Est și Transcaucazia (Armenia, Georgia) propriile culturi muzicale se dezvoltă cu sisteme independente de moduri, genuri și forme.

În Bizanț, Bulgaria, Rusia Kievană, iar mai târziu în Novgorod, a înflorit cântarea cult Znamenny (Znamenny chant), bazată pe un sistem de voci diatonice, limitate doar la genuri pur vocale (troparia, stichera, imnuri etc.) și folosind un sistem special. de notație (cârlige).

În același timp, în Orient (Califatul Arab, țările din Asia Centrală, Iran, India, China, Japonia) se forma o cultură muzicală feudală de tip aparte. Semnele sale sunt răspândirea pe scară largă a profesionalismului secular (atât curtenesc, cât și popular), dobândirea unui caracter virtuos, limitarea tradiției orale și a formelor monodice (melodie fără acompaniament), care ating totuși o înaltă sofisticare în ceea ce privește melodia și ritmul, creația. de sisteme naționale și internaționale foarte stabile de gândire muzicală care combină tipuri strict definite de moduri, genuri, intonație și structuri compoziționale (mughams, maqams, ragas etc.).

Muzica renascentista

Muzica Renașterii este o perioadă în dezvoltarea muzicii europene între aproximativ 1400 și 1600.

Muzica Renașterii (1534-1600)

În Veneția, din aproximativ 1534 până în jurul anului 1600, există o policorală impresionantă, cu un stil dezvoltat, care a oferit Europei unele dintre cele mai mari și mai sonore melodii de până atunci, cu mai multe coruri de cântăreți, alame și coarde în diferite locații spațiale din Bazilica San Marco Di Venezia (școala venețiană).

Școala Romană a fost un grup de compozitori de muzică bisericească în principal din Roma, care acoperă perioada Renașterii târzii și epocile barocului timpuriu. Cel mai faimos compozitor al școlilor romane a fost Giovanni Pierluigi da Palestrina, al cărui nume este asociat timp de patru sute de ani cu perfecțiunea netedă, clară, polifonică.

Madrigalul a atins o scurtă dar intensă înflorire muzicală în Anglia, în special din 1588 până în 1627, precum și compozitorii care l-au dat naștere. Madrigalele engleze sunt capella, predominant în lumină și stil și, în general, au început fie ca copii, fie ca traduceri directe ale modelelor italiene. Majoritatea au avut trei la șase voturi.

Musica reservata este un stil sau o practică a interpretării a capella a muzicii vocale, în principal în Italia și sudul Germaniei, incluzând rafinamentul și expresia emoțională intensă a textelor cântate.

În plus, mulți compozitori au demonstrat o divizare în lucrările lor între Prima Pratica (muzică în stil polifonic renascentist) și Seconda Pratica (muzică în stil nou) în prima jumătate a secolului al XVII-lea.

Muzica baroc

Muzica baroc este o perioadă în dezvoltarea muzicii clasice europene între aproximativ 1600 și 1750.

Muzica barocă a apărut la sfârșitul Renașterii și a precedat muzica epocii clasice.

Tehnicile de compunere și interpretare din perioada barocului au devenit o parte integrantă și semnificativă a canonului muzical clasic.

Concepte precum teoria muzicii, tonalitatea diatonica si contrapunctul imitativ au primit o dezvoltare puternica. Ornamentația muzicală a devenit foarte sofisticată, notația muzicală s-a schimbat foarte mult și s-au dezvoltat moduri de a cânta la instrumente. Sfera de aplicare a genurilor s-a extins, complexitatea interpretării operelor muzicale a crescut și a apărut un tip de compoziție precum opera. Număr mare termeni și concepte muzicale din epoca barocului sunt încă folosiți astăzi.

Epoca barocului a văzut nașterea unor astfel de lucrări strălucitoare precum fugile lui Johann Sebastian Bach, corul Aleluia din oratoriul Mesia de George Frideric Handel, Anotimpurile de Antonio Vivaldi și Serile de Claudio Monteverdi.

Crearea de către compozitorul italian Claudio Monteverdi (1567-1643) a stilului său recitativ și dezvoltarea consecventă a operei italiene pot fi considerate punctul convențional de tranziție între epocile baroc și renascentista. Începutul spectacolelor de operă la Roma și mai ales la Veneția a însemnat deja recunoașterea și răspândirea noului gen în toată țara.

Compozitorii Renașterii au acordat atenție elaborării fiecărei părți a unei opere muzicale, fără a acorda practic nicio atenție comparării acestor părți. Separat, fiecare parte putea suna excelent, dar rezultatul armonios al adăugării a fost mai mult o chestiune de șansă decât de regularitate.

Apariția basului figurat a indicat o schimbare semnificativă în gândirea muzicală - și anume, acea armonie, care este „adunarea părților într-un întreg”, a fost la fel de importantă ca și părțile melodice ale polifoniei în sine. Din ce în ce mai mult, polifonia și armonia păreau două părți ale aceleiași idei de compunere a muzicii eufonice: în compunere, secvențelor armonice li s-a acordat aceeași atenție ca și tritonurile în crearea disonanței.

Italia devine centrul unui nou stil. Papalitatea, deși prinsă în lupta împotriva Reformei, dar deținând totuși resurse financiare enorme alimentate de campaniile militare ale habsburgilor, a căutat oportunități de răspândire a credinței catolice prin extinderea influenței culturale.

Unul dintre centrele importante ale artei muzicale a fost Veneția, care la acea vreme se afla sub patronaj atât laic, cât și bisericesc.

baroc timpuriu

O figură semnificativă a perioadei barocului timpuriu, a cărei poziție era de partea catolicismului, opunându-se influenței ideologice, culturale și sociale tot mai mari a protestantismului, a fost Giovanni Gabrieli. Lucrările sale aparțin stilului „Înalta Renaștere” (perioada de glorie a Renașterii). Cu toate acestea, unele dintre inovațiile sale în domeniul instrumentației (atribuirea unor sarcini proprii, specifice unui anumit instrument) indică în mod clar că el a fost unul dintre compozitorii care au influențat apariția unui nou stil.

Una dintre cerințele impuse de biserică asupra compoziției muzicii sacre a fost ca textele din lucrările cu voce să fie lizibile. Acest lucru a necesitat o îndepărtare de la polifonie la tehnici muzicale în care cuvintele au ieșit în prim-plan. Vocea a devenit mai complexă și mai plină de flori în comparație cu acompaniamentul. Așa s-a dezvoltat homofonia.

Monteverdi a devenit cel mai proeminent dintr-o generație de compozitori care au simțit semnificația acestor schimbări pentru muzica seculară. În 1607, opera sa Orfeu a devenit un reper în istoria muzicii, demonstrând multe dintre tehnicile care mai târziu au devenit asociate cu noua școală de compoziție numită seconda pratica, spre deosebire de vechea școală sau prima pratica. Monteverdi, care a compus motete de înaltă calitate în stil vechi, care au fost o dezvoltare a ideilor lui Luca Marenzio și Giaches de Wert, a fost un maestru al ambelor școli. Dar lucrările pe care le-a scris în noul stil au fost cele care au descoperit multe tehnici care erau recunoscute chiar și în epoca barocului târziu.

Compozitorul german Heinrich Schütz (1585-1672), care a studiat la Veneția, a adus o mare contribuție la răspândirea noilor tehnici. A folosit tehnici noi în lucrările sale în timp ce era director de cor la Dresda.

Muzica barocului matur (1654-1707)

Barocul matur se deosebește de barocul timpuriu prin răspândirea pe scară largă a noului stil și separarea crescută a formelor muzicale, în special în operă. Ca și în literatură, capacitatea de a transmite în flux opere muzicale a dus la un public extins; schimburile între centrele culturii muzicale s-au intensificat.

În teoria muzicii, barocul matur este definit de concentrarea compozitorilor pe armonie și încercările de a crea sisteme coerente de instruire muzicală. În anii următori, acest lucru a dus la apariția multor lucrări teoretice. Un exemplu remarcabil al unei astfel de activități este lucrarea din perioada barocului târziu - „Gradus ad Parnassum” (în rusă: Pași către Parnas), publicată în 1725 de Johann Joseph Fux (1660-1741), un teoretician și compozitor austriac. Această lucrare a sistematizat teoria contrapunctului, aproape până la punctul de sfârşitul XIX-lea secolul a fost cel mai important instrument pentru studiul contrapunctului.

Un reprezentant remarcabil al compozitorilor curții curții lui Ludovic al XIV-lea a fost Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Deja la vârsta de 21 de ani, a primit titlul de „compozitor de curte de muzică instrumentală”. Munca creativa Lully a fost strâns legată de teatru încă de la început. În urma organizării muzicii de cameră de curte și a compoziției „airs de cour”, a început să scrie muzică de balet. Însuși Ludovic al XIV-lea a dansat în balete, care erau atunci distracția preferată a nobilimii de curte. Lully a fost un dansator excelent. A avut ocazia să participe la producții, dansând cu regele. Este cunoscut pentru colaborarea cu Moliere, pentru ale cărui piese a scris muzică. Dar principalul lucru în opera lui Lully a fost încă să scrie opere. În mod surprinzător, Lully a creat un tip complet de operă franceză; așa-numita tragedie lirică din Franța (franceză tragedie lyrique) și a atins o maturitate creativă incontestabilă chiar în primii ani de activitate la operă. Un element integral al lucrării sale a fost atenția acordată armoniei și instrumentului solo.

Compozitorul și violonistul Arcangelo Corelli (1653-1713) este renumit pentru munca sa privind dezvoltarea genului concerto grosso. Corelli a fost unul dintre primii compozitori care au publicat și interpretat lucrările sale în toată Europa. La fel ca operele de operă ale lui Lully, genul concerto grosso este construit pe contraste puternice; instrumentele sunt împărțite în cele care participă la sunetul unei orchestre complete și într-un grup mai mic solo. Muzica este construită pe tranziții ascuțite de la părți cu sunet tare la cele liniștite, pasajele rapide sunt în contrast cu cele lente. Printre adepții săi s-a numărat Antonio Vivaldi, care mai târziu a compus sute de lucrări bazate pe formele preferate ale lui Corelli: sonate și concerte în trio.

În Anglia, barocul matur a fost marcat de geniul strălucit al lui Henry Purcell (1659-1695). A murit tânăr, la vârsta de 36 de ani, după ce a scris un număr mare de lucrări și a devenit cunoscut pe scară largă în timpul vieții. Purcell a lucrat într-o gamă largă de genuri; de la imnuri religioase simple la muzică de marș, de la lucrări vocale de mare format la muzică montată. Catalogul său conține peste 800 de lucrări. Purcell a devenit unul dintre primii compozitori de muzică pentru claviatură, a cărui influență se extinde în timpurile moderne.

Spre deosebire de compozitorii menționați mai sus, Dietrich Buxtehude (1637-1707) nu a fost compozitor de curte. Buxtehude a lucrat ca organist, mai întâi la Helsingborg (1657-1658), apoi la Elsinore (1660-1668), iar apoi, începând din 1668, în biserica Sf. Maria în Lubeck. A făcut bani nu publicându-și lucrările, ci interpretându-le și a preferat să compună muzică textelor bisericești și să-și interpreteze propriile lucrări pentru orgă în detrimentul patronajului nobilimii. Din păcate, nu toate lucrările acestui compozitor au supraviețuit. Muzica lui Buxtehude este construită în mare măsură pe scara ideilor sale, bogăția și libertatea imaginației, o înclinație pentru patos, dramă și o intonație oarecum oratorică. Opera sa a avut o influență puternică asupra compozitorilor precum J. S. Bach și Telemann.

Muzică baroc târziu (1707-1760)

Linia precisă dintre barocul matur și cel târziu este o chestiune de dezbatere; se află undeva între 1680 și 1720.

O etapă importantă poate fi considerată primatul aproape absolut al tonalității ca principiu structurant al compunerii muzicii. Acest lucru este vizibil în special în lucrările teoretice ale lui Jean Philippe Rameau, care i-a luat locul lui Lully ca principal compozitor francez. În același timp, odată cu apariția lucrărilor lui Fuchs, polifonia renascentist a oferit baza studiului contrapunctului. Combinația contrapunctului modal cu logica tonale a cadențelor a creat senzația că în muzică există două stiluri de compunere - homofonic și polifonic, cu tehnici de imitație și contrapunct.

Formele descoperite de perioada anterioară au ajuns la maturitate și o mare variabilitate; concert, suită, sonată, concerto grosso, oratoriu, operă și balet nu mai aveau caracteristici naționale clar definite. Tiparele general acceptate de lucrări sunt stabilite peste tot: forma repetată în două părți (AABB), forma simplă în trei părți (ABC) și rondo-ul.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - compozitor italian, născut la Veneția. În 1703 a fost hirotonit preot catolic. La 1 decembrie a aceluiași an, a devenit maestru de vioară la orfelinatul venețian „Pio Ospedale della Pieta” pentru fete. Faima lui Vivaldi nu a venit din concertele sau conexiunile la curte, ci din publicarea lucrărilor sale, care au inclus sonatele sale în trio, sonate pentru vioară și concerte. Au fost publicate la Amsterdam și distribuite pe scară largă în toată Europa. Vivaldi și-a adus contribuția cea mai semnificativă acestor genuri instrumentale (sonata barocă și concertul baroc). Muzica lui Vivaldi este caracterizată de anumite tehnici: o formă ciclică în trei părți pentru concerto grosso și utilizarea ritornello în mișcări rapide. Vivaldi a compus peste 500 de concerte. De asemenea, a dat titluri programatice unora dintre lucrările sale, precum celebrele „Anotimpuri”. Cariera lui Vivaldi arată o oportunitate sporită pentru compozitor de a exista independent: din veniturile din activitățile de concert și din publicarea operelor sale.

Domenico Scarlatti (1685-1757) a fost unul dintre cei mai importanți compozitori de claviaturi și interpreți ai timpului său. Și-a început cariera ca compozitor de curte; mai întâi în Portugalia, iar din 1733 la Madrid, unde și-a petrecut restul vieții. Tatăl său Alessandro Scarlatti este considerat fondatorul școlii de operă napolitană. Domenico a compus și opere și muzică bisericească, dar faima sa (după moartea sa) a fost asigurată de lucrările sale pentru clape. El a scris unele dintre aceste lucrări pentru propria lui plăcere, iar altele pentru nobilii săi clienți.

Dar poate cel mai faimos compozitor de curte a fost George Frideric Handel (1685-1759). S-a născut în Germania, a studiat trei ani în Italia, dar în 1711 a părăsit Londra, unde și-a început cariera strălucită și de succes comercial ca compozitor independent de operă, onorând comenzi pentru nobilime. Deținând o energie neobosită, Händel a reproiectat materialul altor compozitori și și-a reproiectat constant propriile compoziții. De exemplu, el este cunoscut pentru reelaborarea celebrului oratoriu „Mesia” de atâtea ori, încât acum nu există nicio versiune care să poată fi numită „autentică”. Deși averea sa financiară a crescut și a scăzut, faima sa a crescut din lucrările publicate pentru clape, muzică de ceremonie, opere, concerte grossos și oratorie. După moartea sa, a fost recunoscut ca un compozitor european de top și a fost studiat de muzicieni din epoca clasică. Händel a amestecat tradițiile bogate ale improvizației și contrapunctului în muzica sa. Arta decorului muzical a atins un nivel foarte înalt de dezvoltare în lucrările sale. A călătorit prin toată Europa pentru a studia muzica altor compozitori și, prin urmare, a avut un cerc foarte larg de cunoștințe printre compozitorii de alte stiluri.

Dintre compozitorii Franței se remarcă Otteter, autorul celebrului tratat despre cântatul la flaut (1707), al unui tratat de improvizație (1719) și al unui manual pentru cântatul muzetei (1737), excelent flautist. Cele mai faimoase lucrări ale lui Otteter sunt suitele pentru flaut și bas, piese pentru flaut solo și două flaute, sonate în trio

În 1802, Johann Nikolai Forkel a publicat prima cea mai completă biografie a lui Johann Sebastian Bach. În 1829, Felix Mendelssohn a interpretat la Berlin Pasiunea Sfântului Matei a lui Bach. Succesul acestui concert a stârnit un interes enorm pentru muzica lui Bach în Germania, apoi în toată Europa.

Johann Sebastian Bach s-a născut la 21 martie 1685 la Eisenach, Germania. De-a lungul vieții, a compus peste 1.000 de lucrări din diverse genuri, cu excepția operei. Dar în timpul vieții sale nu a obținut niciun succes semnificativ. Mișcându-se de multe ori, Bach a înlocuit o poziție nu foarte înaltă după alta: la Weimar a fost muzician de curte pentru ducele Johann Ernst din Weimar, apoi a devenit îngrijitor al orgii din Biserica Sf. Bonifaciu din Arnstadt, câțiva ani mai târziu a acceptat funcția de organist în Biserica Sf. Blasius la Mühlhausen, unde a lucrat doar aproximativ un an, după care s-a întors la Weimar, unde a luat locul de organist de curte și organizator de concerte. El a rămas în această funcție timp de nouă ani. În 1717, Leopold, Ducele de Anhalt-Köthen, l-a angajat pe Bach ca director de trupă, iar Bach a început să trăiască și să lucreze în Köthen. În 1723, Bach s-a mutat la Leipzig, unde a rămas până la moartea sa în 1750. ÎN anul trecutÎn timpul vieții și morții lui Bach, faima sa de compozitor a început să scadă: stilul său a fost considerat demodat în comparație cu clasicismul înfloritor. Era mai cunoscut și amintit ca interpret, profesor și tată al celor mai tineri Bach, în special al lui Carl Philipp Emmanuel, a cărui muzică era mai faimoasă.

Doar interpretarea Patimilor Sf. Matei de Mendelssohn, la 79 de ani de la moartea lui J. S. Bach, a trezit interesul pentru opera sa. Acum, J. S. Bach este unul dintre cei mai populari compozitori ai tuturor timpurilor (de exemplu, la votul „Cel mai bun compozitor al mileniului” efectuat pe Cultureciosque.com, Bach a ocupat primul loc).

Alți compozitori de seamă ai barocului târziu: Georg Philipp Telemann (1681-1767) și Jean Philippe Rameau (1683-1764).

Muzica din perioada clasica

Muzica perioadei clasice - o perioadă în dezvoltarea muzicii europene aproximativ între 1730 și 1820

Conceptul de clasicism în muzică este ferm asociat cu opera lui Haydn, Mozart și Beethoven, numiți clasicii vienezi și care au determinat direcția. dezvoltare ulterioară compoziție muzicală.

În această perioadă s-a format în cele din urmă forma sonată, bazată pe dezvoltarea și opoziția a două teme contrastante, și a fost determinată compoziția clasică a mișcărilor sonatei și simfonice.

În perioada clasicismului, a apărut un cvartet de coarde format din două viori, o violă și un violoncel, iar compoziția orchestrei s-a extins semnificativ.

Romantism

Romantismul - perioada de dezvoltare a muzicii din 1820 până la începutul secolului al XX-lea

Romantismul este o mișcare ideologică și artistică în cultura europeană și americană de la sfârșitul secolului al XVIII-lea - prima jumătate a secolului al XIX-lea.

În muzică, romantismul a apărut în anii 1820. și și-a păstrat importanța până la începutul secolului al XX-lea. Principiul de conducere al romantismului este contrastul puternic dintre viața de zi cu zi și vise, existența de zi cu zi și cea mai înaltă lume ideală creată de imaginația creativă a artistului.

Inițial, romantismul a acționat ca un oponent principial al clasicismului. Arta Evului Mediu, îndepărtată ţări exotice. Romantismul a descoperit comorile artei populare - cântece, basme, legende. Totuși, opoziția dintre romantism și clasicism este încă relativă, deoarece romanticii au adoptat și dezvoltat în continuare realizările clasicilor. Mulți compozitori au fost foarte influențați de opera ultimului clasic vienez - L. Beethoven.

Principiile romantismului au fost afirmate de compozitori remarcabili tari diferite. Aceștia sunt K. M. Weber, G. Berlioz, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin, F. Schubert F. Liszt. R. Wagner G. Verdi

Pentru un muzician romantic, procesul este mai important decât rezultatul, mai important decât realizarea. Pe de o parte, ei gravitează spre miniaturi, pe care adesea le includ într-un ciclu de alte piese de teatru, de obicei diferite; pe de altă parte, ele afirmă compoziții libere, în spiritul poemelor romantice. Romanticii au fost cei care au dezvoltat un nou gen - poemul simfonic. Contribuția compozitorilor romantici la dezvoltarea simfoniei, operei și baletului a fost extrem de mare.

Printre compozitorii din a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, în a căror opera tradițiile romantice au contribuit la stabilirea ideilor umaniste, se numără J. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, E. Grieg, B. . Smetana, A. Dvorak și alții

În Rusia, aproape toți marii maeștri ai muzicii clasice rusești au adus un omagiu romantismului. Rolul viziunii romantice asupra lumii în lucrările fondatorului clasicilor muzicali ruși M.I Glinka, în special în opera sa „Ruslan și Lyudmila”, este grozav.

În opera marilor săi urmași, cu o orientare generală realistă, rolul motivelor romantice a fost semnificativ. Ele s-au reflectat într-o serie de opere de basm și fantastice ale lui N. A. Rimsky-Korsakov, în poemele simfonice ale lui P. I. Ceaikovski și compozitorii „Mighty Handful”.

Elementul romantic pătrunde în lucrările lui A. N. Scriabin și S. V. Rahmaninov.

muzica secolului XX

Muzica secolului al XX-lea este o desemnare generală pentru un grup de mișcări în artă de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul lui. al XX-lea, în special modernismul, care stă sub deviza modernității și inovației. Aceste mișcări includ și expresionismul, constructivismul, neoclasicismul, precum și dodecafonia, muzica electronică etc.

Modernism

Muzica în perioada 1910-1960.

Secolul XX este un moment în care tehnologia a schimbat lumea. Muzica ca parte integrantă viata umana a suferit și schimbări globale. Compozitorii au răsturnat multe dintre regulile muzicale din trecut și au găsit teme noi, îndrăznețe și noi moduri de a le exprima.

Una dintre figurile semnificative care au schimbat muzica în prima jumătate a secolului a fost Arnold Schoenberg - un compozitor, dirijor și muzicolog austriac, apoi american. Grupul de muzicieni pe care l-a condus a decis că muzica tonală (construcția logică a acordurilor proporționale) s-a epuizat și au propus așa-numita muzică atonală și un sistem de compoziție în 12 tonuri (cunoscut sub numele de „dodecafonie” sau „tehnică în serie”). O astfel de muzică a încetat să fie melodică și armonioasă, nu toți compozitorii și-au acceptat ideile.

Expresionism

Expresionismul – format în deceniul I al secolului XX

Expresionismul în muzică s-a format în deceniul I al secolului XX; o serie de elemente ale sale au apărut în ultimele lucrări ale lui G. Mahler („Cântecul pământului”, 1908; a 9-a, 1909 și simfonia a 10-a neterminată) și opere. R. Strauss („Salome”, 1905; „Electra”, 1908).

Cu toate acestea, într-o măsură mai mare este asociată cu opera așa-numiților compozitori. noua școală vieneză - A. Schoenberg (șeful școlii), A. Berg și A. Webern. Schoenberg, care și-a început cariera cu lucrări apropiate de romantismul târziu, a ajuns să respingă idealurile romantice, care au fost înlocuite cu stări de anxietate inexplicabilă, frică de realitate, pesimism și scepticism.

Compozitorii acestei mișcări au dezvoltat o serie de mijloace speciale de exprimare muzicală; au abandonat melodia largă melodioasă și fundamentele tonale clare; principiul atonalității a contribuit la exprimarea stărilor mentale instabile și a anxietății vagi inexplicabile.

Multe lucrări se disting prin laconism, dând doar indicii de imagine sau experiență emoțională (în ciclul lui Webern „5 piese pentru orchestră”, 1910, unele părți durează mai puțin de 1 minut)

Lucrările scrise în tehnica dodecafonică se bazează pe diverse tipuri de repetări ale așa-numitelor. serie, care este, conform reprezentanților acestei școli, dezvoltarea principiilor muzicii formative ale barocului și clasicismului timpuriu. Unul dintre exemplele tipice timpurii este monodrama lui Schoenberg „Așteptarea” (1909).

În opera lui Webern, E. renaște într-o formațiune stilistică diferită, unde domină principiul constructiv abstract-raționalist. Prin urmare, Webern a fost cel care a fost recunoscut drept fondatorul avangardismului muzical de după război.

Muzica atonală (greacă a - particulă negativă; literalmente - muzică extratonală), concept care se referă la muzica care nu are o organizare tonală a sunetelor. A apărut la începutul anilor 1900. și a fost asociat cu opera compozitorilor noii școli vieneze (A. Schoenberg, A. Berg, A. Webern). Caracteristica principală a lui A. m este absența unei relații unificatoare de tonuri cu centrul principal al modului - tonic. De aici natura amorfă a vorbirii muzicale, dezintegrarea funcțiilor structurale ale armoniei, nivelul disonant al sunetului etc.

În 1922, Schoenberg a inventat o metodă de compoziție „cu 12 tonuri corelate doar între ele” (numită mai târziu dodecafonie), a cărei sarcină era să introducă ordine strictă în anarhia muzicii. A. m. stă la baza multor sisteme de compoziție incluse în arsenalul artei de avangardă. Principiile estetice ale artei sunt strâns legate de expresionism. Metoda, tehnicile și elementele compoziției muzicale se găsesc printre compozitorii diferitelor mișcări (C. Ive, B. Britten, B. Bartok, A. Honegger și alții).

Constructivismul

Constructivismul își găsește expresia în combinarea consonanțelor rigide, puternic disonante, a figurilor ritmice sincopate, rupte. Muzica constructivistă folosește adesea sunete de jazz. În ciuda controverselor care a izbucnit în jurul acestei tendințe, constructivismul, ca stil, este viu până în zilele noastre și se bucură de un respect binemeritat. O mișcare extremă în arta secolului al XX-lea, care a primit o dezvoltare deosebit de răspândită după primul război mondial.

Constructivismul este marcat de cultul mașinii, depersonalizează o persoană, slăbește sau neagă complet conținutul ideologic și emoțional al artei. Când este aplicat muzicii, reduce creativitatea la „construcția” formelor sonore, combinarea diferitelor elemente muzicale.

Neoclasicismul

Neoclasicismul este o mișcare în creativitatea muzicală a secolului al XX-lea, străduindu-se să revigoreze imaginile artistice, formele și tehnicile stilistice ale muzicii din perioada clasică, care include în acest caz diverse școli de muzică din secolul al XVIII-lea. și secolele anterioare.

Neoclasicismul în muzică a fost o tendință din secolul XX, deosebit de relevantă în perioada dintre cele două războaie mondiale, în timpul căreia compozitorii au căutat să revină la preceptele estetice asociate conceptului larg definit de „clasicism”, și anume ordine, echilibru, claritate, economie. , și reținere emoțională.

Ca atare, neoclasicismul a fost o reacție împotriva emoționalismului neîngrădit și a simțit lipsa de formă a romantismului târziu, precum și o „chemare la ordine” după fermentul experimental din primele două decenii ale secolului XX.

În formă și tehnică tematică, muzica neoclasică s-a inspirat adesea din muzica secolului al XVIII-lea, deși canonul inspirator a aparținut atât de des barocului și chiar perioadelor anterioare în raport cu perioada clasică, din acest motiv muzica care se inspiră în mod specific din baroc este numit uneori neo-baroc .

Neoclasicismul a avut două linii naționale distincte de dezvoltare, limba franceza(originea influenței lui Erik Satie, și reprezentată de Igor Stravinsky) și limba germana(originea „Noului obiectivism” al lui Ferruccio Busoni, și reprezentat de Paul Hindemith.) Neoclasicismul a fost o tendință estetică, nu o mișcare organizată; Chiar și mulți compozitori nu se gândesc de obicei la modul în care „neoclasicii” au absorbit elemente ale stilului.

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Utilizați formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

Postat pe http://www.allbest.ru

Termenul „gen” a apărut în estetica clasicismului francez la mijlocul secolului al XVII-lea, deși autodeterminarea genului a existat mult mai devreme. În secolul al XVI-lea teoreticienii artei academice au împărțit-o în genuri „înalte” și „scăzute”, în funcție de subiectul imaginii, temei și intrigii. Această diviziune a fost consolidată în practica academiilor de artă europene din secolele XVII-XIX.

În pictură, genurile istorice (eroice) și mitologice erau considerate „înalte”, în timp ce „scăderea” erau portretele (cu excepția ceremonialelor, ceremoniale și statuii), peisajele și natura moartă. În literatură a existat un contrast între tragedie și comedie. Biserica, la rândul ei, a canonizat iconografia picturii icoanelor, picturii de altar și sculpturii, precum și picturile pe subiecte biblice.

Categoria genului literar este o categorie istorică. Genurile literare apar doar la o anumită etapă în dezvoltarea artei cuvintelor și apoi se schimbă constant și sunt înlocuite. Ideea este nu numai că unele genuri vin să le înlocuiască pe altele și niciun gen nu este „etern” pentru literatură, ci și că înseși principiile identificării genurilor individuale se schimbă, tipurile și natura genurilor, funcțiile lor într-o epocă sau alta.

Împărțirea modernă în genuri, bazată pe caracteristici pur literare, apare relativ târziu. Pentru literatura rusă, principiile pur literare de identificare a genurilor au intrat în vigoare mai ales în secolul al XVII-lea. Până în acest moment, genurile literare, într-o măsură sau alta, au purtat, pe lângă funcții literare, și funcții extraliterare. Genurile literare sunt grupuri de lucrări distinse în cadrul genurilor literare. Fiecare dintre ele are un anumit set de proprietăți stabile. Multe genuri literare își au originile și rădăcinile în folclor.

Genurile sunt greu de sistematizat și clasificat (spre deosebire de tipurile de literatură) și le rezistă cu încăpățânare. În primul rând, pentru că sunt foarte multe: fiecare cultură artistică are genuri specifice. În plus, genurile au o sferă istorică diferită. Unele există de-a lungul întregii istorii a artei verbale (cum ar fi, de exemplu, fabula veșnic vie de la Esop la S.V. Mikhalkov); altele sunt corelate cu anumite epoci. Imaginea este și mai complicată de faptul că același cuvânt denotă adesea fenomene de gen profund diferite.

Cuvântul „elegie” denotă mai multe formațiuni de gen. Elegiile epocilor și culturilor timpurii au diferite caracteristici. Ce este elegia ca atare și care este unicitatea ei supra-epocală este imposibil de spus în principiu. Singura definiție corectă a elegiei „în general” este ca „gen de poezie lirică”.

Multe alte denumiri de gen (poezie, roman, satira etc.) au o natură similară.

Denumirile de gen existente surprind diverse aspecte ale operelor.

Astfel, cuvântul „tragedie” afirmă implicarea acestui grup de opere dramatice într-o anumită dispoziție emoțională și semantică (pathos); cuvântul „poveste” indică faptul că operele aparțin genului epic al literaturii și volumul „mediu” al textului (mai mic decât cel al romanelor și mai mare decât cel al nuvelelor și al povestirilor); Sonetul este un gen liric, care se caracterizează, în primul rând, printr-un volum strict definit (14 versuri) și un sistem specific de rimă etc. Autorii desemnează adesea genul operelor lor în mod arbitrar, fără a se conforma utilizării obișnuite a cuvintelor. Deci, N.V. Gogol a sunat „ Suflete moarte„poemul; „House by the Road” de A.T. Tvardovsky are subtitlul „cronică lirică”, „Vasili Terkin” – „o carte despre un luptător”.

Desigur, nu este ușor pentru teoreticienii literari să navigheze în procesele de evoluție a genurilor și în „diversitatea” nesfârșită a denumirilor de gen. Cu toate acestea, critica literară a secolului nostru a conturat în mod repetat, și într-o oarecare măsură a realizat, dezvoltarea conceptului de „gen literar” nu numai sub aspectul concret, istoric și literar (studii ale formațiunilor individuale de gen), ci și în teoretic în sine.

Luarea în considerare a genurilor este de neimaginat fără referire la organizare, structură, formă opere literare. Teoreticienii școlii formale au vorbit cu insistență despre acest lucru. Fundamentală în abordarea formaliștilor ruși de o operă de artă (în primul rând poetică) a fost afirmația că este forma care face poezia poezie, determinând specificul acesteia din urmă.

Moștenind tradițiile școlii formale și, în același timp, revizuind unele dintre prevederile acesteia, oamenii de știință au acordat o atenție deosebită laturii semantice a genurilor, folosind termenii „esență de gen” și „conținut de gen”. Palma de aici îi aparține lui M.M. Bakhtin, care a spus că forma genului este indisolubil legată de temele lucrărilor și de trăsăturile viziunii asupra lumii a autorilor lor.

Subliniind că proprietățile de gen ale operelor constituie o unitate indisolubilă, Bakhtin a făcut, în același timp, distincția între aspectele formale (structurale) și cele substanțiale efective ale genului. El a observat că astfel de nume de gen înrădăcinate în antichitate ca epic, tragedie, idilă, care au caracterizat structura operelor, au fost ulterior, atunci când sunt aplicate literaturii moderne, „folosite ca denumire a esenței genului.

În aceeași ordine de idei este și conceptul de genuri literare de G.N. Pospelov, care în anii 1940 a întreprins un experiment original de sistematizare a fenomenelor de gen. El a făcut distincția între formele de gen „externe” („un întreg compozițional și stilistic închis”) și „interne” („conținut specific de gen” ca principiu al „gândirii imaginative” și al „interpretarii cognitive a personajelor”). Considerând formele de gen externe (compoziționale și stilistice) ca fiind neutre din punct de vedere al conținutului (în acest sens, conceptul de gen al lui Pospelov, așa cum s-a menționat în mod repetat, este unilateral și vulnerabil), omul de știință s-a concentrat pe partea internă a genurilor. El a identificat și caracterizat trei grupuri de gen supraepocale, bazându-le diferențierea pe un principiu sociologic: tipul de relație dintre o persoană înțeleasă artistic și societate, mediul social în sens larg.

Alături de epopeele, epopeile și odele despre care N.G. Pospelov a vorbit despre lucrări cu conținut de gen național-istoric, omul de știință a evidențiat alta: mitologică, care conține „explicații populare figurative și fantastice ale originii anumitor fenomene naturale și culturale”. El a atribuit aceste genuri doar „pre-artei” societăților „păgâne” timpurii din punct de vedere istoric, crezând că „grupul mitologic de genuri, în timpul tranziției popoarelor la niveluri superioare ale vieții sociale, nu a primit dezvoltarea ulterioară”.

Caracteristicile grupurilor de gen date de G.N. Pospelov, are avantajul unei abordări sistematice clare. Cu toate acestea, este incomplet. Acum că interdicția de a discuta problemele religioase și filosofice ale artei a fost ridicată din critica literară rusă, nu este dificil pentru oamenii de știință să adauge la ceea ce s-a spus că există și este profund semnificativ un grup de genuri literare și artistice, în care un persoana se referă nu atât la viața societății, ci la principiile cosmice, legile universale ordinea mondială și forțele superioare ale existenței. Acestea sunt versuri pilde, viață, mister, religioase și filozofice.

Genurile numite, care nu se încadrează în nicio construcție sociologică, pot fi pe bună dreptate definite ca ontologice (ontologia este doctrina ființei).

Originile genurilor pe care le-am numit ontologice sunt arhaice mitologice și, mai presus de toate, mituri despre crearea lumii, numite etiologice (sau cosmologice).

Aspectul ontologic al genurilor iese în prim-plan într-o serie de teorii străine ale secolului al XX-lea. Baza de conținut (semantică) a genurilor literare, după cum se poate observa, atrage atenția cea mai apropiată a oamenilor de știință din secolul al XX-lea. Și este interpretat diferit.

Romanul a fost recunoscut ca genul principal de literatură în ultimele secole. Spre deosebire de epopeea clasică, romanul se concentrează pe înfățișarea prezentului istoric și a destinelor indivizilor, oameni normali, căutându-și pe ei înșiși și scopul lor într-o lume „prozaică” care și-a pierdut stabilitatea, integritatea și sacralitatea pură (poezie). Chiar dacă într-un roman acțiunea este transferată în trecut, acest trecut este întotdeauna evaluat și perceput ca fiind imediat anterior prezentului și corelat cu prezentul.

Romanul (după Bakhtin) este capabil să dezvăluie unei persoane nu numai proprietățile determinate în comportament, ci și posibilități nerealizate, un anumit potențial personal: „Una dintre principalele teme interne ale romanului este tocmai tema inadecvării soarta eroului și poziția sa”, o persoană de aici poate fi „sau mai mult din destinul tău, sau mai puțin din umanitatea ta”.

Temeiul formării și consolidării romanului apare atunci când există interes pentru o persoană care are cel puțin o relativă independență față de stabilirea mediului social cu imperativele, riturile și ritualurile sale, care nu se caracterizează prin includerea „turmă” în societate. Înstrăinarea unei persoane de societate și ordinea mondială a fost interpretată de M.M. Bakhtin ca în mod necesar dominant în roman.

În romanismul clasic al secolului al XIX-lea. Încrederea eroului pe sine însuși a fost prezentată cel mai adesea într-o lumină dublă: pe de o parte, ca o „valoare de sine” demnă de o persoană, sublim, atractiv, fermecător, pe de altă parte, ca o sursă de iluzii și înfrângeri în viaţă. În același timp, multe personaje romane se străduiesc să-și depășească singurătatea și alienarea.

În istoria veche de secole a romanului, două tipuri de el sunt clar vizibile, mai mult sau mai puțin corespunzătoare două etape de dezvoltare literară. Este vorba, în primul rând, de lucrări de evenimente acute, bazate pe acțiune externă, ai căror eroi se străduiesc să atingă unele obiective locale. Acestea sunt romane de aventură, în special romane picaresce, cavalerești, „romane de carieră”, precum și povești de aventură și polițiști.

În al doilea rând, acestea sunt romane care au predominat în literatura din ultimele două-trei secole, când una dintre problemele centrale ale gândirii sociale, ale creativității artistice și ale culturii în general a devenit independența spirituală a omului. Aici acțiunea internă concurează cu succes cu acțiunea externă: evenimentele sunt slăbite vizibil, iar conștiința eroului în diversitatea și complexitatea sa, cu dinamica sa nesfârșită și nuanțele psihologice, iese în prim-plan.

Una dintre cele mai importante trăsături ale romanului și ale poveștilor conexe (în special în secolele XIX-XX) este atenția deosebită a autorilor față de micromediul din jurul eroilor. În afara recreării micromediului, este foarte dificil pentru un romancier să arate lumea interioară a unei persoane.

Romanele, axate pe legăturile unei persoane cu o realitate apropiată lui și, de regulă, acordând preferință acțiunii interne, au devenit un fel de centru al literaturii. Au influențat serios toate celelalte genuri, chiar le-au transformat.

Genurile își dobândesc și acumulează treptat caracteristicile - condiții necesare și suficiente pentru identitatea lor, apoi „trăiesc”, împărtășind soarta tuturor viețuitoarelor, adică suportând schimbări; uneori „mor”, părăsesc procesul literar viu, alteori revin la viață, de obicei într-o formă transformată.

Normele și regulile de gen (canoanele) s-au format inițial în mod spontan, pe baza ritualurilor cu ritualurile și tradițiile lor de cultură populară. „Atât în ​​folclorul tradițional, cât și în literatura arhaică, structurile genurilor sunt inseparabile de situațiile extraliterare, legile genului se îmbină direct cu regulile ritualului și ale decenței cotidiene”.

Mai târziu, pe măsură ce reflecția a devenit mai puternică în activitatea artistică, unele canoane de gen au luat forma unor prevederi (postulate) clar formulate. Canonul unui gen este „un anumit sistem de caracteristici stabile și solide ale genului”.

Genurile tradiționale, fiind strict formalizate, există separat unele de altele, separat. Granițele dintre ele sunt clare și precise. Formațiunile de gen de acest fel urmează anumite norme și reguli care sunt dezvoltate de tradiție și sunt obligatorii pentru autori.

În epoca poeticii normative (din antichitate până în secolele XVII-XVIII), alături de genurile care au fost recomandate și reglementate de teoreticieni, au existat și genuri care timp de câteva secole nu au primit justificare teoretică, dar au avut și o structură stabilă. proprietăți. Acestea includ basme, fabule, povestiri și lucrări similare de scenă umoristice, precum și multe genuri lirice tradiționale (inclusiv folclor).

Structurile genurilor s-au schimbat (și destul de dramatic) în literatura din ultimele două sau trei secole, mai ales în epoca postromantică. Au devenit flexibili și flexibili, și-au pierdut rigoarea canonică și, prin urmare, au deschis spații largi pentru manifestarea inițiativei autoriale individuale. genul literar

„Decanonizarea” structurilor de gen s-a făcut simțită deja în secolul al XVIII-lea. În secolele XIX-XX. acestea, de regulă, nu mai sunt fenomene izolate unele de altele, având un set de proprietăți clar definit, ci grupuri de lucrări în care anumite preferințe și accente formale și de fond sunt mai mult sau mai puțin vizibile.

În consecință, în literatură există două tipuri de structuri de gen: forme gata făcute, completate, solide (genuri canonice) (de exemplu, un sonet) și forme de gen non-canonice: flexibile, deschise la tot felul de transformări, restructurari, actualizări. (de exemplu, elegii sau nuvele în literatura timpurilor moderne) .

Genurile, conform D.S. Likhachev, „ei interacționează, se susțin existența celuilalt și în același timp concurează unul cu celălalt”; Prin urmare, este necesar să se studieze nu numai genurile individuale și istoria lor, ci și „sistemul de genuri din fiecare epocă dată”.

Postat pe Allbest.ru

Documente similare

Conceptul și caracteristicile generale ale epigramei ca gen literar separat, principalele sale trăsături similare și distinctive cu alte genuri. Caracteristicile sale: concizie, țintire, orientare satirică. Istoria formării și dezvoltării epigramei.

articol, adăugat 25.04.2015


Un set de semne de aforism. Concizie, generalitate, concizie, precizie, originalitate a gândirii și uneori paradoxalitate. Clasificarea unui aforism ca unitate specială a limbajului și vorbirii. Moștenirea epistolară a lui Tolstoi. Semne ale discursului aforistic.

rezumat, adăugat 27.10.2016


Informatie scurta despre viața și opera scriitorului american K. Kesey. Ideea unei ciocniri între libertate și putere în romanul lui K. Kesey „Peste cuibul cucului”. Relația dintre mecanic și viu în roman sub formă de halucinații, vise și viziunea despre lume a erou-naratorului.

rezumat, adăugat 14.12.2013


Biografia celebrului scriitor englez J. Tolkien. „Hobbitul” este un basm plin de acțiune pentru copii și adulți. Lumea mitologică a lui Silmarillion. Romanul „Stăpânul inelelor” este un avertisment profetic despre pericolul puterii nelimitate pentru toate ființele vii.

raport, adaugat 15.03.2015


Tipurile de lucrări care au apărut în procesul de dezvoltare a literaturii artistice ca principalele genuri în critica literară. Caracteristici generale ale genurilor documentare și jurnalistice. Eseul ca gen situat la intersecția dintre literatură, jurnalism și știință.

rezumat, adăugat 18.06.2015


Etape ale dezvoltării istorice a literaturii. Etapele dezvoltării procesului literar și a lumii sisteme de artă secolele XIX–XX. Specificul regional, național al literaturii și conexiunile literare mondiale. Studiu comparativ al literaturii din diferite epoci.

rezumat, adăugat 13.08.2009


Apariția literaturii ruse, etape și direcții. Genuri primare: hagiografie, elocvență rusă antică, cuvânt, poveste, lor Caracteristici comparativeși caracteristici. Unirea genurilor: cronică, cronograf, ceremonii de menaion, patericon, trăsături distinctive.

test, adaugat 20.01.2011


Esența conceptului de basm literar și caracteristicile sale. Tipuri de basme și abordări ale clasificării lor. Revizuirea literaturii sovietice pentru copii, periodizarea basmelor literare, istoria lor, genuri, specificul. Imaginea personajului principal din povestea lui L. Lagin „Bătrânul Hottabych”.

rezumat, adăugat 21.11.2010


Stilul de vorbire jurnalistic. Caracteristicile generale ale limbajului eseului ca substil al stilului jurnalistic, evoluția genului. Lucrările lui J. Addison și R. Steele. Ascensiunea trimestriilor literare și politice. Procesul de eseizare a genurilor literare.

lucrare curs, adaugat 23.05.2014


Istoria apariției genului postmodern în literatură - seteratura; diferențele sale fundamentale față de formele tradiționale de informare artistică. Caracteristicile unei personalități virtuale, blog, biblioteca electronica ca genuri literare inovatoare.

Derivat din cuvântul italian „istoria” („descriptiv”), termenul „pictură de istorie” se referă la orice pictură cu conținut eroic, religios sau istoric. Intriga picturilor se bazează pe evenimente reale, mitologie și texte biblice.

Inițial, subiectele religioase au dominat în artele vizuale - în timpul formării acestui stil de pictură în Renaștere, cele mai populare au fost temele evanghelice și biblice. Picturile de Surikov, Repin, Gericault, Rembrandt și alți artiști descriu evenimente importante pentru dezvoltarea umanității, culturii și conștiinței sociale.

Poveștile principale

Religios

Orice picturi cu subiecte religioase, indiferent de apartenența la o anumită religie (religie creștină, islamică, hindusă, budistă, evreiască sau tribală). Subiectele creștine acoperă perioada de la începutul erei noastre până în prezent, distingând arta Reformei și Contrareformei și alte subtipuri.

Mitologic

Tablouri care ilustrează istoria mitică, legende. Subiecte populare: zeitățile grecești, miturile creației, mitologia romană și panteonul zeilor.

Alegoric

Imagini cu sens ascuns. Pe pânză, un obiect sau personaj simbolizează altul.

Literar

Istoric

Pânze care ilustrează evenimente istorice reale cu un nivel ridicat de acuratețe și autenticitate. Atentie speciala acordă atenție detaliilor. Un reprezentant proeminent al regiei este pictorul rus Vasily Surikov.

Istoria dezvoltării

În tratatul său Despre pictură, artistul italian al Renașterii Alberti identifică genul istoric cu reprezentarea sfinților și a altor figuri biblice pentru a demonstra luptele morale, evenimente istorice legate de dezvoltarea religiei.

Renaştere

Conform tradiției Renașterii, pictura de istorie își propune să ridice nivelul moral al societății, ideal pentru decorarea spațiilor publice, bisericilor, primăriilor sau palatelor.

Aproape toate evenimentele artistice din arta italiană pre-Renaștere și Renaștere pot fi interpretate ca premise pentru dezvoltarea direcției „picturii de istorie”:

În timpul Renașterii, au apărut principalele trăsături ale direcției „picturii istorice” - mare atenție la detalii, monumentalitate, scară și utilizarea temelor religioase ca principală în opera artiștilor.

Renaştere

Genul istoric al Renașterii este reprezentat de următoarele lucrări:

Dintre artiștii baroc, Peter Paul Rubens reprezintă în mod clar genul istoric. Principalele intrigi sunt mitologice. Artistul italian Caravaggio este cunoscut pentru picturile sale religioase realiste. Velazquez și Rembrandt sunt autorii unor picturi pe teme religioase și mitologice.

Stil baroc

În epoca barocului, genul istoric este reprezentat de lucrările:

În secolul al XVIII-lea

Genul istoric al secolului al XVIII-lea este caracterizat de trăsături care nu sunt caracteristice epocilor anterioare. Această perioadă a devenit un punct de cotitură în dezvoltarea picturii. Artiștii au căutat să se îndepărteze de academicism, au căutat noi teme pentru pânze și au ales evenimente minore ca subiecte pentru crearea picturilor. Dezvoltarea mișcării a fost influențată de dogmele clasicismului și barocului.

Exemple de lucrări din secolul al XVIII-lea:

Scăderea importanței direcției este remarcabilă în secolul al XIX-lea. Artiștii au căutat să dramatizeze arta mai degrabă decât să ridice standardele morale. Dezvoltarea mișcării a fost influențată cel mai mult de romantic și stiluri clasice. Temele picturilor au devenit mai restrânse - maeștrii s-au îndepărtat de la lăudarea evenimentelor de amploare și a subiectelor religioase.

Artistul francez Eugene Delacroix a fost cel mai energic dintre pictorii romantici - pânzele sale demonstrează clar romantismul în pictură. Lucrările lui Ernest Meissonnier, realizate într-un stil academic strict, sunt populare. Adolf Menzel a devenit faimos pentru reprezentările sale ale scenelor de la curtea lui Frederic cel Mare.

În secolul 19

Academiile de artă din secolul al XIX-lea au căutat să restaureze arta plastică istorică la statut și importanță ridicată în întărirea standardelor morale.

Marele artist al secolului al XIX-lea din Franța - profesorul academic Gustav Moreau, celebru pentru lucrările sale pe teme mitologice. În Anglia, George Frederick Watts a fost cel mai bun dintre pictorii victoriani - un reprezentant proeminent al tipului alegoric al istoricului. Arte vizuale. În America, mișcarea a fost susținută de pictorul germano-american Emanuel Gottlieb Leutze.

Exemple de picturi din secolul al XIX-lea:

În secolul al XX-lea

Secolul XX a adus schimbări: revoluții, războaie, crize au spart sistemul de valori. Arta plastică a fost marcată de inovații - au apărut stiluri de pictură abstractă și mișcări de avangardă. În secolul al XX-lea, regiei nu i s-a mai atribuit o semnificație morală și culturală deosebită. Genul istoric a devenit o resursă folosită de artiști pentru a demonstra seriozitatea muncii lor. Teme noi - celtică, mitologie scandinavă, ideologică, propagandă, pictură ideologică.

Lucrări ale secolului XX:

In Rusia

Pictura istorică rusă este renumită pentru lucrările lui Vasily Surikov, Ilya Repin, Vasily Polenov. Mișcarea a fost dezvoltată în secolele al XVIII-lea și al XIX-lea de către artiști realiști din asociația Itineranți. Cele mai populare sunt subiectele mitologice și istorice. Formarea direcției este asociată cu formarea ideilor educaționale, care au fost propagate de Academia de Arte. Surikov și alți pictori ruși au lucrat în stilurile realismului și clasicismului.

Cele mai multe dintre picturile lui Surikov, Ugryumov, Ivanov, Losenko sunt la scară mare, detaliate, executate în conformitate cu toate tradițiile artei academice.

Reprezentantul artei plastice rusești este Vasily Surikov: „Dimineața execuției Streltsy”, „Boyaryna Morozova”, „Capturarea orașului înzăpezit”, „Traversarea Alpilor a lui Suvorov”. Caracteristicile lucrărilor: monumentalitate, un număr semnificativ de personaje pe pânză, dinamism, folosirea tonurilor naturale, închise. Picturile lui Surikov sunt cel mai reprezentativ exemplu de pictură istorică rusă.

Sensul genului

Genul istoric de la sfârșitul secolului XX și începutul secolului XXI se dezvoltă în picturile artiștilor reprezentând arta contemporană. Arta plastică gravitează spre abstractionism, tematic – spre problemele actuale ale umanității. Regia le permite pictorilor să-și exprime opiniile despre evenimentele din lume, schimbările din politică, economie și cultură.

Introducere

Capitolul 1. Apariția și dezvoltarea romanului ca gen literar

1 Definiția unui roman

1.2 Contextul literar și istoric în dezvoltarea romanului

3 Roman antic

Capitolul 2. Originalitatea artistică și estetică a romanului lui Apuleius „Metamorfoze”

Concluzie

Lista literaturii folosite

INTRODUCERE

În teoria romanului, o serie de probleme care sunt încă în curs de rezolvare sunt semnificative: întrebarea definirii acestui termen este ascuțită, iar întrebarea modelului de gen al romanului nu este mai puțin eterogenă. Potrivit lui M.M. Bakhtin, „Nu este niciodată posibil să dai vreun fel de formulă cuprinzătoare pentru romanul ca gen. Mai mult, cercetătorii nu au reușit să indice o singură trăsătură certă și fermă a unui roman fără o astfel de rezervă încât această caracteristică, ca trăsătură de gen, să nu fie complet anulată.”

În critica literară modernă există diferite definiții ale unui roman.

TSB (Marea Enciclopedie Sovietică): „Romanul (roman francez, roman german), un tip de epopee ca tip de literatură, unul dintre cele mai mari genuri epice în volum, care prezintă diferențe semnificative față de un alt gen similar - cel național-istoric. (eroic) epopee, s-a dezvoltat activ în literatura vest-europeană încă din Renaștere, iar în timpurile moderne a dobândit o semnificație dominantă în literatura mondială.”

„Cel mai recent dicționar literar-carte de referință” de N.V. Suslova: „Romanul este un gen epic care dezvăluie istoria mai multor, uneori a multor destine umane, alteori a generațiilor întregi, desfășurate într-un spațiu artistic larg și timp de o durată suficientă.”

„Romanul este una dintre formele literare libere, implicând un număr imens de modificări și îmbrățișând mai multe ramuri principale ale genului narativ. În noua literatură europeană, acest termen înseamnă, de obicei, un fel de poveste imaginară care trezește interesul cititorului prin înfățișarea pasiunilor, a moravurilor sau a aventurilor incitante, întotdeauna desfășurate într-o imagine amplă și completă. Aceasta definește complet diferența dintre un roman și o poveste, basm sau cântec.”

În opinia noastră, cea mai completă definiție a acestui termen este dată de S.P. Belokurova: „Roman - (din limba franceză romană - inițial: o lucrare scrisă într-una dintre limbile romanice (adică moderne, vii), spre deosebire de scrisă în latină. ) este un gen de epopee: o mare opera epică care descrie în mod cuprinzător viața oamenilor într-o anumită perioadă de timp sau pe parcursul unei întregi vieți umane. Proprietățile caracteristice ale romanului: intriga multiliniară, care acoperă soarta unui număr de personaje; prezența unui sistem de caractere echivalente; acoperirea unei game largi de fenomene de viață, formularea problemelor semnificative din punct de vedere social; durată semnificativă de acțiune.” Autorul unuia dintre dicționarele de termeni literari notează corect sensul inițial care a fost pus acestui concept, indicând totodată sensul său modern. În același timp, chiar numele „roman” în diferite epoci a avut propria sa interpretare, diferită de cea modernă.

O serie de lucrări ale oamenilor de știință moderni pun la îndoială legitimitatea utilizării termenului „roman” în legătură cu lucrările de proză artistică și narativă antică. Dar ideea, desigur, nu este doar în termen, deși în spatele lui există o definiție a genului acestor lucrări, ci într-o serie întreagă de probleme care apar atunci când le luăm în considerare: problema premiselor ideologice și artistice și momentul apariției acestui nou tip de literatură pentru antichitate, problema relației sale cu realitatea, trăsăturile genului și stilului.

În ciuda numeroaselor teorii ale originii romanului elenistic, începuturile sale „rămân obscure, ca și multe alte întrebări legate de istoria prozei elenistice Încercările de a „deriva” romanul din orice gen anterior sau dintr-o „fuziune” a mai multor genuri nu au condus la rezultate generate de o nouă ideologie, romanul nu apare mecanic, ci constituie o nouă unitate artistică care a absorbit diverse elemente din literatura trecutului.”

În ciuda problemei existente asociate cu dezvoltarea genului romanului, și anume originea romanului antic, și a faptului că acesta nu a primit încă rezoluția finală, cu privire la locul romanului antic în procesul literar general mondial, ni se pare de necontestat faptul că majoritatea cercetătorilor susțin că dezvoltare continuă Nu a existat niciun gen de roman din antichitate până în zilele noastre. Romanul antic a apărut și și-a încheiat existența în antichitate. Romanul modern, a cărui apariție datează din Renaștere, a apărut independent, aparent, în afara influenței formelor consacrate ale romanului antic. Ulterior, după ce a apărut independent, romanul modern a experimentat unele influențe străvechi. Cu toate acestea, negarea continuității dezvoltării genului roman nu neagă deloc, în opinia noastră, existența romanului în antichitate.

Relevanța acestei teme se datorează interesului extraordinar pentru personalitatea misterioasă a lui Apuleius și limbajul operei sale.

Subiectul studiului este originalitatea artistică a romanului „Metamorfoze sau măgarul de aur”.

Obiectul de studiu este romanul numit.

Scopul principal al studiului este de a evidenția toate teoriile despre originea și dezvoltarea romanului antic, precum și de a identifica valoarea artistică și estetică a romanului lui Apuleius.

Scopul cursului presupune rezolvarea unui număr de probleme:

1.Familiarizați-vă cu teoria existentă pe tema cursului, cu opinii diferite asupra apariției și dezvoltării genului în cauză.

.Definiți genul romanului antic.

.Explorați trăsăturile artistice și estetice ale „Magarului de aur” al lui Apuleius.

Lucrarea constă dintr-o introducere, două capitole și o concluzie.

CAPITOLUL 1. APARIREA SI DEZVOLTAREA ROMANULUI CA GEN LITERAR

.1 DEFINIȚIA UNUI ROMAN

genul narativ literar roman

Termenul „roman”, care a apărut în secolul al XII-lea, a suferit o serie de schimbări semantice de-a lungul celor nouă secole de existență și acoperă o gamă extrem de diversă de fenomene literare. Mai mult, formele numite romane astăzi au apărut mult mai devreme decât conceptul în sine. Primele forme ale genului romanesc datează din antichitate (romane de dragoste și aventuri de Heliodor, Iamblichus și Longus), dar nici grecii, nici romanii nu au lăsat un nume special pentru acest gen. Folosind terminologia ulterioară, este de obicei numit roman. Episcopul Yue, la sfârșitul secolului al XVII-lea, în căutarea predecesorilor romanului, a aplicat pentru prima dată acest termen la o serie de fenomene ale prozei narative antice. Această denumire se bazează pe faptul că genul străvechi care ne interesează, având ca conținut lupta indivizilor izolați pentru scopurile lor personale, private, reprezintă o asemănare tematică și compozițională foarte semnificativă cu anumite tipuri ale romanului european de mai târziu, în formarea căreia romanul antic a jucat un rol semnificativ. Denumirea de „roman” a apărut mai târziu, în Evul Mediu, și se referea inițial doar la limba în care a fost scrisă opera.

Cea mai comună limbă a scrierii medievale vest-europene a fost, după cum se știe, limba literară a vechilor romani - latină. În secolele XII-XIII. d.Hr., alături de piese de teatru, povești, povești scrise în latină și existente în principal în rândul claselor privilegiate ale societății, nobilimii și clerului, au început să apară povești și povești scrise în limbile romanice și distribuite printre păturile democratice ale societății care nu cunoșteau. limba latină, printre burghezia comercială, artizani, ticăloși (așa-numita stare a treia). Aceste lucrări, spre deosebire de cele latine, au început să se numească: conte roman - o poveste romanică, o poveste. Apoi adjectivul a căpătat un sens independent. Așa a apărut un nume aparte pentru operele narative, care ulterior s-au consacrat în limbă și și-au pierdut în timp sensul inițial. Un roman a început să fie numit o operă în orice limbă, dar nu oricare, ci numai una de dimensiuni mari, care se distinge prin anumite trăsături ale temei, structura compozițională, dezvoltarea intrigii etc.

Putem concluziona că dacă cel mai apropiat de sens modern Deoarece acest termen a apărut în epoca burgheziei - secolele al XVII-lea și al XVIII-lea, este logic să atribuim aceluiași timp originea teoriei romanului. Și deși deja în secolele XVI-XVII. apar anumite „teorii” ale romanului (Antonio Minturno „Arta poetică”, 1563; Pierre Nicole „Scrisoarea despre erezia scrisului”, 1665), numai împreună cu filosofia clasică germană au apărut primele încercări de a crea o teorie estetică generală a romanul, pentru a-l include în sistemul formelor artistice. „În același timp, afirmațiile marilor romancieri despre propria lor practică scrisă capătă o amploare și o profunzime mai mare de generalizare (Walter Scott, Goethe, Balzac). Principiile teoriei burgheze a romanului în forma sa clasică au fost formulate tocmai în această perioadă. Dar o literatură mai extinsă despre teoria romanului a apărut abia în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Acum romanul și-a stabilit în sfârșit dominația ca formă tipică de exprimare a conștiinței burgheze în literatură.”

Din punct de vedere istoric și literar, este imposibil să vorbim despre apariția romanului ca gen, întrucât în ​​esență „romanul” este „un termen incluziv, supraîncărcat de conotații filosofice și ideologice și care indică un întreg complex de fenomene relativ autonome. care nu sunt întotdeauna legate genetic între ele.” „Apariția romanului” în acest sens ocupă epoci întregi, începând din antichitate și terminând cu secolul al XVII-lea sau chiar al XVIII-lea.

Apariția și justificarea acestui termen a fost, fără îndoială, influențată de istoria dezvoltării genului în ansamblu. Un rol la fel de important în teoria romanului îl joacă formarea lui în diferite țări.

1.2 CONTEXT LITERAR-ISTORIC ÎN DEZVOLTAREA ROMANULUI

Dezvoltarea istorică a romanului în diferite țări europene relevă diferențe destul de mari cauzate de neuniformitatea dezvoltării socio-economice și unicitatea individuală a istoriei fiecărei țări. Dar, alături de aceasta, istoria romanului european conține și câteva trăsături comune, recurente, care ar trebui subliniate. În toate literaturile europene majore, deși de fiecare dată în felul său, romanul trece prin anumite etape logice. În istoria romanului european din Evul Mediu și Epoca Modernă, prioritate revine romanului francez. Cel mai mare reprezentant al Renașterii franceze în domeniul romanului a fost Rabelais (prima jumătate a secolului al XVI-lea), care a dezvăluit în „Gargantua și Pantagruel” întreaga gamă a libertății burgheze și a negării vechii societăți. „Romanul își are originea în ficțiunea burgheziei în epoca dezintegrarii treptate a sistemului feudal și a ascensiunii burgheziei comerciale. După principiul său artistic, acesta este un roman naturalist, după cel tematic-compozițional, este unul aventuros, în centrul căruia „un erou trăiește tot felul de aventuri, amuză cititorii cu trucurile sale deștepte, un erou-aventurier. , un ticălos” trăiește aventuri aleatorii și exterioare (o poveste de dragoste, o întâlnire cu tâlhari, o carieră de succes, o înșelătorie de bani inteligentă etc.), fără a fi interesat nici de caracteristicile sociale și cotidiene profunde, nici de motivații psihologice complexe. Aceste aventuri sunt presărate cu scene cotidiene, exprimând o înclinație pentru glumele crude, simțul umorului, ostilitatea față de clasele conducătoare și o atitudine ironică față de morala și manifestările lor. În același timp, autorii nu au reușit să surprindă viața în perspectiva ei socială profundă, limitându-se la caracteristicile exterioare, manifestând o tendință la detalii, la savurarea detaliilor cotidiene. Exemplele sale tipice sunt „Lazarillo din Tormes” (secolul al XVI-lea) și „Gilles Blas” de scriitorul francez Lesage (prima jumătate a secolului al XVIII-lea). Din rândul burgheziei mici și mijlocii până la mijlocul secolului al XVIII-lea. se conturează o intelectualitate mic-burgheză avansată, care începe o luptă ideologică împotriva ordinii vechi și folosește creativitatea artistică pentru aceasta. Pe această bază se naște un roman psihologic mic-burghez, în care locul central nu mai este ocupat de aventură, ci de profundele contradicții și contraste din mintea eroilor care luptă pentru fericirea lor, pentru idealurile lor morale. Cel mai clar exemplu Aceasta poate fi numită „Noua Heloise” de Rousseau (1761). În aceeași epocă cu Rousseau, Voltaire a apărut cu romanul său filozofic și jurnalistic „Candide”. În Germania la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea. Există un întreg grup de scriitori romantici care au creat exemple foarte vii de romane psihologice în diferite stiluri literare. Astfel sunt Novalis („Heinrich von Ofterdingen”), Friedrich Schlegel („Lucinda”), Tieck („William Lovel”) și în cele din urmă celebrul Hoffmann. „Alături de acesta, găsim un roman psihologic în stilul aristocrației nobiliare patriarhale, pierind odată cu întregul vechi regim și realizându-și moartea în planul celor mai profunde conflicte morale și ideologice.” Așa este Chateaubriand cu „Rene” și „Atala”. Alte straturi ale nobilimii feudale au fost caracterizate de un cult al senzualității grațioase și al epicureismului nemărginit, uneori nestăpânit. De aici provin nobilele romane rococo cu cultul lor al senzualității. De exemplu, romanul lui Couvray „The Love Affairs of the Chevalier de Fauble”.

Roman englez în prima jumătate a secolului al XVIII-lea. prezintă reprezentanți importanți precum J. Swift cu celebrul său roman satiric „Călătoriile lui Gulliver” și D. Defoe, autorul nu mai puțin faimosului „Robinson Crusoe”, precum și o serie de alți romancieri care exprimă viziunea socială asupra lumii a burgheziei.

În epoca apariției și dezvoltării capitalismului industrial, romanul aventuros și naturalist își pierde treptat semnificația.” El este înlocuit de romanul social, care ia naștere și se dezvoltă în literatura acelor pături ale societății capitaliste care se dovedesc a fi cele mai avansate și în condițiile unei țări date. Într-o serie de țări (Franța, Germania, Rusia), în perioada de înlocuire a romanului de aventură cu cel social și cotidian, adică în perioada de înlocuire a sistemului feudal cu cel capitalist, romanul psihologic cu un orientarea romantică sau sentimentală capătă temporar o mare importanţă, reflectând dezechilibrul social al perioadei de tranziţie (Jean- Paul, Chateaubriand etc.). Perioada de glorie a romanului social-cotidian coincide cu perioada de crestere si prosperitate a societatii industrial-capitaliste (Balzac, Dickens, Flaubert, Zola etc.). Un roman este creat după un principiu artistic – realist. La mijlocul secolului al XIX-lea. Romanul realist englez face progrese semnificative. Culmea romanului realist sunt romanele lui Dickens - „David Copperfield”, „Oliver Twist” și „Nicholas Nickleby”, precum și Thackeray cu „Vanity Fair”, care oferă o critică mai amară și mai puternică a nobililor- societatea burgheza. „Romanul realist al secolului al XIX-lea se remarcă prin formularea sa extrem de acută a problemelor morale, care acum ocupă un loc central în cultura artistică. Aceasta se datorează experienței unei rupturi cu ideile tradiționale și sarcinii de a găsi noi linii directoare morale pentru individul aflat într-o situație de izolare, de a dezvolta regulatori morali care să nu ignore, ci să eficientizeze moral interesele activității practice reale a unui individ izolat.”

O linie specială este reprezentată de romanul „misterelor și ororilor” (așa-numitul „roman gotic”), ale cărui intrigi, de regulă, sunt alese în sfera supranaturalului și ai cărui eroi sunt înzestrați cu trăsături ale demonismului sumbru. Cei mai mari reprezentanți ai romanului gotic sunt A. Radcliffe și C. Maturin.

Tranziția treptată a societății capitaliste în era imperialismului, cu conflictele sale sociale tot mai mari, duce la degradarea ideologiei burgheze. Nivelul cognitiv al romancierilor burghezi este în scădere. În acest sens, în istoria romanului are loc o întoarcere la naturalism, la psihologism (Joyce, Proust). În procesul dezvoltării sale, romanul, însă, nu numai că repetă o anumită linie logică, dar păstrează și unele caracteristici de gen. Romanul se repetă istoric în diferite stiluri literare, iar în diferite stiluri exprimă diferite principii artistice. Și cu toate acestea, romanul rămâne încă un roman: un număr imens dintre cele mai diverse opere ale acestui gen au ceva în comun, unele trăsături repetate de conținut și formă, care se dovedesc a fi semne ale genului, care își primește clasicul. expresie în romanul burghez. „Oricât de diferite ar fi caracteristicile conștiinței istorice de clasă, acele sentimente sociale, acele idei artistice specifice care se reflectă în roman, romanul exprimă un anumit tip de conștiință de sine, anumite cerințe și interese ideologice. Romanul burghez trăiește și se dezvoltă atâta timp cât este vie conștiința de sine individualistă a erei capitaliste, atâta timp cât interesul pentru destinul individual, pentru viața personală, pentru lupta individualității pentru nevoile lor personale, pentru dreptul la viață continuă să exista." Aceste trăsături ale conținutului romanului conduc, de asemenea, la caracteristicile formale ale acestui gen. Tematic, un roman burghez descrie viața privată, personală, de zi cu zi și, pe fundalul acesteia, ciocnirea și lupta intereselor personale. Compoziția romanului se caracterizează printr-o linie mai mult sau mai puțin complexă, dreaptă sau întreruptă a unei singure intrigi personale, un singur lanț cauzal-temporal de evenimente, un singur curs al narațiunii, căruia îi sunt subordonate toate și fiecare moment descriptiv. În toate celelalte privințe, romanul este „variat infinit din punct de vedere istoric”.

Orice gen, pe de o parte, este întotdeauna individual, pe de altă parte, se bazează întotdeauna pe tradiția literară. Categoria genului este o categorie istorică: fiecare epocă este caracterizată nu numai de un sistem de gen în ansamblu, ci și de modificări sau variații de gen în special în legătură cu un anumit gen. Savanții literari disting astăzi soiurile de gen pe baza unui set de proprietăți stabile (de exemplu, general teme, proprietăți ale imaginilor, tip de compoziție etc.).

Pe baza celor de mai sus, tipologia romanului modern poate fi reprezentată în linii mari după cum urmează:

Temele diferă de cele autobiografice, documentare, politice, sociale; filozofic, intelectual; viața erotică, feminină, de familie și de zi cu zi; istoric; aventuros, fantastic; satiric; sentimentale etc.

după caracteristici structurale: un roman în versuri, un roman de călătorie, un roman pamflet, un roman pildă, un roman feuilleton etc.

Adesea definiția corelează un roman cu o epocă în care a dominat unul sau altul tip de roman: antic, cavaleresc, iluminist, victorian, gotic, modernist etc.

În plus, iese în evidență romanul epic - o lucrare în care centrul atenției artistice este soarta oamenilor, și nu individul (L.N. Tolstoi „Război și pace”, M.A. Sholokhov „ Don linistit").

ÎN tip special distingeți un roman polifonic (după M.M. Bakhtin), care presupune o astfel de construcție atunci când ideea principală a operei este formată din sunetul simultan al „mai multor voci”, deoarece niciunul dintre personaje sau autorul nu deține monopolul asupra adevărul și nu este purtătorul lui.

Pentru a rezuma toate cele de mai sus, observăm încă o dată că, în ciuda istoriei lungi a acestui termen și a formei de gen și mai vechi, în critica literară modernă nu există o viziune clară asupra problemelor asociate conceptului de „roman”. Se știe că a apărut în Evul Mediu, primele exemple de romane au fost acum mai bine de cinci secole în istoria dezvoltării literaturii vest-europene, romanul a avut multe forme și modificări;

Terminând conversația despre roman în ansamblu, nu putem să nu atragem atenția asupra faptului că, ca orice gen, acesta trebuie să aibă niște trăsături. Aici vom rămâne solidari cu adeptul „dialogismului” în literatură - M.M. Bakhtin, care identifică trei trăsături principale ale modelului de gen al romanului, care îl deosebesc fundamental de alte genuri:

„1) tridimensionalitatea stilistică a romanului, asociată cu conștiința multilingvă realizată în el; 2) o schimbare radicală a coordonatelor temporale ale imaginii literare din roman; 3) noua zona construirea unei imagini literare într-un roman, și anume zona de contact maxim cu prezentul (modernitatea) în incompletitudinea lui”.

1.3 ROMANUL ANTIC

Se știe că în diferite perioade istorice ale literaturii antice au apărut anumite genuri literare: în epoca arhaică a dominat la început epopeea eroică, iar mai târziu s-a dezvoltat lirica. Epoca clasică a literaturii grecești antice a fost marcată de ascensiunea dramei, tragediei și comediei; mai târziu, în secolul al IV-lea. î.Hr. Genurile de proză se dezvoltă intens în literatura greacă. Elenismul se caracterizează în primul rând prin dezvoltarea unor forme mici de gen.

Declinul literaturii grecești este marcat de apariția primelor exemple ale romanului antic sau „epopeea vieții private”, care, transformându-se, îmbogățindu-se și dezvoltându-se, va deveni probabil cel mai preferat gen din literatura secolelor XIX-XX. . Care a fost primul roman antic? În zorii formării sale, romanul a fost reprezentat de o varietate deosebită - romanul de aventură de dragoste. B. Gilenson face referire la acest gen povestea „Faptele lui Alexandru”, „atribuită în mod eronat istoricului Calistenes (sec. IV î.Hr.): în centrul său nu se află adevăratul Alexandru cel Mare, ci mai degrabă. personaj de basm, care are aventuri incredibile în tărâmul uriașilor, piticilor și canibalilor." (B. Gilenson, p. 379). Caracteristicile acestui soi de gen sunt prezentate mai expresiv în „Povestea dragostei lui Chaerei și Callirhoe” de către Khariton (secolul I d.Hr.). Caracteristică un roman de aventură de dragoste este că conține situații și personaje standard fixe: doi oameni iubitori frumoși sunt despărțiți; sunt bântuiți de mânia zeilor și a părinților ostili; ei cad în mâinile tâlharilor, piraților și pot cădea în sclavie sau pot fi aruncați în închisoare. Dragostea și loialitatea lor, precum și accidentele fericite, îi ajută să treacă toate testele. În final are loc o reîntâlnire fericită a eroilor. „Aceasta este în multe privințe o formă timpurie, oarecum naivă, a romanului.” Naivitatea este, fără îndoială, influența poeziei, elegiei și idilei elenistice. Rol uriaș Aventurile și tot felul de accidente joacă în genul încă neconstituit. Așa vedem „ETHIOPICA” a lui HELIODORUS, care se bazează pe o poveste populară din cele mai vechi timpuri: regina etiopiei, care privea imaginea Andromedei în momentul concepției, a născut o fiică albă. Pentru a scăpa de suspiciunile dureroase ale soțului ei, regina și-a aruncat fiica. Ea a venit la Delphi la preotul Charicles, care ia numit-o Charicles. Frumosul tânăr Theagenes este îndrăgostit de această fată de o frumusețe rară. Sentimentele lor sunt reciproce, dar preotul, tatăl adoptiv, a destinat-o pe fata altcuiva - nepotul său. Bătrânul înțelept Kalasirid, după ce a citit semnele de pe bandajul Charikliei, dezvăluie secretul nașterii ei. El îi sfătuiește pe tineri să fugă în Etiopia și astfel să scape de căsătoria care o așteaptă pe Charikleia în Delphi. Theagenes răpește fata, navighează pe o corabie spre malul Nilului și de acolo își continuă călătoria către patria Chariklia. Îndrăgostiților li se întâmplă multe aventuri: fie se despart, apoi se reîntâlnesc, apoi sunt capturați de tâlhari, fie fug de ei. În cele din urmă, îndrăgostiții ajung în Etiopia. Acolo, regele Hydas le va sacrifica zeilor, dar apoi se dovedește că el este tatăl lui Chariklia. Există o „recunoaștere” fericită a unui copil abandonat - un motiv popular. Părinții sunt de acord cu căsătoria fiicei lor cu Theagenes. Romanul este melodramatic și sentimental. El afirmă frumusețea iubirii și a castității, în numele cărora tinerii îndură cu blândețe greutățile care li se întâmplă. Stilul romanului este înflorit și retoric. Eroii vorbesc de obicei într-un stil sublim. Această trăsătură este clară, întrucât retorica - arta de a vorbi frumos - ocupa un loc aparte în antichitate. Povestea retorică trebuia să conțină „un ton vesel al narațiunii, personaje diferite, seriozitate, frivolitate, speranță, teamă, suspiciune, melancolie, prefăcătorie, compasiune, o varietate de evenimente, o schimbare a sorții, dezastre neașteptate, bucurie bruscă, un rezultat plăcut al evenimentelor.”

Am observat că romanul folosea tradițiile și tehnicile genurilor literare consacrate anterior. Dar a fost precedat nu numai de oratorie, ci și de povești distractive, elegii erotice, descrieri etnografice și istoriografii. Dacă considerăm sfârșitul secolului al II-lea - începutul secolului I ca fiind momentul în care romanul antic a devenit un gen separat. î.Hr., atunci trebuie remarcat că încă în secolul al II-lea. î.Hr. Culegerea de povestiri a lui Aristides din Milet – „Poveștile lui Milet” – s-a bucurat de un succes deosebit. Romanul elenistic combină povești de călătorie și aventură cu povești de dragoste jalnice.

Spre deosebire de interpretarea romanelor grecești ca produse artificiale și în felul lor raționale ale priceperii retorice, caracteristice lui Rode și școlii sale, în ultimele decenii au început să acorde atenție în mod specific elementelor originale și tradiționale ale mitului și arelogiei prezente în nuvela. Astfel, potrivit lui B. Lavagnini, romanul se naște din legende și tradiții locale. Aceste legende locale devin „roman individual” atunci când în literatura greacă interesul trece de la destinele statului la destinele individului și când în istoriografie tema dragostei capătă interes independent, „uman”. De exemplu, atingând contradicțiile dintre sclavi și stăpâni de sclavi, Long - autorul romanului „Daphnis și Chloe” - nu povestește soarta oamenilor, ci înfățișează un cioban și o ciobanească, trezirea iubirii acestora. două creaturi pure și inocente. Aventurile din acest roman sunt puține și episodice, ceea ce îl deosebește, în primul rând, de „Ethiopica”. „Spre deosebire de romanul de aventuri de dragoste al lui Heliodor, acesta este un roman de dragoste uneori este numit roman idilă. Nu întorsăturile ascuțite ale intrigii, nu aventurile incitante, ci experiențele amoroase de natură senzuală, desfășurate în sânul unui peisaj poetic rural, determină valoarea acestei lucrări. Adevărat, există și aici pirați, războaie și „recunoașteri” fericite. În final, eroii, care se dovedesc a fi copii ai unor părinți bogați, se căsătoresc. Mult mai târziu, Long avea să devină popular și în Europa, în special în timpul Renașterii târzii. Savanții literari vor declara cu voce tare că el a arătat prototipul așa-zisului. romane pastorale.

Potrivit lui V.V Kozhinov, originile romanului trebuie căutate în creativitatea orală a maselor. Conform legii folclorului, ea constă din elemente intriga veche, figurative, lingvistice, formând de fapt ceva fundamental nou. Acesta a fost cel mai vechi monument al romanului grecesc, păstrat doar în fragmente de papirus - romanul despre prințul asirian Nina și soția sa Semiramis.

N.A. Chistyakova și N.V. Vulikh, în „Istoria literaturii antice” numesc în glumă romanul „odrasla nelegitimă a epopeei decrepite și a afectației capricioase - istoriografia elenistică”. Este de netăgăduit că personajele istorice au fost uneori descrise în unele romane grecești. De exemplu, în romanul lui Chariton „Cheraeus și Callirhoe”, unul dintre eroi este strateg siracusan Hermocrates, care în timpul războiului din Peloponesia a câștigat o victorie strălucitoare asupra marinei ateniene în 413.

O trecere în revistă a romanelor grecești de dragoste și aventuri, păstrate în formă integrală sau fragmentară, ne ajută să înțelegem câteva tipare de bază din istoria întregului gen. Asemănările dintre romanele individuale sunt atât de mari încât a le considera în strânsă legătură unele cu altele pare pe deplin justificată. Romanele pot fi împărțite în grupuri, datorită unui număr de caracteristici stilistice și de gen. Aici aș dori să remarc că, deși întrebările despre relația dintre narațiune dintr-un roman și realitate, genul și trăsăturile stilistice ale acestui gen și dezvoltarea lui în Grecia Antică rămân deschise, aproape toți cercetătorii disting două dintre soiurile sale. Și care anume este o altă întrebare.

Astfel, autorul „Istoriei literaturii antice” B. Gilenson, alături de Griftsov și Kuznetsov, vede „Ethiopica” lui Heliodor (precum și romanele lui Iamblichus, Ahile Tatius, Long) marcate de folosirea pe scară largă a tuturor tehnicilor. și mijloacele acelei abilități retorice specifice care a fost cultivată în epoca modernă. Schema intriga tradițională nu împovărează autorii ei o tratează foarte liber, îmbogățind intriga tradițională cu episoade introductive. Ca să nu mai vorbim de Heliodor, care a dat modul cronologic obișnuit de a prezenta evenimentele într-un mod complet diferit, Iamblichus, Achilla Tatius și Longus - fiecare în felul său depășește canonul moștenit din trecut.

Savanții literari văd romanele timpurii ca fiind complet diferite - fragmente din romanul despre Nina, romanele lui Chariton, Xenofonte din Efes, „Istoria lui Apollonius” - simplă în compoziție, strict aderentă canonului dezvoltat - reprezentare a exotismului și aventurii, și, de asemenea, predispus la repovestire scurtă deja înainte de evenimentele descrise. Romanele din această categorie, destinate în principal celor mai largi mase, abordează în multe cazuri stilul unui basm. Limbajul lor este apropiat de acel limbaj literar „comun”, care nu se distinge prin retorică.

În ciuda unor posibilități de clasificare a romanului elenistic, toate romanele grecești luate în considerare sunt unite printr-o trăsătură comună: ele înfățișează o lume de locuri exotice, evenimente dramatice și sentimente ideal sublime, o lume opusă în mod deliberat vieții reale, care îndepărtează gândirea de proza ​​cotidiană. .

Creat în condițiile declinului societății antice, în condițiile intensificării căutărilor religioase, romanul grec reflecta trăsăturile timpului său. „Doar o ideologie care a rupt mitologia și a plasat omul în centrul atenției” ar putea contribui la crearea unui roman care să descrie nu isprăvile eroilor mitologici, ci viețile oamenilor obișnuiți cu bucuriile și necazurile lor. Eroii acestor lucrări s-au simțit ca niște păpuși în mâna sorții sau a zeilor, suferă și acceptă suferința ca lotul vieții, sunt virtuoși și casți.

După cum vedem, noul gen, încununând calea glorioasă de dezvoltare a literaturii antice, a reflectat schimbările profunde care au avut loc în societatea antică la joncțiunea epocii vechi și noi și „parcă și-ar fi anunțat începutul declinului”.

Tronsky analizează, de asemenea, două moduri de dezvoltare a romanului attic. Este aceasta o poveste jalnică despre? figuri ideale, purtători de sentimente sublime și nobile, sau o narațiune satirică care are o părtinire cotidiană pronunțată „scăzută”. Criticul literar clasifică romanele sus-menționate drept primul tip de roman grecesc. Al doilea tip de roman antic - un roman satiric de moravuri cu o înclinație comică cotidiană - nu este reprezentat de un singur monument și este cunoscut doar din prezentarea „romanului despre un măgar” care a ajuns până la noi printre lucrările lui. Lucian. Cercetătorul crede că originile sale au început cu o imagine istorică (sau pseudo-istorică) a realității.

Dezvoltarea și formarea romanului antic a fost imposibilă fără întruchiparea sa nu numai în limba greacă, ci și în literatura romană. Literatura romană, se știe, este mai recentă: apare și înflorește în acea perioadă, care pentru Grecia era deja o perioadă de declin. În literatura romană găsim folosirea vieții de zi cu zi din jur și dramatismul operelor sale. În ciuda diferenței de vârstă de 400-500 de ani, ca și greacă, literatura romană a trecut prin aceleași perioade de dezvoltare socială: preclasică, clasică și post-clasică.

Toate cele trei etape considerate ale literaturii romane, cu toate diferențele dintre ele datorate ritmului rapid de dezvoltare socială a Romei în secolele III - II, sunt unite de o singură problemă comună, care a rămas principala pentru toți scriitorii - problema gen. Roma intră în această perioadă deținând un material aproape amorf al literaturii ceremoniale orale și iese din ea posedând întregul repertoriu de gen al literaturii grecești. Prin eforturile primilor scriitori romani, genurile romane din acest moment au dobândit acel aspect solid pe care l-au păstrat aproape până la sfârșitul antichității. Elementele din care a fost compusă această înfățișare au fost de trei ori origine: din clasicii greci, din modernitatea elenistică și din tradiția folclorică romană. Această formație a procedat diferit în diferite genuri. În ceea ce privește genul romanului, acesta este reprezentat cu brio de Apuleius și Petronius. Romanul, ultimul gen narativ al antichității în declin, pare a fi un preludiu al dezvoltării medievale, unde romanul „filistin” de aventură se dezvoltă și el, pe de o parte, ca un lanț de nuvele, iar pe de altă parte, ca o parodie. a formelor de povestire cavalerească.

CAPITOLUL 2. ORIGINALITATEA ARTISTICĂ ȘI ESTETICĂ A ROMANULUI „METAMORFOZA” LUI APULEY

Unul dintre cele mai cunoscute romane ale literaturii antice (și anume romană) este romanul „Metamorfoze sau măgarul de aur” de Apuleius.

Filosof, sofist și magician, Apuleius este un fenomen caracteristic timpului său. Creativitatea lui este extrem de diversă. A scris în latină și greacă, a compus discursuri, lucrări filozofice și de științe naturale și opere poetice în diverse genuri. Dar moștenirea acestui autor de astăzi constă din șase lucrări: „Metamorfoze” (un roman, care va fi discutat în continuare), „Apology, or On Magic”, o colecție de fragmente din discursurile și lucrările filozofice ale Floridei „Despre divinitatea lui Socrate”. ”, „Despre Platon și învățătura lui” și „Despre Univers”. Potrivit majorității savanților literari, semnificația mondială a lui Apuleius se bazează pe faptul că a scris romanul „Metamorfoze”.

Intriga romanului este strâns legată de titlul său, sau mai bine zis, pornește de la el. Metamorfoza este o transformare și, în special, o transformare umană.

Intriga din „Metamorfoze” se bazează pe povestea unui tânăr grec pe nume Lucius, care a ajuns în Tesalia - o țară renumită pentru vrăjitorie și a rămas în casa unei cunoștințe, a cărei soție era reputată a fi o vrăjitoare puternică. În sete de a se alătura sferei misterioase a magiei, Luki intră într-o relație cu o servitoare care este oarecum implicată în arta amantei, dar servitoarea îl transformă din greșeală într-un măgar în loc de pasăre. Mintea umană iar Lukiy păstrează gusturile umane. Știe chiar și o modalitate de a se elibera de vrajă: este suficient să mesteci trandafiri. Dar transformarea inversă este întârziată mult timp. „Magarul” este răpit de tâlhari în aceeași noapte, trăiește diverse aventuri, trece de la un proprietar la altul, suferă bătăi peste tot și se trezește în repetate rânduri la un pas de moarte. Când un animal ciudat atrage atenția, este destinat unei expoziții publice rușinoase. Toate acestea constituie conținutul primelor zece cărți ale romanului. În ultimul moment, Lucius reușește să evadeze pe malul mării, iar în cea de-a 11-a carte finală se îndreaptă către zeița Isis cu o rugăciune. Zeița îi apare într-un vis, promite mântuire, dar pentru ca viața lui viitoare să fie dedicată slujirii ei. Într-adevăr, a doua zi măgarul întâlnește alaiul sfânt al lui Isis, mestecă trandafiri din coroana preotului ei și devine bărbat. Reînviat Lucius capătă acum trăsăturile lui Apuleius însuși: se dovedește a fi originar din Madaura, acceptă inițierea în misterele lui Isis și, prin inspirație divină, merge la Roma, unde i se acordă cele mai înalte grade de inițiere.

În introducerea romanului, Apuleius îl caracterizează ca fiind o „poveste grecească”, adică care conține trăsături romanistice. Care sunt asemănările și diferențele dintre romanul grecesc și romanul lui Apuleius? Potrivit lui I.M. Tronsky, „Metamorfoze” este o reelaborare a unei opere grecești, o repovestire prescurtată a căreia o găsim în „Lucia sau măgarul” atribuită lui Lucian. Acesta este același complot, cu aceeași serie de aventuri: chiar și forma verbală a ambelor lucrări este în multe cazuri aceeași. Atât aici, cât și aici povestea este spusă la persoana întâi, în numele lui Lukiy. Dar grecescul „Luca” (într-o singură carte) este mult mai scurt decât „Metamorfoze”, care alcătuiește 11 cărți. Povestea, păstrată printre operele lui Lucian, conține doar intriga principală într-o prezentare condensată și cu abrevieri evidente care întunecă cursul acțiunii. În Apuleius, intriga este extinsă de numeroase episoade în care eroul ia parte personal și de o serie de nuvele inserate, care nu au legătură directă cu intriga și introduse ca povești despre ceea ce a fost văzut și auzit înainte și după transformare. Deci, de exemplu, conform remarcilor lui E. Poe, „scăparea nereușită a unui măgar și a unei fete captive dintr-o vizuină de tâlhari este povestită și motivată mai detaliat de Apuleius decât de Lucian.<…>Dacă Lucian relatează pur și simplu faptul prinderii lor de către tâlhari, atunci Apuleius vorbește despre o dispută în timpul călătoriei, despre întârzierea survenită din această cauză, motiv pentru care au ajuns din nou cu tâlharii. La fel, povestea lui Apuleius cu soldatul pare mai de înțeles și mai motivată decât cea a autorului grec [Metamorfoze, IX, 39]. Finalele sunt și ele diferite: în „Lukia” nu există nicio intervenție a lui Isis. Eroul însuși gustă trandafirii salvatori, iar autorul îl supune, deja bărbat, „un compilator de povești și alte lucrări”, unei umilințe finale: doamna care l-a plăcut când era măgar își respinge dragostea ca persoană. Acest final neașteptat, care dă o lumină parodică și satirică repovestirii seci a nenorocirilor „măgarului”, contrastează puternic cu finalul religios și solemn al romanului lui Apuleius. În versiunea latină, numele personajelor sunt și ele schimbate, cu excepția numelui personajului principal, Lucius (Lucius). I.M. Tronsky a comparat complotul analogiilor grecești și romane.

Știm că romanul roman în ansamblu a urmat în mare măsură dezvoltarea grecului și, în ciuda asemănărilor dintre ambele, Metamorfozele lui Apuleius diferă în multe privințe de toate romanele grecești. Romanul roman, cu toată dependența lui de grecesc, se deosebește de acesta atât prin tehnică, cât și prin structură, dar - și mai semnificativ - prin caracterul său de scris cotidian; Astfel, în Apuleius atât detaliile de fundal, cât și personajele sunt exacte din punct de vedere istoric. În ciuda acestui fapt, „Metamorfoze” este scrisă în tradițiile stilistice ale prozei retorice, într-o manieră înflorită și sofisticată. Stilul de inserare roman este mai simplu. Spre deosebire de canoanele acceptate ale genului, această lucrare exclude atât didactica morală, cât și o atitudine condamnătoare față de cel reprezentat. Desigur, am căuta în zadar o dezvăluire psihologică a caracterului eroului său din roman, deși Apuleius conține observații psihologice individuale - și uneori subtile. Sarcina autorului excludea necesitatea acestui lucru, iar fazele vieții lui Lucius ar fi trebuit să se dezvăluie în schimbarea aspectului său. Dorința lui Apuleius de a nu abandona tehnica folclorică, deoarece complotul era de origine folclorică, a jucat probabil și un anumit rol într-o astfel de construcție a imaginii.

V.V Kozhinov vede diferența dintre romanul roman și cel grec în diferite abordări ale descrierii vieții private: Apuleius consideră viața privată doar ca un fenomen specific, „justificat” doar acolo unde nu există „viață cu adevărat publică - printre sclavi, hetare sau în condiționat - într-o lume fantastică - într-o persoană care a luat forma unui animal. Societatea însăși ar trebui să fie înfățișată ca și cum ar fi din ochi de pasăre, luminând în prim-plan activitățile cetățenilor remarcabili ai statului și nu stăruind pe fleacurile vieții private.”

Vorbind despre trăsăturile de gen ale acestei lucrări, este important de reținut că majoritatea cercetătorilor literari o notează ca un model aventuros și de zi cu zi al unui roman antic. M.M Bakhtin subliniază, de asemenea, caracterul special al timpului din el - o combinație de timp aventuros cu viața de zi cu zi, care este puternic diferită de greacă. „Aceste trăsături: 1) calea vieții lui Lucius este dată în învelișul „metamorfozei”; 2) calea vieții în sine se contopește cu calea reală a rătăcirii - rătăcirile lui Lucius în jurul lumii sub forma unui măgar. Calea vieții în carapacea metamorfozei din roman este dată atât în ​​intriga principală a căii de viață a lui Lucius, cât și în nuvela inserată despre Cupidon și Psyche, care este o versiune semantică paralelă a intrigii principale.”

Limba lui Apuleius este bogată și înflorită. Folosește multe vulgarisme, dialectisme și în același timp - aceasta este limba latină sonoră, culturală a autorului... greaca în esența educației și orientării sale personale. Apuleius a scris un roman polisemantic, polifonic, cu mai multe fațete, în care „contrastul dintre conținutul literal și simbolic, dintre comedia cotidiană și patosul religios-mistic este destul de asemănător cu contrastul dintre limbajul „jos” și stilul „înalt” al romanului. .”

Romanul lui Apuleius, la fel ca romanele picaresc europene ale New Age, precum celebrul „Don Quijote” de Cervantes, este plin de povestiri inserate care își diversifică conținutul, captivează cititorul și oferă o panoramă largă a vieții și culturii contemporane a autorului. Există șaisprezece astfel de povestiri în Metamorfoze. Multe dintre ele au fost ulterior reelaborate de alți scriitori și, schimbând savoarea socio-temporală, au împodobit astfel de capodopere precum „Decameronul” lui Boccaccio (povestiri despre un amant în butoi și un amant care s-a trădat strănutând); altele s-au schimbat atât de mult încât au fost incluse în cărți noi într-o formă aproape de nerecunoscut. Dar cea mai mare glorie i-a revenit nuvelei despre Cupidon și Psyche. Iată un rezumat al acestuia.

Cea mai tânără dintre cele trei prințese pământești, Psyche, a înfuriat-o pe Venus cu frumusețea ei uimitoare. Zeița a decis să o distrugă, obligând-o să se îndrăgostească de cei mai fără valoare dintre muritori, pentru care și-a trimis fiul, Cupidon, cunoscut pentru săgețile sale de dragoste crude. Adevărat, în Apuleius Cupidon nu este un copil cu părul creț, capricios, ci un tânăr minunat, care are și un caracter bun. Vrăjit de frumusețea lui Psyche, însuși Cupidon se îndrăgostește de ea și se căsătorește în secret cu prințesa. Psyche se instalează într-un castel magic, unde oricare dintre dorințele ei este împiedicată, unde trăiește toate bucuriile vieții și ale iubirii cu o singură condiție: nu are dreptul să-și vadă soțul iubit. Instigarea surorilor și propria ei curiozitate, care leagă Psyche de personajul principal al romanului, o împing să încalce interdicția. În toiul nopții, Psyche aprinde lumina și, șocat de frumusețea lui Cupidon, picură din greșeală ulei în clocot din lampă pe umăr. Soțul dispare, iar Psyche, șocată de „crima” ei și așteptând un copil, pornește într-o lungă căutare a iubitei ei. În același timp, Venus, după ce a aflat despre totul, caută eroina. Mercur o ajută în căutarea ei și îi dă soacrei ei nora neiubită. În continuare, Psyche, cu ajutorul altor zei și al naturii însăși, îndeplinește sarcini complet insolubile puse în fața ei de Venus, până când în cele din urmă, atinsă de Jupiter, îi acordă lui Psyche nemurirea, calmând astfel Venus și unind soții.

Apuleius se considera pe sine și aparținea într-adevăr rândurilor filozofilor platoniciști, iar povestea lui Cupidon și Psyche confirmă acest lucru, reluând din nou ideea lui Platon despre rătăcirile sufletului. Dar nu numai acest lucru o face complet indispensabilă în roman, pentru că, așa cum s-a menționat deja, atât Lucius, cât și Psyche suferă de același lucru - propria lor curiozitate - nucleul motor al întregii cărți. Numai „pentru Psyche aceasta este apoteoză (Aici - glorificare, exaltare pentru Lucius - dăruire divină, tema suferinței și purificării morale prin suferință, comună basmului și romanului, conferă unitate acestor părți ale operei lui Apuleius". crede I.P. Strelnikova. Autorul, după cum vedem, este preocupat de problema destinului. „O persoană senzuală, potrivit autorului, se află la cheremul soartei oarbe, care îi dă nemeritat loviturile”[ 15; p.16].

Un rol important în narațiune și în dezvăluirea conceptului ideologic al romanului îl joacă apariția în „Metamorfoze” a unei alte figuri mitologice - zeița Isis. Informațiile despre ea sunt conținute în mitologia egipteană: în legendele despre zeul Ra și Isis, despre Isis și Osiris. Cultul lui Isis este o poveste conform căreia Osiris a fost un faraon și a condus o țară mare. Isis era soția lui. Fratele lor, Set, a fost gelos pe gloria faraonului și a complotat să-l omoare. Set a dat un festin bogat în cinstea fratelui Osiris, în timpul căruia a arătat cu mândrie tuturor un sicriu magnific, decorat cu argint, aur și pietre pretioase. Era un sicriu demn de zei, iar Seth a propus un concurs simplu, al cărui câștigător să primească sicriul: toți cei prezenți la festival trebuiau să se întindă în el, iar cel căruia i s-ar potrivi îl va primi drept recompensă. . Faraonul Osiris trebuia să fie primul. Sicriul a servit drept capcană și, de îndată ce puternicul faraon s-a întins în el, sicriul a fost închis cu un capac, bătut cu cuie și aruncat în Nil, care l-a dus în mare. După pierderea soțului ei, Isis a fost cuprinsă de durere. Se spunea că a călătorit mult în căutarea unui sicriu ornat. După ce a petrecut mulți ani rătăcind, Isis a aterizat pe țărmurile Feniției, unde a domnit Astarte nu a recunoscut-o pe zeiță, dar, simțindu-se milă de ea, a luat-o să aibă grijă de fiul ei. Isis a avut grijă de băiat și a decis să-l facă nemuritor. Pentru a face acest lucru, a fost necesar să plasați copilul în flacără. Din păcate, regina Astarte și-a văzut fiul în flăcări, l-a prins și l-a luat, rupând vraja și privându-l pentru totdeauna de acest dar. Când Isis a fost chemată la consiliu pentru a răspunde pentru acțiunile ei, zeița și-a dezvăluit numele. Astarte a ajutat-o ​​să-l găsească pe Osiris, spunându-i că un tamarisc mare a crescut lângă malul oceanului. Copacul era atât de mare încât a fost tăiat și folosit ca stâlp în templul palatului. Fenicienii nu știau că trupul marelui faraon Osiris era ascuns într-un copac frumos. Isis a adus trupul ascuns într-un tamarisc în Egipt. Răul Set a aflat de întoarcerea lor și a tăiat trupul faraonului în bucăți și abia după aceea l-a aruncat în Nil. Isis a trebuit să caute toate părțile corpului lui Osiris. Ea a reușit să găsească totul, cu excepția penisului. Apoi a făcut-o din aur și a pus trupul soțului ei. Prin îmbălsămare (Isis este considerată creatorul artei îmbălsămirii) și vrăji, Isis și-a reînviat soțul, care se întoarce la ea în fiecare an în timpul recoltei.

Isis a fost zeița supremă a magiei și prin dragostea ei pentru Osiris a devenit marea zeiță a iubirii și a vindecării. Templele ei din Egipt practicau vindecarea, iar Isis era cunoscută pentru vindecările miraculoase pe care le făcea.

Faima lui Isis și cultul ei s-a răspândit în alte țări. Ea a intrat în panteoanele grecești și romane ale zeilor. Isis a devenit cunoscută drept Doamna celor Zece Mii de Nume, deoarece în fiecare țară în care a apărut cultul ei, ea a absorbit multe dintre trăsăturile și ipostazele zeițelor locale.

„Ascultă, cititorule: te vei distra” - acestea sunt cuvintele care încheie capitolul introductiv din „Metamorfoze”. Autorul promite că va distra cititorul, dar are și un scop moralizator. Conceptul ideologic al romanului este dezvăluit abia în ultima carte, când liniile dintre erou și autor încep să se estompeze. Intriga primește o interpretare alegorică, în care latura morală este complicată de învățăturile religiei sacramentelor. Şederea rezonabilului Lucius în pielea animalului voluptuos „deja dezgustător” pentru Isis pură devine o alegorie a vieţii senzuale. „Nici originea ta, nici poziția ta, nici chiar știința care te deosebește, nu-ți este de vreun folos”, îi spune lui Lucius preotul lui Isis, „pentru că tu, fiind, prin pasiunea ta, tineri un sclav al voluptuozității, a primit o pedeapsă fatală pentru curiozitatea greșită.” Astfel, senzualității i se alătură un al doilea viciu, a cărui distructivitate poate fi ilustrată de roman - „curiozitatea”, dorința de a pătrunde în mod arbitrar în secretele ascunse ale supranaturalului. Dar cealaltă parte a problemei este și mai importantă pentru Apuleius. O persoană senzuală este un sclav al „soartei oarbe”; cel care a depășit senzualitatea în religia inițierii „sărbătorește victoria asupra sorții”. „O altă soartă te-a luat sub protecția ei, dar aceasta cu vedere.” Acest contrast se reflectă în întreaga structură a romanului. Până la inițierea sa, Lucius nu încetează să fie jucăria unei destine insidioase, urmărindu-l așa cum îi urmărește pe eroii unei străvechi povești de dragoste și conducându-l printr-o serie incoerentă de aventuri; Viața lui Luki după inițiere se mișcă sistematic, conform instrucțiunilor zeității, de la nivelul cel mai de jos la cel mai înalt. Am întâlnit deja ideea de a depăși soarta în Sallustie, dar acolo a fost atinsă prin „curaj personal”; la două secole după Salustie, reprezentantul societății antice târzii Apuleius nu se mai baza pe propriile forțe și s-a încredințat patronajului divinității.

„Metamorfozele” lui Apuleius – o poveste despre un om transformat în măgar – era numită în antichitate „Măgarul de aur”, unde epitetul însemna cea mai înaltă formă de evaluare, coincizând în sens cu cuvintele „minunat”, „cel mai frumos” . Această atitudine față de roman, care era atât distractiv, cât și serios, este de înțeles - a îndeplinit o mare varietate de nevoi și interese: dacă se dorește, se putea găsi satisfacție în divertismentul său, iar cititorii mai atenți primeau răspunsuri la întrebări morale și religioase. Faima lui Apuleius era foarte mare. În jurul numelui „magicului” s-au creat legende; Apuleius s-a opus lui Hristos. „Metamorfozele” erau bine cunoscute în Evul Mediu; nuvele despre un iubit într-un butoi și un amant care s-a trădat strănutând s-au mutat în Decameronul lui Boccaccio. Dar cel mai mare succes i-a revenit lui Cupidon și Psyche. Acest complot a fost lucrat de multe ori în literatură (de exemplu, La Fontaine, Wieland, în cazul nostru „Darling” de Bogdanovich) și a oferit material pentru creativitatea celor mai mari maeștri ai artei plastice (Raphael, Canova, Thorvaldsen etc. ).

CONCLUZIE

În ciuda istoriei lungi a acestui termen și a formei de gen și mai vechi, în critica literară modernă nu există o viziune clară asupra problemelor asociate conceptului de „roman”. Se știe că a apărut în Evul Mediu, primele exemple de romane au fost acum mai bine de cinci secole în istoria dezvoltării literaturii vest-europene, romanul a avut multe forme și modificări;

O serie de lucrări ale oamenilor de știință moderni pun la îndoială legitimitatea folosirii termenului „roman” în legătură cu lucrările de proză artistică și narativă antică, am stabilit că romanul lui Apuleius „Metamorfoze sau măgarul de aur” este un exemplu de roman antic;

„Metamorfozele” lui Apuleius – o poveste despre un om transformat în măgar – era numită în antichitate „Măgarul de aur”, unde epitetul însemna cea mai înaltă formă de evaluare, coincizând în sens cu cuvintele „minunat”, „cel mai frumos” . Această atitudine față de roman, care era atât distractiv, cât și serios, este de înțeles - a îndeplinit o mare varietate de nevoi și interese: dacă se dorește, se putea găsi satisfacție în divertismentul său, iar cititorii mai atenți primeau răspunsuri la întrebări morale și religioase.

În zilele noastre, această latură a Metamorfozelor, desigur, păstrează doar interes cultural și istoric. Dar impactul artistic al romanului nu și-a pierdut puterea, iar îndepărtarea timpului creației i-a oferit o atractivitate suplimentară - posibilitatea de a pătrunde în lumea ilustră și nefamiliară a unei culturi străine. Așa că numim și „Metamorfozele” „Măgarul de Aur” nu numai din tradiție.

LISTA REFERINȚELOR UTILIZATE

1) Roman antic / Culegere de articole. - M., 1969.

) Apuleius „Metamorfoze” și alte lucrări/ ed. S. Averintseva. - M.: Fictiune, 1988.

)Bakhtin, M.M. Eseuri de poetică istorică / M.M. -

)Belokurova, S.P. Dicţionar de termeni literari / S.P. Belokurova. - M., 2005.

) TSB: în 30 T. / Ed. III. - M.: Enciclopedia Sovietică, 1969 - 1978.

) Wikipedia

)Gasparov, M.L. Literatura greaca si romana secolele II - III. n. e.// Istoria literaturii mondiale. - T. 1.

) Gilenson, B.A. Istoria literaturii antice / B.A. Gilenson. - M.: Flinta, Nauka, 2001.

)Grigorieva, N. Oglinda magică a „Metamorfozelor” // Apuleius „Metamorfozelor” și alte lucrări/ ed. S. Averintseva. - M.: Ficțiune, 1988.

)Grossman, L. //Enciclopedia literară: în 11 T. - T.9. - M.: OGIZ RSFSR, Institutul de Stat, Enciclopedia Sovietică, 1935.

)Kozhinov, V.V. Originea romanului / V.V. Kozhinov. - M., 1963.

)Kun, N.A. Legende și mituri ale Greciei Antice / N.A. Kun. - M., 2006.

)Enciclopedie literară în Vol. 11 - Vol.9. - M.: OGIZ RSFSR, Institutul de Stat, Enciclopedia Sovietică, 1935.

)Losev, A.F. Istoria literaturii antice / A.F. Losev. - M.: Nauka, 1977.

)Polyakova, S.V. Despre romanul antic // Ahile Tatius. Leucippe și Clitofon. Lung. Daphnis și Chloe. Petronius. Satyricon. Apuleius. Metamorfoze. - M., 1969. - P. 5-20

) Pospelov, G. // Enciclopedie literară: în 11 T. - T.9. - M.: OGIZ RSFSR, Institutul de Stat, Enciclopedia Sovietică, 1935.

)Poe, E. Roman antic // Roman antic. - M., 1969.

)Raspopin, V.N. Necazurile lui Apuleius din Madaura // Literatura Romei antice. - M., 1996.

)Rymar, T.N // Enciclopedie literară: în 11 T. - T.9. - M.: OGIZ RSFSR, Institutul de Stat, Enciclopedia Sovietică, 1935.

)Strelnikova, I.P. „Metamorfozele” lui Apuleius // Roman antic. - M., 1969.

)Suslova, N.V. Cel mai recent dicționar literar-carte de referință / N.V. Suslova. - Mn., 2002.